Ingenieurkunst: Raumgestaltung mit Dr. Julian Parker
Es ist zehn Jahre her, dass Native Instruments sein Flaggschiff-Beat-Making-Instrument MASCHINE auf den Markt gebracht hat. Als Teil unseres Rückblicks im letzten Jahrzehnt treffen wir wichtige Akteure des Unternehmens, die dazu beigetragen haben, MASCHINE zu etwas Besonderem zu machen, und das heute Musikproduzenten auf der ganzen Welt inspiriert.
Einige Funktionen sorgen für Schlagzeilen. Andere finden Gefallen, einfach weil sie so gut klingen. In dieser Serie werden einige der unterprämierten, von den Fans bevorzugten Features genauer betrachtet – die Geschichten dahinter herausfinden und die Leute kennenlernen, die sie gemacht haben.
In dieser Ausgabe von Engineering Artistry sprechen wir über Raum. Nicht die galaktische Art, aber eines der grundlegendsten Klangelemente: Reverb.
Der Weltraum ist die Spezialität von Dr. Julian Parker. Heute ist er Principal Software Engineer für DSP bei Native Instruments. Seine Hände waren in einigen unserer beliebtesten weltraumorientierten Effekte, einschließlich REPLIKA und REPLIKA XT. Und zusammen mit Steinunn Arnardottir, mit dem wir auch Kontakt aufgenommen haben, ist Julian für die Erstellung eines großen Teils des MASCHINE-Reverb-Plug-Ins verantwortlich. Wie wir weiter untersuchen werden, ist es eine Liebesarbeit, die zu einem außergewöhnlichen Effekt geführt hat – der die üblichen Standards für Standard-Plug-Ins bei weitem übertrifft.
Wir wollten nicht nur herausfinden, was in einem großartig klingenden Hall steckt, sondern auch die Geschichte des Mannes hören, der dahintersteckt – und eigene Reflexionen anstellen.
Für die meisten von uns ist es die früheste Erfahrung, durch einen großen, halligen Raum wie einen Tunnel zu laufen. Wir schreien, schreien, klatschen und der Klang dröhnt um uns herum. Für ein Kind ist es unwiderstehlich. Wie Julian seine frühen Erinnerungen an Geräusche erzählt, ist es offensichtlich, dass diese kindliche Neugier, in Tunneln zu schreien, seine Karriere entfacht haben könnte. „Ich erinnere mich, dass ich mit meiner Familie in den Lake District gegangen bin, als ich ungefähr acht oder neun Jahre alt war“, beginnt Julian. „Wir waren in einem Tal mitten im Nirgendwo und es war super leise – man konnte außer gelegentlichen Schafen nichts hören. Ich entdeckte, dass Sie dieses große Spiegelbild von der gegenüberliegenden Talseite erhalten würden. Wenn ich klatschte, bekam ich dieses erstaunliche Echo – ich erinnere mich, dass ich eine Weile damit geschrien und gespielt habe. „
Es sind diese frühen Erinnerungen an Klang und Musik, die uns später beeinflussen, und Julian hat viele davon. „Mein Vater hatte ein Tonbandgerät, mit dem wir zusammen herumspielen würden“, fügt er hinzu. „Wir haben dort Material aufgenommen und es rückwärts abgespielt oder es verlangsamt und mit dem Band rumgespielt.“
„Dann wollte mein Vater nicht mehr von Rolle zu Rolle, also habe ich es übernommen und angefangen, ein paar seltsame Sachen damit zu machen. Ich hatte auch ein ZX-Spektrum; es war zu der Zeit eine Art alter, beschissener Computer. Alle anderen hatten einen SNES oder Amiga oder was auch immer, aber ich hatte mein Spektrum. Man könnte damit coole Sachen machen, wie das Programmieren von BASIC-Bits. Es würde Geräusche machen, die ich auf das Band aufnehmen und dann alle möglichen seltsamen Sachen machen könnte. “
