Wenn es jemand wünscht: Ich kann auch aus der Kniescheibe lesen.
If anyone wishes: I can also read from the kneecap.
Doug Hammond – „Music is much more than the articulation of mathematically executed notes“ (Steve Lacy)
Ich hasse nichts mehr als Kleingeister mit Schubladenmoral!!
Für mich ist JAZZ,Rock und Blues, Musik allgemein, immer auch ein Ausdruck des politischen Protests. Wer etwas anderes behauptet, redet schlichtweg Quatsch.
Polyphone Musik war sein Spezialgebiet, sie soll den Geist des Menschen gefördert haben. Das besondere an ihr ist, dass sich scheinbar miteinander konkurierende Linien und Melodien zu einem harmonischen Ganzen verbindet. Jede melodische Idee steht für sich -oder: kann für sich stehen – und fügt sich dennoch in ein größeres musikalisches Gesamtbild ein, das genauso wie das einzelene Motiv, Sinn ergibt. Beim Hören von polyphoner Musik wird der Mensch demnach dazu angeregt, einseitige – musikalisch gesprochen einstimmige – Gedanken in den Kontext vielschichtiger – musikalisch gesprochen vielstimmiger – Gedankengänge zu integrieren. Das vielfältige offenbart sich als grandiose Harmonie – genauso, wie es das Quentenfeld beabsichtigt hat – und entlarvt die Einfalt als Aspekt höherer Zusammenhänge. Das hört man an seinen Fugen, der Musik von Sun Ra, Ornette Coleman, Th.Monk…Frank Zappa, genauso wie in Rock und Metalmusik. Denn, seine Botschaft lautete: die Welt, wie sie Gott erschaffen hat, ist in ihren unterschiedlichen Weltsichten der Menschen, eine einzige Harmonie. Bach hatte max. fünf Stimmen in seinen Werken, das ist lächerlich im Vergleich der milliardenstimmigen Komposition des Quantenfeldes, bei der ein jeder Mensch eine individuelle Melodie ist, und dennoch, in der Summe aller Menschen, als Menschheit: eine einzige Harmonie des „WIR“.
„Die wirkliche Musik musikalisiert die ganze Welt, und das geht sogar noch über die Musikkulturen der Länder und Völker hinaus; es bezieht sich auf das Hören schlechthin; aud das Rauschen des Meeres, den Gesang der Vögel. Alles besteht aus „Rauschen„.
Für mich ist Jazz so etwas wie ein Fluchtpunkt!!
Konzept!!
Personnel: Art Farmer (trumpet), Hal McKusick (alto sax), Bill Evans (piano), Barry Galbraith (guitar), Milt Hinton (bass), Paul Motian (drums), George Russell (arrange)
zu dem was mich musikalisch und an der Kunst interessiert.
Die Quellenangaben vernachlässige ich vielleicht an manchen Stellen. Wo das der Fall ist verzeihe man mir. Es gibt sehr sehr wahrscheinlich nichts von mir. Vieles was ich gelesen und gelernt habe ist in mein Gedankengut eingegangen, ohne, dass ich mich erinnere von wem es war und ist. Würde ich mit meiner Arbeit Geld verdienen, müsste ich mir das genauer überlegen genauso wie bei einer wissenschaftlichen Arbeit.
Aber alles was man hier findet ist nichts weiteres als das was aus meiner Liebe zur Musik, insbesondere der avantgardistischen und dem Jazz. Und ich mache bewusst Werbung für die Künstler dieser Stile. Mehr nicht.
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Ich glaube ich mache Musik aus Klängen!?
electronic soundmusic
elektronische klangmusik
Jedes Wesen, jedes Ding(Objekt), auch die, die unbelebt scheinen, gibt einen besonderen eigentümlichen Ton von sich, der sich den verschiedenen Zuständen entsprechend ändert, durch welches das Wesen oder Ding(Objekt) hindurch geht.
Wesen und Objekte sind Zusammenballungen kleinster Teilchen die Tanzen und durch ihre Bewegungen Töne hervorbringen. Einfach formuliert aber im Kern wahr!!
Regenwürmer und Grains
Wirkungsvolle Tätigkeiten als Kreislauf
Ein Ganzes aus schwingender Energie.
Die magischen, ursprünglichen Gesänge wurden heilig und man achtete aufmerksam auf den Wef, auf dem man sich dem Ton näherte, wie auf den Ton selbst.
Die zwei Wörter magisch und heilig sind zentral.
Wie unterscheiden sich das Magische und das Ästhetische grundlegend?
Wie kann man eine Verwechslung von religiös und heilig vermeiden?
