Hardware Hacking & Circuit Bending

udo matthias drums electronic software afrigal

 

 

 

 

 

 

Der kreative Prozess ist ein spiritueller Weg!!

Bei diesem Abenteuer geht es um uns, um das tiefe Selbst, den Komponisten/Maler/Handwerker/Wissenschaftler usw. in uns allen, um Originalität, also nicht um das, was alles neu ist, sondern was ganz und ursprünglich wir selbst sind.

 

Hardware Hacking & Circuit Bending

Live Coding

Experimental music is a general label for any music or music genre that pushes existing boundaries and genre definitions.!

Frog Peak Music ist … der Idee der Verfügbarkeit gegenüber der Werbung verpflichtet. Mitgliedskünstler bestimmen, welche ihrer eigenen Werke in Frog Peak aufgenommen werden und wie sie aufgenommen werden … das Kollektiv … bietet ein Beispiel für einige der Möglichkeiten, wie Künstler ihre eigene Arbeit auf nichtkommerzielle, nicht hierarchische Weise kontrollieren können , wodurch die Unterscheidung zwischen Künstler und Verleger aufgehoben wird.

 

Maempel Weinzierl Kaminski 2008 Handbuch Weinzierl K13 Audiobearbeitung

scriptum

http://www.musik-for.uni-oldenburg.de/lateinamerika/downloads/latin-musiklandkarte.exe

Make it louder, a lot!! The second law of Avant-Garde.

 

oben: Vieles ist so trivial einfach, man kann es kaum glauben.

https://learn.adafruit.com/groups/making-electronics-move-with-servos

https://www.sparkfun.com/

https://lessemf.com/product-category/more-emf-items/

https://www.shopvtechtextiles.com/Non-Woven_c_17.html

https://www.etsy.com/market/metallic_bronze_yarn

https://sewiy.com/

https://kitronik.co.uk/

https://www.allelectronics.com/

https://theelectronicgoldmine.com/

https://www.gbmicro.com/en

https://www.surplusshed.com/new.php

https://www.facebook.com/unicornelectronics/

https://uk.rs-online.com/web/

https://apexsurplus.com/

https://www.sciplus.com/

https://www.ax-man.com/

https://eu.mouser.com/

https://www.digikey.com/

https://www.arduino.cc/

https://www.raspberrypi.com/products/raspberry-pi-4-model-b/

Soundlister

Holger Czukay – CAN

In der Kunst spricht mich etwas anderes an. Ich getraue mich zu sagen, eher etwas intuitives, eine allumfassende Energie, ……….etwas originelles,….usw.

Beides gepaart, die Kreativität und die andere wissenschaftliche Seite haben Menschen wie z.B. Leonardo da Vinci ausgezeichnet. Mir fällt da auch noch Goethe und sein Faust ein.

Der Fortschritt, das muss man hier auch sagen verschob sich seit 1990 immer mehr in den Softwarebereich. Reaktor con Native ist nur ein Beispiel.

Seit ca. 2003, hat der Laptop eine wesentliche Rolle übernommen. Chuck!!

Der Bereich Chiptune

mit MAXMSP inspiriert mich auch sehr, vor allem weil es eben weniger Kilos hat.

Bilder oben – mein zweiter Proberaum.

 

 

 

Eine Geschichte des japanischen Hacking und DIY-Musik und DIT

ADACHI Tomomi
Übersetzung von Sayoko Mundy


Ist es unvernünftig, mit dem Jahr 1924 eine Geschichte japanischer Hacking– und DIY-Musik zu beginnen?