„Als ich 16 Jahre alt war, bekam ich endlich meinen ersten Synth. Mir wurde klar, dass ich in der lokalen Anzeigenzeitung nachsehen und Dinge entdecken konnte, die die Leute zu einem niedrigeren Preis als dem Wert verkauften. Dann würde ich es kaufen und dann für mehr Geld an eine andere Person drehen. Nach einer Weile habe ich es geschafft, eine schöne Sammlung von Musikzubehör zu bekommen, ohne viel Geld auszugeben. “
Nach dem Abitur bekam Julian einen Studienplatz an der Universität Cambridge, um Physik und Naturwissenschaften zu studieren. Das bedeutete, dass die Musik zurücktreten musste – vorerst. „Zu diesem Zeitpunkt schien der Sound und die Musik eher ein Hobby zu sein. Ich habe erst Physik, dann Astrophysik studiert. Aber ich wollte keine Karriere im akademischen Bereich machen, und das ist so ziemlich die einzige Option in diesem Bereich. „
Erst später konnte Julian seine beiden Leidenschaften durch ein innovatives Masterprogramm an der Universität Edinburgh verbinden. „Ich habe beschlossen, das, was ich in Physik gelernt habe, mit meinem Interesse an Klang und Musik zu kombinieren. Also bin ich in Edinburgh in diesen Masterkurs eingestiegen – ein paar andere von Native haben diesen Kurs gemacht. Es war ein großartiger Kurs, denn es war Musik, Technik und Akustik für Leute mit physikalischem Hintergrund. Aber auch 50% des Kurses könnten Sounddesign und ähnliches sein, wenn Sie möchten. Es war sehr interdisziplinär – super technisch, aber auch sehr kreativ. “
„Ich habe meine Diplomarbeit über den Frühlingshall geschrieben, den sich noch niemand zuvor angesehen hatte. Danach habe ich einen Doktortitel gemacht. in Helsinki, Finnland. Der Professor interessierte sich für das, was ich mit dem Thema Frühlingshall gemacht hatte, und ich blieb mehr als vier Jahre dort. “
Zum Zeitpunkt seiner Promotion hatte Julian bereits viele seiner zukünftigen Kollegen getroffen. Es dauerte nicht lange, bis sich eine Gelegenheit für Native bot, und einige seiner frühen Projekte umfassten die Überarbeitung des MASCHINE-Limiters mit einem neuen Transparent-Modus. Danach wurde er hineingezogen, um einen wunderschönen neuen Hall für MASCHINE zu kreieren.
„Der Maschinenhall ist aus einer User-Anfrage entstanden – der alte war ein bisschen Lo-Fi. Steinunn Arnardottir hatte bereits einen Plattenhall gemacht, und sie baten mich, mehr zu tun. Also dachte ich mir,
ich mache das so üppig wie möglich! Die ursprüngliche Idee war, dass es speziell für Drums sein sollte – so entstand der Room-Modus. „
Ein guter Raumhall ist der Schlüssel für ein fetter klingendes Schlagzeug. Es kann Kicks, Snares und Snaps zusätzliches Gewicht und zusätzliche Dichte verleihen und ihnen dabei helfen, in Ihrem Mix zu sitzen. Das hatte Julian im Sinn, als er den Raumhall für MASCHINE entwarf. „Ich habe darüber nachgedacht und warum klingt ein Hall auf dem Schlagzeug so gut? Ich kam zu dem Schluss, dass es um einen schnellen Aufbau von Echos ging – einen schnellen Beginn und dann viel Dichte, so dass es ein wenig bricht.