Das ist äusserst wichtig, denn die Revolution des Bewusstseins, auf die man in der Musik der Avantgarde Hoffnung setzt, kann nur positiv beurteilt werden, wenn man sich klarmacht, daß sie einen wenn auch unvollständigen Versuch darstellt, die Gefühle neu zu wecken welche die Menschen einst für das Magische und das Heilige hegten!!
(FMP) heißt ein unabhängiges BerlinerPlattenlabel, das hauptsächlich im Bereich des Free Jazz beheimatet war. Im Februar 2003 kündigte FMP den Lizenzvertrag mit seinem Vertrieb und stellte 2004 vorübergehend seine Produktionstätigkeit ein. Produktionen des Labels werden mittlerweile auf mehreren anderen Labels (z. B. Atavistic/Unheard Music, Intakt Records oder JazzWerkstatt) wiederveröffentlicht. 2008 wurde die Produktion wieder aufgenommen, um 2011 endgültig eingestellt zu werden.
Klang, Ton, Geräusch – NOISE-DSP-Glitch etc. Mathrock, Experimental, Avantgarde,..
Elektronische Klangmusik ist einfach nur Klang in Bewegung, mit dem Ziel einer Resonanz in der Seele des Hörenden, Musik des inneren Daseins, nicht nur physisch oder intellektuel konstruiert…..
Vielleicht löst sie innere Erfahrungen bei dem Hörere aus, der sich darauf einlässt, also empfindliche Menschen zu einem intensiveren Fühlen und Erleben stimulieren.
…ganzheitliche Musiktheorie. große Bedeutung hat hier das Pythagoreische Denken, die Obertonproportionen der Harmoniker, der Oktavenbereich der einzelnen Obertöne, wie in „Secret Doctrine von Helene Blavatzki und schließlich das Wissen um das Schamanentum, die alte indische Musik und unsere eigene frühchristliche und mittelalterliche Tradition.
Ton oder Oktave in einem geistig-übertragenen Sinn verwenden.
syntonische Musik (eine Musik mir der Absicht, die psychische Energie konkreter Töne zu vermitteln), holistische Resonanz, Entkonditionierung und Archetypenlehre, dissonante Harmonie,Pleroma des Klanges.
Ein dissonanter Akkord enthält eine Spannung und strebt nach Auflösung. Zu den dissonanten Akkorden zählen all jene Akkorde, die Sekunden, Septimen, übermäßige und verminderte Intervalle enthalten. Dissonante Akkorde sind insbesondere alle Septakkorde. Aber auch Quartakkorde gelten seit dem 13. Jahrhundert als dissonant.
Ob ein Akkord als konsonant oder dissonant empfunden wird, ist ein subjektives, wandlungsfähiges Phänomen und kann nur teilweise physikalisch erklärt werden.
Insbesondere mit der atonalen Musik verlor die Unterscheidung von Konsonanz und Dissonanz ihre Bedeutung. Man spricht hier nur noch von Sonanzen (Intervallen) und Sonanzkomplexen (Akkorden).
Die Geschichte der traditionellen asiatischen Musik reicht bis in das 3./4. Jahrtausend v. Chr. zurück und speist sich vorwiegend aus mesopotamischen Quellen, die höchstwahrscheinlich über Handelsbeziehungen und Eroberungen ins östliche Asien gelangten. Dabei entwickelte sie sich zunächst im Zusammenhang mit magisch-animistischen Kulthandlungen, wobei sie sich aus deren ritueller Einbettung sukzessiv befreite und schließlich Formen autonomer Musikalität annahm.
Wenn ich von Freiheit und Free Form Jazz rede, auch von NEUER MUSIK – KUNSTMUSIK meine ich immer ein nicht wertendes Suchen und ein objektives, kritisches schauen und hören auf unsere momentane Musik in Europa und auf der ganzen Welt. Wenn ich etwas notiere, was macht das mit dem Tonerlebnis??
1979
Befreiung durch Klang
Die verborgene Bedeutung der Intervalle fühlbar machen. Ein metaphsischer Zugang zum Klang.
Die klassische Metaphysik behandelt „letzte Fragen“, beispielsweise: Gibt es einen letzten Grund, warum die Welt überhaupt existiert?
Gibt es einen dafür, dass sie gerade so eingerichtet ist, wie sie es ist?
Gibt es einen transzendenten Daseinsbereich – Gott/Götter, Weltseele usw. –,und wenn ja, was können wir darüber wissen?
Was macht das Wesen des Menschen aus?
Gibt es so etwas wie „Geistiges“, insbesondere einen grundlegenden Unterschied zwischen Geist und Materie (Leib-Seele-Problem)?