Das war das Jahr, in dem TAKAMIZAWA Michinao, vielleicht inspiriert von Luigi Russolos Intonarumori-Instrumenten, einige Fahrradräder, Metallsaiten und leere Dosen nahm und sie zu seinen Sound Constructors kombinierte. (Der Schöpfer von Japans erstem Roboter-Manga, Takamizawa, wurde später ein berühmter Karikaturist unter dem Namen TAGAWA Suiho). Die Dokumentation ist lückenhaft, aber es ist klar, dass diese Geräte von der japanischen Dada-Gruppe MAVO in Tanz- und Theateraufführungen verwendet wurden, wo sie von Menschen ohne musikalischen Hintergrund gespielt wurden. Sie könnten die ersten Noise-Improvisationen in der Geschichte der modernen Kunst sein. Drei Jahrzehnte später, 1956, kreierte TANAKA Atsuko, ein Kernmitglied der Avantgarde-Gruppe Gutai, ihr Electric Dress eine Masse von Glühbirnen und Kabeln, die sie trotz der Gefahr eines Stromschlags auf der Bühne voll erleuchtet trug. Ein Jahr zuvor stellte sie eine Arbeit aus, bei der auf Knopfdruck zwanzig Glocken nacheinander geläutet werden konnten, ein sehr frühes Beispiel einer interaktiven Klanginstallation.

Turnhat, IMAI Jiro und Lebensmittelkunst

Helmholtz1863_text

Tischaufbau für Marginal Consort, IMAI Kazuo

Steckbrettgitarre, KUBOTA Akihiro

kirlian imaging

The Suffolk Psychogeophysics Summit

 

dorkbot

CELEBRATING 0x14 YEARS OF HOT NERD ON GEEK ACTION!!!

new york (nyc) . london . gent . san francisco (sf) . linz . melbourne . mumbai

D-Afrigal Nebenau
seattle (sea) . rotterdam . lisbon . sofia . chicago (chi) . southern california (socal) . barcelona
switzerland (swiss) . orlando . madrid . detroit . ciudad de méxico (cdmexico) . philadelphia
medellín (mde) . toronto . berlin (bln) . eindhoven . tijuana . rio de janeiro
stockholm (sthlm) . scotland (alba) . tokyo . budapest . atlanta (atl) . pittsburgh (pgh)
bangalore . south florida (sofla) . bogota (bta) . lima . beijing (bj) . izmir
cleveland (cle) . montreal (mtl) . austin . saskatoon (sask) . washington, dc (dc)
dayton (day) . portland (pdx) . vienna . vancouver (van) . columbus . boston (bos) . bristol
colorado (303) . sydney . buffalo . helsinki . tacoma (tac) . oldenburg (oldb)
paris . manchester . milano (mil) . silicon valley (sv) . second life (sl) . salvador
copenhagen (cph). canarias . valencia (espana) . brussels (bru) . sebastopol . bremen (hb)
state college, pa (psu) . canberra (cbr) . adelaide . baltimore (bmore)
montevideo (mvd) . göteborg (gbg) . ottawa . seoul . albuquerque (abq) . raleigh (rdu)
brescia (bsa) . las vegas (lv) . tucuman (tucu) . aachen (ac) . calgary . newcastle (ncl)
lexington (lex) . black rock city (brc) . buenos aires (baires) . shanghai . perth
cologne (ccaa) . hong kong (hk) . rome (roma) . anglia . ensenada (dorkbotopenclass)
nantes . edmonton . sao paulo . sheffield . cardiff . indianapolis (indy). istanbul
buga (colombia) . auburn . regina . potteries (uk) . st. louis (stl)

soon: sarnia. cambridge (UK) . providence . bucharest . charlotte . denton . minneapolis/st paul (msp)
tucson . euskal . lanark . gainesville (gnv) . delhi . south africa (za)
arizona (az) windsor . brisbane . israel (isr) . florence . barrie . sarnia . singapore (sg)
euregio (netherlands) . cba (cordoba) . munich . bryan/college station (bcs)
birmingham, uk (brum) . nuremberg (nbg) . manila (mnl) . miami
southampton, uk (soton) . normal . shreveport . bangkok (bkk) . brighton . penzance, uk . plymouth, uk

international events

start a dorkbot in your city!/what is dorkbot?