Julian war von den konventionellen Methoden zum Entwerfen von Halleffekten nicht überzeugt und machte sich daran, eine eigene Technik zu entwickeln. „Eine der Standardtechniken ist ein Feedback-Verzögerungsnetzwerk, in dem viele Verzögerungsleitungen parallel geschaltet sind. Diese werden dann gemischt und über eine Matrix an den Eingang zurückgeführt. Die meisten Leute benutzen diese spezielle Art von Matrix, weil es das ist, was es in den Zeitungen vor 20 Jahren heißt, aber ich habe gemerkt, dass das nicht funktioniert. Das bedeutete, dass Sie tatsächlich weniger Dichte aus dem Hall herausholen, als Sie könnten. “
„Ich habe eine neue Methode entwickelt, um diese Matrix durch eine andere zu ersetzen, mit der Sie eine sehr viel höhere Dichte erhalten. Ich habe ewig damit verbracht, Verzögerungszeiten zu wählen – Reverb ist so verdammt hart! “
Während der Room-Modus für kürzere, perkussivere Sounds perfekt ist, schafft der Hall-Modus größere, üppigere Räume. „Einige Vintage-Reverbs haben aufgrund der intern hinzugefügten Modulation einen besonderen Klang“, erklärt er. „Es ist da, damit es glatter klingt und es endet mit einer Art Wärme und Üppigkeit im Schwanz. Ich habe diesen Sound immer geliebt. „
„Für den Hall-Modus habe ich versucht, ihn in diesem ersten Aufprall viel spärlicher und geräumiger zu gestalten, da er dann zu einem glatten Heck aufsteigt. Der Grund dafür ist, dass Sie für melodische Sachen den Anschlag der Note so unberührt wie möglich lassen möchten, damit sie nicht matschig wird. “
„Es gibt eine Steuerung namens“ Weichheit „, die die Sache rückwärts rampen. Die Idee war, dass dieser Modus genau das tun würde, was herkömmliche Hallgeräte tun, nämlich den Klangkörper zu verstärken und ihn länger klingen zu lassen als er ist. “
Die Leute sagen oft, der Grund, warum sie MASCHINE lieben, ist, dass es einfach gut klingt. Da der Nachhall ein wesentlicher Bestandteil der Musik ist, kann dieser spezielle Nachhall dazu beitragen, diese Güte zu erklären. „In mancher Hinsicht ist ein guter Nachhall der billigste Produktionstrick im Buch – man kann ihn auf alles einschlagen und es wird gut klingen.“
„Ich denke, die Leute verbinden sich mit Reverbs auf eine Art und Weise, die sie nicht unbedingt mit anderen Effekten tun“, fügt Julian hinzu – und das ist wahr. Reverb verbindet sich auf emotionaler Ebene und versetzt uns in Klangräume, die sich so real und faszinierend anfühlen wie die hallende Kirche, der gespenstische Tunnel oder der atmosphärische See, der uns als Kinder zum ersten Mal gefesselt hat.
Möchten Sie mehr über Hall und seine Verwendung erfahren? Schauen Sie sich diese fünf Top-Videos für die Verwendung von Hall in der Praxis an:
Ingenieurkunst: Mathematik + Musik mit Steinunn Arnardottir
Die weltweite Hip-Hop-Community hat MASCHINE im letzten Jahrzehnt angenommen. Laut seinen Anhängern liegt dies daran, dass es die besten Teile der klassischen Hardware mit den neuesten Produktionstechniken kombiniert. Dies ist zum Teil den leistungsstarken Sampling-Chops von MASCHINE und der Fähigkeit zu verdanken, die legendären Sampler alter Zeiten durch seine Vintage-Sampler-Modi zu imitieren. Bevor wir uns mit diesem beliebten Feature befassen, wollten wir wissen, wer es gemacht hat: Steinunn Arnardottir. Heute ist sie Director of Engineering bei Native Instruments und leitet ein Team von 50 Entwicklern, Ingenieuren und Designern. In ihren Anfangsjahren bei Native hat sie sich jedoch bei einer Reihe von DSP-Projekten (Digital Signal Processing) einen Namen gemacht. Dazu gehörten der Transient Master-Effekt und der Vintage Sampler-Modus von MASCHINE – der Schwerpunkt dieser Geschichte.