Besitzt der Mensch eine unsterbliche Seele, verfügt er über einen freien Willen?
*Ja, die Seele ist Energie und diese geht nie verloren.
Verändert sich alles oder gibt es auch Dinge und Zusammenhänge, die bei allem Wechsel der Erscheinungen immer gleich bleiben?
Einer weitverbreiteten Auffassung zufolge ist Musik mehr als eine akustische Dekoration des Alltags mit therapeutischen Nebeneffekten.Vielmehr unterstellen wir, daß Musik einen Sinn hat, den wir verstehen und artikulieren können. So attraktiv diese Vorstellung ist, so schwierig ist es, sie zu verteidigen. Denn Musik zeichnet sich gerade durch ihre Sprach- und Gegenstandslosigkeit aus und sperrt sich daher gegen jeden Versuch, ihren vermeintlichen Gehalt »auf den Begriff zu bringen«. Die theoretischen Entwicklungen der letzten Zeit haben diese Spannungen nicht entschärft, im Gegenteil: Sprachphilosophie und Philosophie des Geistes lassen wenig Hoffnung für die Möglichkeit von Verstehen und Bedeutung jenseits der Sprache; die Kulturwissenschaften haben umgekehrt die Vorstellung der »reinen Musik« einer weitreichenden Kritik unterzogen; die Hirnforschung schickt sich an, das Erleben von Musik allein auf der Basis der funktionalen Struktur des Gehirns zu erklären. Die Beiträge des Bandes aus Philosophie, Musikwissenschaft und Hirnforschung stellen sich dieser Problemlage, ohne die Idee der Verstehbarkeit von Musik preiszugeben. Alexander Becker ist Assistent am Institut für Philosophie an der J.W. Goethe-Universität Frankfurt. Matthias Vogel lehrt Philosophie in Frankfurt und Wien.
Um 1945 herum wurde langsam der Begriff Avantgarde bekannt in Deutschland, die neue oder langvergessene Vorstellungen über Musik, Harmonik & Rhythmus entwickelte.
Die Lage im schöpferischen und experimentellen Bereich und die Ansichten über die Eigenart und Bedeutung der Musikkulturen veränderte sich immer mehr.
Wichtig ist für mich immer noch, mich mit den Veränderungen im musikalischen Bewußtsein zu befassen, auch mit einer philosophischen Grundlage neben der musiktheoretischen. Wozu gibt es die Musik überhaupt??
Jede Stufe der Entwicklung eines euroamerikanischen Kulturganzen besteht in einer besonderen Einstellung zur Musik als Kunst und damit zum Tonerlebnis.
Musiker der Avantgarde haben immer nach neuen Zugängen zur Musik gesucht. Heute sind sie aber in vieler Hinsicht dem gewaltigen Angebot an elektronischen Mitteln ausgesetzt und mit dieser Arbeit zugedeckt, d.h. grundlegende Fragen bleiben unbeantwortet
Ein Musiker muss kein Tonmeister-.ingenieur sein, auch kein Informatiker oder gar Elektroniker.
Und jeder Toningenieur, Elektroniker und Informatiker darf und muss auch Musiker sein dürfen.
F: Gibt es heute ein neues Tonbewusstsein?? Kennen wir eine neue kosmische Musik??
Es gibt und gab schon immer ein Tonbewusstsein, ein Bewusstsein des Wesens und der Kraft des Klanges, des Sounds, des elektronischen Klanges: Elektronische Klangmusik.
GAIA – Die Erde ist ein Organismus
Die Hypothese, dass die Erde inklusive der darauf lebenden und nicht lebenden Materie einen geschlossenen Superorganismus darstellt, wurde zuerst 1972 vom britischen Astrophysiker und Ingenieur JAMES E. LOVELOCK formuliert. Unterstützung und Ergänzung erfuhr diese Hypothese von der amerikanischen Mikrobiologin LYNN MARGULIS.
Drummer, percussionist and singer. Born 1967 in Basel, Switzerland.
Organische Leben verlangt auf unserem Planeten immer nach Beziehungen zu anderen Organismen. Wir Menschen sind besonders darauf angewisen, bleibende Beziehungen zu anderen Menschen herzustellen, also mit einnander zu kommunizieren.
Musik ist Kommunikation.
TON und Musik
NANA = Göttin der Liebe.
Macumba, Candomble, and Umbanda:
Brazilian Spirituality
INDIEN
Die Rhythmen sind die Glieder des vedischen Schöpfergottes Prayapati, der die Welt geschaffen hat.