dorkbot frappr map similar organizations press archive

Eine kurze persönliche Geschichte von dorkbot-nyc

Douglas Repetto

Douglas I. Repetto


Im Frühjahr 2000 zog ich nach New York City, um eine neue Stelle am Columbia University Computer Music Center (CMC) anzutreten. Nachdem ich die letzten drei Jahre im ländlichen Vermont und New Hampshire in relativer künstlerischer und sozialer Isolation verbracht hatte, freute ich mich darauf, mich in das kulturelle Chaos der Stadt zu stürzen. Mein Hintergrund lag hauptsächlich in „experimenteller“ Kunst und Musik, was im Idealfall eine Offenheit für kreativen Ausdruck in jeglicher Form bedeutet, und einen Eifer, Ideen zu erforschen, die Sie wahrscheinlich nicht in die Carnegie Hall führen werden. Ich kannte kaum jemanden in New York, aber ich wusste, dass der Ort voller Verrückter war, und ich wollte sie kennenlernen. Ich startete eine Reihe informeller Treffen namens Dorkbot-nyc mit der Idee, dass Menschen aus der ganzen Stadt ihre Experimente miteinander teilen könnten.

 

Computer Music

Home

Bild

Livening Things Up: Australische handgebaute elektronische Instrumente

Caleb Kelly und Pia van Gelder

Toydeath performing at OP SHOP: TOYDEATH in 2013 at Maitland Regional Art Gallery

My Orchestra of Machines by Pia van Gelder

Der populäre brasilianische Ausdruck Gambiarra beschreibt eine improvisierte, informelle Art, ein alltägliches Problem zu lösen, wenn benötigte Werkzeuge oder Ressourcen nicht verfügbar sind. Wie „Hacking“ und „DIY“ spiegelt es eine Art des Umgangs mit Gegenständen und Themen wider, die das tägliche Leben postindustrieller Gesellschaften beschäftigen, aber Gambiarra bezeichnet auch spezifische Aspekte der brasilianischen Kultur. Bei der Anwendung auf bildende Kunst, Musik, Klangkunst und Medienaktivismus beschreibt es, wie einige Künstler mit Materialien, Technologie und/oder lokalen Institutionen arbeiten. Zu den Aktivitäten, die Gambiarra-Ansätze widerspiegeln, gehören der Instrumentenbau, das Hacken von Hardware, gecrackte Medien und andere Formen des technologischen Aktivismus  > – die alle auf eine Neuinterpretation des Musikinstruments hindeuten.

Hugh Davis

Hugh Davis pdf

Hugh Davies (1943-2005), ein britischer Komponist und früher Verfechter der Live-Elektronik, erfand mehr als 130 Konzertinstrumente, Klangskulpturen und ortsspezifische Installationen, von denen viele Kontaktmikrofone verschiedener Art verwendeten. Seine Erfahrungen als Stockhausens Assistent zwischen 1964 und 1966, einschließlich seiner Teilnahme an den Uraufführungen von Mikrophonie I unter Stockhausens Leitung, prägten ihn stark. Die Rolle von Verstärkung und Alltagsgegenständen in diesem Stück hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Davies und markierte den Punkt, an dem er die Bandmusik aufgab, um sich auf elektronische Live-Musik zu konzentrieren. Als er 1967 nach Großbritannien zurückkehrte, begann er, seine eigenen Instrumente zu bauen, Alltagsgegenstände zu recyceln, Kontaktmikrofone einzusetzen und Klänge in den Vordergrund zu stellen, die normalerweise nicht Teil des musikalischen Bereichs waren.   Bei diesen Projekten wurde Stockhausens Einfluss durch den von Cage und Tudor ausgeglichen, insbesondere in Bezug auf die Low-Fidelity-Ästhetik und das DIY-Ethos, mit denen seine Instrumente realisiert wurden, sowie die Freiheit, unterschiedliche Klangquellen zu kombinieren. 1968 gründete Davies Shozyg, die aus einem Buch besteht, dessen Seiten ausgehöhlt wurden, um Platz für Gegenstände zu schaffen, die in der Rückseite angebracht sind.