Wie viele bei Native war Musik ein zentrales Thema in Steinunns Leben – und es begann früh. „Mein Vater ist oft in Plattenläden gegangen. Ich ging oft mit ihm und er ließ mich normalerweise einen Datensatz auswählen – so begann ich mit sechs oder sieben Jahren meine Sammlung aufzubauen. Soweit ich mich erinnern kann, habe ich mich immer für Musik begeistert. “ „Ich habe mit neun Jahren angefangen, Klavier zu spielen, habe dann aber auch viel Hip-Hop und elektronische Musik gehört. Es war meine Art, von dem, was ich in meinen traditionellen Lektionen spielte, abzuweichen. Ich erinnere mich an eine Zeit, in der ich das Interesse an meinem Klavierunterricht verlor und meine Klavierlehrerin – die wirklich großartig war – ihr Bestes tat, um mich zu retten. Sie fragte mich: „Okay, welche Art von Musik möchtest du spielen?“ Und als ich ihr die Kopfhörer von meinem Walkman gab, sagte sie: „Whoa!“ Dann gab sie mir ein Beatles-Buch – und wir entschieden gemeinsam Zu diesem Zeitpunkt war es vielleicht an der Zeit, dass wir uns trennen “, lacht sie. In Steinunns frühen Teenagerjahren entwickelte sich die Musik zu einer Leidenschaft. „Ich mochte Funk, Disco und Hip Hop. Ich gehöre zu dieser kistengrabenden Hip-Hop-Generation. Wenn Sie anfangen, die Samples zu durchsuchen, werden Sie auf Funk, Jazz und Blues zurückgeführt. Ich nehme an, es war eine Art Recherche für mich – selbst in jenen Tagen, als ich das tat. Ich begann zu analysieren, warum ich bestimmte Arten von Musik mochte, und zwar auf differenzierteren Ebenen von Samples und Texturen. Diese Neugier hat sich auch in meinen Studien zur Signalverarbeitung niedergeschlagen. “ Obwohl sie wusste, dass sie ein Händchen für Mathematik hatte, war der Gedanke, nerdig zu wirken, für Steinunn ein Grund zur Sorge. „Als Teenager habe ich Mathe geliebt, aber es hat diese innere Spannung mit mir selbst erzeugt. Ich habe nichts sehr cooles gesehen, was du damit machen könntest. Die Dinge, die verwendet wurden, um das Interesse an Ingenieurstudien an der High School zu wecken, waren zum Beispiel Warteschlangenmodelle an einem Hamburgerplatz oder Dinge, die das Tragen eines Schutzhelms beinhalteten. Voller Respekt vor den Leuten, die das tun, aber wenn ich früher von Audio-DSP gewusst hätte, hätte es mir viel Sorge erspart, was ich tun wollte. „
Musik war schon immer Steinunns größtes Hobby und Leidenschaft, aber sie sah sich nie als Musikerin. Zu ihrer Überraschung war es die Technik, die ihr die Möglichkeit geben würde, diese Leidenschaft zu kanalisieren. „Ich war ein bisschen mehr ein Mensch hinter den Kulissen“, sagt sie. „Ich war immer gut in Mathe und habe es gern gelernt. Aber als mir klar wurde, dass man Mathematik und Musik im Bereich der Elektrotechnik mit Signalverarbeitung verbinden kann, war das, als würde man das Licht sehen. Zu Beginn meines Studiums wurde mir klar, dass man diese beiden Dinge kombinieren kann – es war, als würde ich mein neues Ich finden. “ Nach dem Besuch des Masterstudiengangs Musiktechnologie am Zentrum für Computerforschung (CCRMA) für Musik und Akustik in Stanford dauerte es nicht lange, bis Steinunn ihren Weg nach Berlin fand. „Als Musiker kannte ich Native Instruments schon eine Weile. Ich lernte die Produkte kennen, als ich anfing, mich ein bisschen mehr mit DJing und Produktion zu beschäftigen. Ich habe mich entschieden, eine Zeile zu drehen, als ich mein erstes Jahr in Musiktechnologie beendet habe, weil es mein Traumjob war. “ Diese Tage, in denen sie im Teenageralter nach Hip-Hop-Samples gesucht hatte, fanden eine neue Relevanz, als sie einen Sommerjob bei Native bekam. Ihre erste Aufgabe war es, Effekte basierend auf Vintage-Samplern – der legendären Hardware hinter Old-School-Hip-Hop – zu erstellen und sie zu MASCHINE zu bringen.