Die ersten Götter waren Metren und die 7 Urväter der Menschheit waren Rhythmen. in Der AitareyaUpanischade werden die Rhythmen mit Pferden verglichen. Pferde und Ochsen dienen zum Reisen auf Erden. Himmlische Rhythmen und Metren braucht man um himmlische Ziele zu erreichen.
Gott Brahma meditierte 100 000 Jahre und das Ergebnis dieser Meditation war die Erschaffung von Klang (Sound) und Musik. Daraus abgeleitet: electronic soundmusic.
Plato Der Weltschöpfer hat die Weltseele, den Kosmos – nach musikalischen Zahlenfolgen und Proportionen zusammengefügt. usw. usw. Bali-Bambus, Ibuzo Nigeria, ….Japan, China Taoismus, ZEN, … Islam
Gott hat die Welt aus Klang (Rauschen) erschaffen.
Al Quran kann in Skalen mit 30 verschiedenen Noten übersetzt werden.
Wahrlich, das Atmen und Seufzen eines Pronomens reicht aus, um Gott anzurufen und unsere Verbindung mit den Grenzen der Personifikation hervorzurufen.
Wahrlich, mit den richtigen Worten und den richtigen Bedeutungen sind die Funktionen und Erfahrungen auf allen Ebenen dem Geist offen!
Bass – Uli Trepte Cornet, Trumpet – Manfred Schoof Drums – Mani Neumeier Piano – Irene Schweizer Sitar, Vocals – Dewan Motihar Soprano Saxophone, Tenor Saxophone – Barney Wilen Tabla – Keshay Sathe Tambura – Kusum Thakur
In einer Tonleiter ist die dominante Note die 5. (Quinte) der Dur-Tonleiter, die auch die 8. Note aller 13 Noten (chromatisch gesehen) ist, aus denen die Oktave besteht. Dies bietet eine zusätzliche Instanz von Fibonacci-Zahlen in wichtigen musikalischen Beziehungen.Interessanterweise ist 8/13 0,61538, was ungefähr Phi entspricht.
1/phi=phi-1
Darüber hinaus besteht der typische Dreiklang-Song in der Tonart A aus A, seinem Fibonacci- und Phi-Partner E und D, zu dem A die gleiche Beziehung hat wie E zu A. Dies ist analog zu dem „A ist zu B wie B zu C“ Grundlage für den Goldenen Schnitt, oder in diesem Fall „D ist zu A wie A zu E“.
Hier ist eine weitere Darstellung der Fibonacci-Beziehung, die Gerben Schwab s. Video 1unten. Nummeriere zuerst die 8 Noten der Oktavskala. Nummeriere als Nächstes die 13 Noten der chromatischen Tonleiter. Die Fibonacci-Zahlen, auf beiden Skalen rot, fallen bei beiden Methoden auf die gleichen Tasten (C, D, E, G und C). Dadurch entstehen die Fibonacci-Verhältnisse von 1:1, 2:3, 3:5, 5:8 und 8:13:
Musikalische Frequenzen basieren auf Fibonacci-Verhältnissen
Noten in der Skala der westlichen Musik basieren auf natürlichen Obertönen, die durch Frequenzverhältnisse erzeugt werden.
Verhältnisse, die in den ersten sieben Zahlen der Fibonacci-Reihe (0, 1, 1, 2, 3, 5, 8) gefunden werden, beziehen sich auf Schlüsselfrequenzen von Musiknoten.
Fibonacci -Verhältnis
Berechnete Frequenz
Temperierte Frequenz
Hinweis im
Maßstab
Musikalische Beziehung
Wenn
A=432 *
Oktave
unten
Oktave
oben
1/1
440
440,00
EIN
Wurzel
432
216
864
2/1
880
880,00
EIN
Oktave
864
432
1728
2/3
293.33
293.66
D
Vierte
288
144
576
2/5
176
174.62
F
5. August
172.8
86.4
345.6
3/2
660
659.26
E
Fünfte
648
324
1296
3/5
264
261.63
C
Kleine Terz
259.2
129.6
518.4
3/8
165
164.82
E
Fünfte
162 (Phi)
81
324
5/2
1.100,00
1.108,72
C#
Dritte
1080
540
2160
5/3
733.33
740,00
F#
Sechste
720
360
1440
5/8
275
277.18
C#
Dritte
270
135
540
8/3
1.173,33
1.174,64
D
Vierte
1152
576
2304
8/5
704
698.46
F
5. August
691.2
345.6
1382.4
Die oben berechnete Häufigkeit beginnt mit A440 und wendet die Fibonacci-Beziehungen an.
In der Praxis werden Klaviere auf eine „temperierte“ Frequenz gestimmt, eine künstliche Anpassung, die entwickelt wurde, um beim Spielen in verschiedenen Tonarten eine verbesserte Tonalität zu erzielen.
Zupfen wir jedoch eine Saite auf einer Gitarre und suchen dann nach den Obertönen, indem wir die Saite leicht berühren, ohne dass sie die Bünde berührt, dann werden wir die reine Fibonacci-Beziehungen finden.
A440 ist ein beliebiger Standard. Die American Federation of Musicians akzeptierte die A440 1917 als Standardtonhöhe. 1920 wurde sie dann von der US-Regierung als Standard akzeptiert, und erst 1939 wurde diese Tonhöhe international akzeptiert.
Vor kurzem wurden verschiedene Stimmungen verwendet.
Es wurde von James Furia und anderen vorgeschlagen, dass A432 der Standard sein soll.A432 wurde oft von klassischen Komponisten verwendet und führt zu einer Abstimmung der ganzzahligen Frequenzen, die mit Zahlen verbunden sind,die beim Bau einer Vielzahl antiker Werke und heiliger Stätten wie der Großen Pyramide von Ägypten verwendet wurden. Die Kontroverse über das Tuning tobt immer noch, wobei die Befürworter von A432 oder C256 natürlichere Stimmungen als der aktuelle Standard sind.
Musikalische Kompositionen spiegeln oft Fibonacci-Zahlen und Phi wider
Fibonacci- und Phi-Beziehungen finden sich oft im Timing von Musikkompositionen. Beispielsweise liegt der Höhepunkt von Liedern oft ungefähr am Phi-Punkt (61,8 %) des Liedes, im Gegensatz zur Mitte oder am Ende des Liedes. In einem 32-Takt-Song (AABA) würde dies im 20. Takt auftreten.
Auch wenn er nicht genannt wird, Dane Rudhyar hat sie zusammen miz Henry Cowell gegründet.
Peter Michael Hamel (* 15. Juli1947 in München) ist ein deutscher Komponist, der mit seinen Werken und als Improvisator am Klavier im engen Kontakt mit namhaften Musikern nicht-europäischer Kulturen eigenständige Ansätze zu einer integrativen Musik entwickelt hat.
spirituell orientierte Wege in der Musik
Wenn ich an Jesus oder Buddha denke, denke ich dann an den 20 Jahre alten Buddha oder an den 80 Jahre alten?? Wir ändern uns doch jeden Tag?? Ist der Jesus der Vergangenheit noch vorhanden?? Ja!! Denn nichts geht verloren an Energie. Energie kann weder erzeugt noch vernichtet werden. Sie kann lediglich von einer Form in eine andere umgewandelt werden. Dabei bleibt zwar die Menge der Energie in einem abgeschlossenen System konstant, der nutzbare Anteil der Energie aber ist je nach Umwandlung unterschiedlich hoch. D.H. Wenn ich sterbe bin ich noch als Energie vorhanden. Auch kann ich mich heute im Moment noch mit Jesus oder Buddha unterhalten, weil auch Ihre Energie noch da ist. Nur in anderer Form.
„Solitude“ – Einsamkeit ist ein Zustand der Abgeschiedenheit oder Isolation, was bedeutet, dass es an Sozialisation mangelt. Die Auswirkungen können je nach Situation positiv oder negativ sein. Kurzfristige Einsamkeit wird oft als eine Zeit geschätzt, in der man ungestört arbeiten, nachdenken oder sich ausruhen kann.
…die dunkle Leere nach dem nutzlosen Versuch einer Verwirklichung des Ideals.. die langen leeren Stunden, angefüllt mit befremdlichen Träumen. Doch die Bestrebung dauert an, eine unstillbare Sehnsucht.
Transmutation (transmutatio: Verwandlung), ein Tonritual in sieben Sätzen 1976 Palo Alto. Ein Ritual ist eine nach vorgegebenen Regeln ablaufende, meist formelle und oft feierlich-festliche Handlung mit hohem Symbolgehalt. Sie wird häufig von bestimmten Wortformeln und festgelegten Gesten begleitet und kann religiöser oder weltlicher Art sein.
Es soll einige der Hauptphasen des Prozesses der inneren, psychischen und emotionalen Transformation beschwören… Die holistische Resonanz der Klaviertöne soll im Bewusstsein des Hörers schwingen und eine tiefer Erfahrung des inneren Lebens und der psychischen Transformation auslösen.