„Ich fand es ziemlich aussagekräftig“, strahlt sie. „Normalerweise schaue ich zu Beginn eines solchen Projekts nach den kulturellen Anfängern dieser Geräte. Vintage Sampler und ihre Grobheit haben einen bedeutenden Beitrag zur Musik geleistet, die von ihnen kam. “ Es wird oft gesagt, dass Begrenzung Innovationen vorantreibt, und das galt für Vintage-Sampler wie den E-mu SP-1200 und den MPC60. Der SP-1200 hatte eine maximale Einzelabtastzeit von 2,5 Sekunden. Die Produzenten haben dies jedoch überwunden, indem sie 33⅓ U / min-Aufzeichnungen bei 45 U / min abgetastet haben, die Tonhöhe erhöht und dann das Sample mit einer viel langsameren Geschwindigkeit abgespielt haben. Diese Technik, kombiniert mit der primitiven Pitching-Technologie, führte zu einem körnigen Lo-Fi-Sound, der ab Ende der 80er und Anfang der 90er Jahre zum Synonym für Rap- und Tanzmusik wurde.
„Wenn Sie die Musikproduktionswerkzeuge der Vergangenheit studieren, ist es schwierig, diesen Ingenieuren keinen enormen Respekt zu zollen“, fügt Steinunn hinzu. „Zum Beispiel Ingenieure, die mit Bauteilen mit begrenztem linearen Bereich arbeiten mussten, oder im Falle der frühen digitalen Technologie wie Samplern, mit begrenztem Speicher. Sie mussten Problemumgehungen für die Grenzen dieser Zeit schaffen. “ Technologie fortgeschritten, aber der Sound blieb Kult. Mit einer ständig wachsenden Zahl von Herstellern, die die Magie der alten Schule nutzen möchten, erzielt Vintage-Hardware jetzt Preise in Tausenden. Es gibt jedoch eine einfachere und kostengünstigere Möglichkeit, diesen Sound zu erhalten – und dank Steinunn ist er direkt in MASCHINE integriert. Es ist schwer zu sagen, warum Vintage-Sampler einen gewissen Zauber in ihrem Sound haben. Wie fängt man etwas so Immaterielles ein? Steinunns Ansatz ist eine Mischung aus systematischem Engineering und einfachem Vertrauen in Ihre Ohren. „Frühe Sampler hatten Sample-Raten, die deutlich unter der Audio-Rate lagen, was bedeutete, dass die Ingenieure Maßnahmen ergreifen mussten, um unerwünschte Aliasing-Effekte sowie die geringere Bittiefe als heute üblich zu verhindern. Um diesen Effekt wiederherzustellen, musste ich einen Algorithmus erstellen, der das Signal degeneriert. Dies beinhaltete ein Downsampling und eine Quantisierung des Signals, so dass es so klingt, als hätte es eine bestimmte Anzahl von Bits. Ich habe es akustisch und visuell studiert und die Frequenz mit Spektrogrammen usw. aufgezeichnet. “ Dieser methodische Ansatz blieb den Kollegen nicht verborgen. „Ich saß an meinem Schreibtisch, umgeben von Vintage-Samplern, und schlug zufällig auf die Pads. Mein DSP-Kollege Mickael LeGoff arbeitete an einem Gitarrentuner, also nahm er sich gerade eine Gitarre und spielte zufällige Noten. Marcus Rossknecht [Leiter MASCHINE Marketing] betrat unser Zimmer und wurde uns nie vorgestellt. Er warf einen Blick auf uns und scherzte: „Wer bist du? Was tun Sie hier? Und bezahlen wir Sie dafür? „Es muss für ihn seltsam ausgesehen haben.“
Nach Abschluss des Projekts packte Native die Effekte zusammen und veröffentlichte sie als Teil von MASCHINE 1.5. Es war ein sofortiger Erfolg in der Hip-Hop-Community. „Der S1200, der MP60 und all diese Sampler-Modi haben uns sehr gut gefallen“, freut sie sich. „Viele große Hip-Hop-Künstler und -Produzenten sagten, dass sie sich für Maschine interessiert hätten. Das hat mich sehr inspiriert, zumal ich gerade erst meine Karriere begonnen habe. “ Steinunns Karriere bei Native würde von Stärke zu Stärke gehen. Zehn Jahre später ist sie von DSP Engineer zu Director of Engineering aufgestiegen und eine der angesehensten Persönlichkeiten bei Native. Nebenbei trug sie zu beliebten Produkten wie KONTAKT, GUITAR RIG, TRAKTOR und natürlich MASCHINE bei.