Holismus, auch Ganzheitslehre, ist die Vorstellung, dass natürliche Systeme oder auch nicht-natürliche, z. B. soziale Systeme und ihre Eigenschaften, als Ganzes und nicht nur als Zusammensetzung ihrer Teile zu betrachten sind.
Der „TON“ bringt alle Formen und alle Wesen hervor. Der Ton ist das wodurch wir leben.
John M. Chowning ist dafür bekannt, dass er 1967 den FM-Synthesealgorithmus entdeckt hat. Bei der FM-Synthese (Frequenzmodulation) liegen sowohl die Trägerfrequenz als auch die Modulationsfrequenz innerhalb des Audiobands. Im Wesentlichen modulieren die Amplitude und Frequenz einer Wellenform die Frequenz einer anderen Wellenform, wodurch eine resultierende Wellenform erzeugt wird, die abhängig vom Verhältnis der beiden Frequenzen periodisch oder nicht periodisch sein kann.
Chownings Durchbruch ermöglichte einfache, aber reich klingende Klangfarben, die „metallschlagende“ oder „glockenartige“ Klänge synthetisierten und der echten Perkussion unglaublich ähnlich schienen. (Chowning war auch ein erfahrener Schlagzeuger.)Er verbrachte sechs Jahre damit, seinen Durchbruch in ein System von musikalischer Bedeutung zu verwandeln, und war schließlich in der Lage, eine große Anzahl musikalischer Klänge zu simulieren, einschließlich der Singstimme. 1973 lizenzierte die Stanford University die Entdeckung an Yamaha in Japan, mit dem Chowning an der Entwicklung einer Familie von Synthesizern und elektronischen Orgeln arbeitete. Dieses Patent war einst Stanfords lukrativstes Patent und stellte viele in den Bereichen Elektronik, Informatik und Biotechnologie in den Schatten.
Das erste Produkt, das den FM-Algorithmus enthielt, war Yamahas GS1, ein digitaler Synthesizer, der erstmals 1981 auf den Markt kam. Einige hielten ihn damals für zu teuer, darunter auch Chowning. Bald darauf, im Jahr 1983, stellte Yamaha seinen ersten kommerziell erfolgreichen digitalen FM-Synthesizer her, den DX7.
Eines von Chownings berühmtesten Stücken heißt Stria (1977). Es wurde vom IRCAM für die erste große Konzertreihe des Instituts mit dem Titel Perspectives of the 20th Century in Auftrag gegeben. Seine Komposition war bekannt für ihre unharmonischen Klänge aufgrund seines berühmten FM-Algorithmus und seiner Verwendung des Goldenen Schnitts (1,618 …) in der Musik.
Die Morphogenese bezeichnet die Entwicklung von Organismen, Organen und Organellen sowie anderen Strukturen und Merkmalen im Verlauf der Ontogenese von Lebewesen, darunter Menschen, Tieren, Pflanzen, Prokaryoten und Viren.
Die Snare auf die Zählzeiten Zwei und Vier zu setzen, hat noch einen ganz besonderen Effekt: Wenn Kick und Snare gleichzeitig erklingen, verschmelzen sie zu einem auralen Ereignis und bilden den Gegenpol zu den Bassdrums, die einzeln stehen. Die rhythmische Symmetrie erzeugt dann eine Art Pendelbewegung im Beat, wobei immer zwischen Kick und Kick mit Snare gependelt wird. Weil die Snares in der Pendel-Metapher immer auf die Rückbewegung des Pendels fallen, wird diese rhythmische Konstellation auch Backbeat genannt. Tatsächlich besitzen die Backbeats bei entsprechender Betonung eine spezielle, rhythmische Wirkung, weil sie streng genommen gegen den Viervierteltakt arbeiten.
Und Jetzt???
Wie würde ein folgendes notiert aussehen?? Instabil heißt am Leben sein. Das unsichere, die Improvisation ist immer gewinnbringend. Auch das Chaos hat Struktur, man muss sie nur suchen.
Die einzelnen Elemente eines Layouts stehen in Beziehung zueinander, wie auch schon in Abschnitt 6.3.3, »Symmetrie und Asymmetrie«, gezeigt. Diese Beziehung der Elemente zueinander nimmt der Betrachter als visuellen Rhythmus wahr. Der Rhythmus wird meistens durch den Blickverlauf vorgegeben oder bei Webseiten durch die Scrollbewegung nach unten. Er ergibt sich aus der Anordnung der Elemente und deren visueller Gewichtung durch Größe, Farbe, Form oder Position (dazu später in Abschnitt 6.3.8, »Visuelles Gewicht und Kontrast«, mehr).
Ein Rhythmus sorgt für Struktur, Orientierung und Wiedererkennung. Ein Bruch sorgt wiederum für die nötige Spannung im Design. Schön ist es, wenn im Layout symmetrische und asymmetrische Abschnitte vorkommen. Dies bringt die nötige »Lockerheit« ins Design.
Der Rhythmus kann regelmäßig sein, ähnlich der Symmetrie. Die Elemente sind vom ähnlichen oder gleichen optischen Gewicht oder wiederholen sich, sodass das Gesamtlayout eher ruhig und statisch wirkt. So ein Rhythmus lässt sich gut in Abbildung 6.51 erkennen, in der die Webseite seedlipdrinks.com zu sehen ist.
Was ist Rhythmus
RHYTHMUS IST EIN GRUNDLEGENDES MERKMAL für alle Aspekte des Lebens.
Musik zu machen, Musik zu hören und zu den Rhythmen der Musik zu tanzen sind Praktiken, die in Kulturen auf der ganzen Welt geschätzt werden. Obwohl die Funktion der Musik als Überlebensstrategie in der Evolution der Menschheit ein heiß diskutiertes Thema ist, besteht kaum ein Zweifel daran, dass Musik ein tiefes menschliches Bedürfnis befriedigt.
Für den antiken Philosophen Konfuzius symbolisierte gute Musik die Harmonie zwischen Himmel und Erde.
Der Philosoph Friedrich Nietzsche aus dem 19. Jahrhundert formuliert es so: „Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum.“
Und die Blackfoot-Leute, die durch die Prärien Nordamerikas zogen, „glaubten traditionell, dass sie ohne ihre Lieder nicht leben könnten.“
Abbildung 6.51 Ein regelmäßiger Rhythmus, dem man folgen muss, bei seedlipdrinks.com
Ein Rhythmus kann aber auch unregelmäßig sein, wie z. B. bei blackestate.co.nz (siehe Abbildung 6.53). Hier sind die Elemente stark unterschiedlich gewichtet, und ihre Verteilung ist eher asymmetrisch. Das Design wirkt dadurch insgesamt dynamisch, lebendig und interessant. Ein zu gleichmäßiger Rhythmus kann zu uninteressant wirken, gezielt eingesetzte Rhythmusstörungen (wie hier zu sehen) können dem entgegenwirken.
Oft lässt sich ein Rhythmus gerade auf Startseiten schon gut fast von allein durch die Inhalte erreichen. Zwei, drei- oder auch vierspaltige Layouts, die die gleiche oder eine sehr ähnliche Gestaltung haben (Bild, Headline, Fließtext), wirken nebeneinander schon automatisch harmonisch und symmetrisch. Ein schönes Beispiel dafür zeigt Abbildung 6.52.
Abbildung 6.52 Ein Klassiker: Drei Teaser nebeneinander, dazu noch zentrierter Text, das ergibt eine symmetrische Wirkung.
Würden alle Inhaltsbereiche eine solche symmetrische Wirkung erzeugen, würde das Design deutlich langweiliger bzw. monotoner wirken. Abwechslung lockert hier das Design auf und bringt Spannung rein. Im Fall der Webseite katarina-witt-stiftung.de gelingt dies über asymmetrische Bereiche.
Komponist, Verleger und Dichter. Innerhalb der verschiedenen Richtungen zeitgenössischer Musik liegt sein Schwerpunkt im Schaffen komplexer Notationen in Verbindung mit undeterminierter Komposition.The Noble Snare, eine Sammlung Neuer Musik Kompositionen für die Snaredrum, wurde 1988 von ihm herausgebracht. Er hat damit die Idee verwirklicht, namhafte Komponisten, u.a. John Cage, Ben Johnston zu gewinnen, um wirkliche Neue Musik für die Snare zu schreiben.
Eine Präsentation der insgesamt 18 Noble Snare Kompositionen fand am
3. Oktober 1988 durch das Neue Musik Ensemble Gageego im Marymount Manhattan Theatre in New York statt. Die New York Times bezeichnetet dieses Snareklänge als chaotischen Lärm, aber mit berauschender Wirkung. Die erste Komposition der Sammlung trägt den gleichen Titel und stammt von Stuart Saunders Smith selbst. Ben Johnston * 1926 Palindromes (1988) (Spiegelrhythmen)
Geboren 1926 in Georgia, Professor für Komposition und Musiktheorie an der Universität von Illinois, zahlreiche Veröffentlichungen u.a. Sonate für mikrotonales Piano; Preise des National Council on the Arts and the Humanities (1966) und des Smithsonian Instituts (1968) für eine Klangumgebung.