Wir haben uns mit der Vergangenheit befasst, also interessiert mich, was Steinunn an der Zukunft der Audiotechnologie begeistert. „Der Trend der letzten Jahrzehnte, immer mehr Rechenleistung zur Verfügung zu haben, hat immer anspruchsvollere Projekte ermöglicht. Jetzt haben wir mit Commodity Cloud Computing ein neues Level erreicht. Das wird feldübergreifend interessant, vorausschauend. “ Musiker können aufatmen – zumindest laut Steinunn übernehmen die Roboter nicht. „Ich befürchte nicht, dass die maschinelle Intelligenz die menschliche Kreativität übernehmen wird, sondern vielmehr, wie wir solche Tools einsetzen können, um die Komplexität zu packen und mühsame, sich wiederholende Aufgaben zu ersetzen. Im weiteren Sinne – und nicht nur im Bereich der Musiktechnologie – interessiert mich, wie wir als Mensch immer intelligentere Technologien einsetzen, um uns zu helfen. “ 10 Jahre MASCHINE Angefangen von Künstlergeschichten und Engineering-Geschichten bis hin zu Hardware-Umgestaltungen und Geburtstagsgeschenken. Feiern Sie mit uns zehn Jahre mit Stil. Bleiben Sie dran, wenn wir Ihnen die nächsten Schritte für die MASCHINE-Software mitteilen. Wir werden mit den Entwicklern sprechen, die hart daran arbeiten, die von Ihnen gewünschten Funktionen zu realisieren.
Industrial ist eine Kunst- und Musikrichtung, die sich ab der Mitte der 1970er-Jahre weltweit aus Elementen der experimentellen und Avantgarde-Musik sowie der Konzept- und Aktionskunst entwickelte.
Er war ein entschlossener Mensch und Künstler (großartig). Er war romantisch und damit verrückt wieviele wirkliche Künstler.
Der Groove erinnert an Industriegeräusche und deren monotonen Phrasen. Wie in der afrikanischen Musik. Hört man die gewaltige Wirklichkeit (Natur) Gott!
Er sagte er sei nicht motorisch, da es nicht von der Maschine kommt, ist er human, der Groove!
Heute könnte er sagen, dass auch die Maschine dem menschlichen Puls folgen kann.
Puls s.a. Freejazz
Er wollte Normen brechen. Der Puls ist ein never ending Flow.
Die Visual Arts von heute sind nicht wirklich neu!! Nur eleganter gelöst durch Maschinen (Jitter, MAXMSP).
Er wollte nicht über Musik theoretisieren. Er liebte die Szenerie auf der Bühne, die surrealen Momente, Energy Playing…..
brachialer, human motorischer Beat!! …….es hört nicht auf, es geht immer weiter!! Flow!!
echte Musik = Kunst!!
deutsch = konstruktiv, präzise,…
Der Groove ist wie eine lange Gerade (Autobahn), man kann aber in verschiedenen Stilen fahren!!
Musik hilft zu träumen, sie erinnert an den urschrei. An etwas stammesgeschichtliches der Menschheit. Unser kollektives Unterbewusstsein reagiert auf den monotonen Beat (Puls), wie bei einer Schamanentrommel.
Das Herz ist ein Muskel, niemand weiß wieso der Sinuskoten anfängt zu schlagen,
– es ist eine Maschine
– eine Trommel
und eines Tages hört er wieder auf zu schlagen, dann sind wir in einer anderen Energieform.
..weniger ist mehr ist Stephen Morris’s Motto. ….permanent überdrehen als drummer, das mag niemand. aber mit energie einen Groove in der Loop zu spielen, mit ganz wenigen Variationen, das ist Afrika. Es ist immer derselbe Achtel Groove, nur mit anderen Startpunkten.
Die Geschichte des Techno (elektronische Musik) beginnt mit einem gebrochenen Herzen. Für den jungen Musiker Klaus Dinger endet der Sommer 1971 alles andere als erhofft: sein Liebesglück mit einer jungen Schwedin ist zerbrochen. Zuflucht und Trost findet er an den Drums. In seinem Liebesleid schafft Dinger einen Stil, der Generationen von Musikern inspiriert – darunter Brian Eno und David Bowie.
Ein junger Musiker, schier unüberwindbarer Liebeskummer und ein paar Drums – das sind die Zutaten, die es braucht, um Musikgeschichte zu schreiben. Als Klaus Dinger im Sommer 1971 mit gebrochenem Herzen nach Düsseldorf zurückkehrt, hätte wohl niemand gedacht, dass er aus seinem Liebesleid heraus einen Musikstil erschaffen würde, der Generationen von Musikern inspiriert. Der junge Musiker ist verzweifelt: Seine Liebe zu einer jungen Schwedin ist zer-, sein Herz gebrochen. Trost findet er jetzt nur noch an seinen Drums. Die ständige Wiederholung eines pulsierenden Beats wirkt geradezu hypnotisch und gibt ihm das beruhigende Gefühl, nicht aufzugeben. Der auf den ersten Blick simpel anmutende Stil geht als „Motorik“ in die Musikgeschichte ein und spricht vielen Musikern aus dem (gebrochenen) Herzen. Für Dinger ist Rhythmus wie das Leben: „Es geht darum, weiterzumachen.“ Und Dinger macht weiter – mit seinen Bands Neu! und La Düsseldorf. So wird der Düsseldorfer Krautrock zum Soundtrack der 80er – und Dinger zum Urvater des Techno. Der Dokumentarfilm widmet sich der Entstehung dieses besonderen Beats. Jacob Frössén lässt dabei Künstler und Musiker wie Iggy Pop, Emma Gaze oder Stephen Morris zu Wort kommen. Und auch die musikalische Beigabe darf nicht fehlen. Eigens für den Film schafft er neue Kompositionen für Percussion und Schlagzeug. Natürlich im Motorik-Stil – aufgepeppt und neu interpretiert mit Elektro-Schlagzeugen und traditionellen indianischen Trommeln.
Born in 1937 in Zürich, Thomas Kessler studied German and Romanic linguistics at the Universities of Zürich and Paris, composition with Heinz Friedrich Hartig, Ernst Pepping and Boris Blacher in Berlin where he founded his own electronic studio in 1965. In the following years, he was appointed as the director of the Berlin Electronic Beat Studio and musical director of the Centre Universitaire International de Formation et de Recherche Dramatiques in Nancy, France.
From 1973 until 2000 taught composition and theory at the Basel Music Academy where he created its electronic studio. Founder of Tage für neue Musik festival in Zürich, together with Gerard Zinsstag, and the live-electronic music festival Echt!Zeit with Wolfgang Heiniger in Basel. Currently lives in Basel and Toronto.
«Es gibt keine richtigen oder falschen Klänge – alles ist möglich»
Späte Ehre für einen Musikpionier: Der Schweizer Thomas Kessler ist Composer-in-Residence am diesjährigen Lucerne Festival. Mit seinen unkonventionellen Ideen mischt er bis heute den Konzertbetrieb auf.
udo matthias drums electronic software
Lila Engel
Records
Click me!!
Arbeiten –
:format(jpeg):mode_rgb():quality(40)/discogs-images/A-10263-1521181152-8217.jpeg.jpg)