Vertical Poem (1963) von Morton Feldman (1926-1987), (Audio-Rezitation)
Im Unterschied zum kontinuierlichen, sich allmählich wandelndem Klangfluss der Minimalmusic geht es bei John Cage oder Morton Feldman um die Darstellung des einzelnen Klangs, um ein Museum der befreiten Klänge.
Cage und Feldman wollten in den 50ern radikal eine Musik, die nicht das Traditionelle reproduziert.
Morton Feldman traf John Cage 1950 und war stark von ihm beeinflusst.
Feldman schrieb ein Streichquartett, das 5 Stunden dauern kann, (Arditti- Quartett, Darmstadt 1984) sowie ein mit Händen gespieltes, kaum hörbares Schlagzeugstück,The King of Denmark, ein Synonym für den passiven Widerstand der Dänen im 3. Reich.
Vertical poem, in The noble Snare der Komposition Vertical Taps for Morty zugeordnet, passt besser noch zu dem folgenden Cage.
V drawing or other Means E of differentiation. R in Recent years we T realize That sound too I has its own proportions. C properties Now become A L Figures in celebrated
museum. Eventually P left with the face of the O sun-Dial whose hand travels E in those moments when there is M Abundant light. still movement.
Nothing more than sound itself.
Mistake is in trying
to view One´s work at its
dynamic Rather
Than a man made history.
find out its undoing.
Nothing more than a glove.
John Cages Composed Improvisation for Snare-drum entstand 5 Jahre vor seinem Tode und enthält alle Parameter seiner Kompositionsweise: Einfluss des Zen bedeutete für ihn die Vermeidung kreativer Wahl beim Kompositionsprozess, Zufallsoperationen, um zu musikalischen Strukturen unabhängig vom Persönlichen, Individuellen und damit von Kommerz, Klischee, Gewohnheit, zu gelangen. Dazu gehört auch die Präparierung des Instruments zur Entfremdung des gewohnten Klangs. John Cage benutzte nie Musikaufnahmen, da das Hören von aufgezeichneter Musik das Bedürfnis nach realer, im Moment erfahrbarer Musik, zerstört. So wird Cages Musik oftmals nur durch das Aufgeben einer Erwartungshaltung zugänglich. David Macbride* 1951 Full Circle (1987) https://www.youtube.com/watch?v=nV0fXAt4jVU
(Snare drum performance mit Masken und Licht)
Alois Bröder * 1962 Ent/ lang/ tast/ end (1990) für Solo Marimbaphon
Alois Bröder ein in Darmstadt lebender Komponist, studierte Gitarre bei Olaf van Gonnissen und Komposition bei Toni Völker an der Akademie für Tonkunst in Darmstadt, später bei Manfred Trojahn, Düsseldorf und Hans Ulrich Humpert, Köln. Er erhielt mehrere Auszeichnungen und Stipendien u.a. 1998 an der Cité Internationale des Arts in Paris.
Die Komposition Ent/lang/tast/end wurde im P.J. Tonger Musikverlag, Köln veröffentlicht und zeichnet sich nicht nur durch die Verwendung von Geräuscheffekten, Stimme und Bällen, sondern ebenso durch eine Überschreitung der instrumentalen Grenzen aus.
Für diese, dem amerikanischen Virtuosen Steven Schick gewidmete Komposition Ambossgesang, verwendet Lang traditionelle Arbeitsrhythmen früherer Schmiede.
Mit diesen Rhythmen koordinierten in früheren Zeiten mehrere gleichzeitig mit Hämmern arbeitende Schmiede ihre Schlagbewegungen.
Um dies percussiv umzusetzen werden 5 Fusspedale, ein kleiner Hammer und ein Schlegel verwendet. David Lang wurde 1957 in Los Angeles geboren und studierte u.a. bei Hans-Werner Henze.
Er ist Mitbegründer des legendären New Yorker Bang on a can Festivals und erhielt mehrere Preise: u.a. Rome-Preis, BMW Musiktheater-Preis, Guggenheim und New York Foundation of Arts.
TON und Musik 
![atfd [licensed for non-commercial use only] / Achsen- und Punktsymmetrie](http://atfd.pbworks.com/f/1480587464/symmetrie.jpg.png)
![\begin{center}\qquad\begin{tikzpicture}[schaubild]\begin{axis}[skaliere achsen=1.4 and 1.4,axis...Mathe-Abitur](https://abiturma.de/assets/compiled-latex/5ae9724a5a41801b79424aa707c2613dc3b0da5a.svg "\begin{center}\qquad\begin{tikzpicture}[schaubild]\begin{axis}[skaliere achsen=1.4 and 1.4,axis...Mathe-Abitur")