Die Objekte – ein Kugellager, drei Laubsägeblätter unterschiedlicher Länge und zwei unterschiedliche Federn – wurden in zwei Bereiche gruppiert, wobei jede Gruppe durch einen piezoelektrischen Tonabnehmer verstärkt wurde, der entsprechend seiner Filtereigenschaften ausgewählt wurde. Die Objekte wurden mit Fingern, Fingernägeln, Schraubendrehern, Nadelfeilen, Zahnbürsten, kleinen Elektromotoren usw. gespielt.

 

David Behrman

Antonin Artaud

Bürgerl. Name:
Antoine Marie Joseph Artaud
Profil:
French poet, actor and dramatic theorist, born 4 September 1896 in Marseille, France, died 4 March 1948 in Ivry-sur-Seine, France.
Seiten:
Varianten:
Alle werden angezeigt | Antonin Artaud

Dissertation_Symonova

Konsultierte Texte und Links

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. Experimentaclub LIMb0: Proyecto iberoamericano de intercambio artístico y cooperación culturel. Buenos Aires: Experimentaclub LIMb0.

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1 Collins, Nicolas. 2007. “Live Electronic Music.” In The Cambridge Companion To Electronic Music, 45. Cambridge: Cambridge University Press.

2 For a detailed theory of contemporary musical practices as inherently collaborative, see Georgina Born’s relational model of musicology (Born 2010).

3 Lucier, Alvin. 1998. “Origins of a Form: Acoustical Exploration, Science and Incessancy.” Leonardo Music Journal, 5–11.  We can expand the concept here to include all sorts of technical abstractions, from computer code to layout diagrams and interface designs, as they have since all been used to explicitly or implicitly prescribe and describe musical works to various extents.

4 See Collins 2009. Handmade Electronic Music: The Art of Hardware Hacking. Second. New York and London: Routledge, p 297.

5The current fuzz pedal market is a good example.

6 Rodgers, Tara. 2015. “Cultivating Activist Lives in Sound.Leonardo Music Journal 25: 79–83.

7 The philosopher of technology Gilbert Simondon would call that process individuation Simondon, Gilbert. 1958. Du Mode d’existence Des Objets Techniques. Paris: Aubier.

8 There are too many examples to list but see, for example, Holzer, Derek. 2010a. “Schematic as Score: Uses and Abuses of the (in) Deterministic Possibilities of Sound Technology.” In Vague Terrain 19, edited by Derek Holzer.

https://web.archive.org/web/20131124040627/http://vagueterrain.net/journal19,

the circuit tracing subforums on freestompboxes.org, or the growing field of media archaeology: Parikka, Jussi. 2011. “Operative Media Archaeology: Wolfgang Ernst’s Materialist Media Diagrammatics.” Theory, Culture & Society 28 (5): 52–74; Striegl, Libi, and Lori Emerson. 2019. “Anarchive as Technique in the Media Archaeology Lab Building a One Laptop Per Child Mesh Network.” International Journal of Digital Humanities, April.

https://doi.org/10.1007/s42803-019-00005-9.

9 Non-hierarchical electronic instrument taxonomies offer the advantage that they can be expanded to match the self-labeling of these disparate practitioners and ad-hoc communities.  See Magnusson, Thor. 2017. “Musical Organics: A Heterarchical Approach to Digital Organology.” Journal of New Music Research 46 (3): 286–303.

10 In physics, „jerk“ is the third derivative of displacement with respect to time, which can also be thought of as the time-derivative of acceleration (Sprott, Julien Clinton. 2011. “A New Chaotic Jerk Circuit.” IEEE Transactions on Circuits and Systems II: Express Briefs 58 (4): 240–243).   Incidentally, Sprott co-authored paper on these type of chaotic oscillator circuits with Jessica Rylan-Piper, mentioned below: Piper, Jessica Rylan, and Julien Clinton Sprott. 2010. “Simple Autonomous Chaotic Circuits.” Circuits and Systems II: Express Briefs, IEEE Transactions On 57 (9): 730–34.

https://www.semanticscholar.org/paper/A-New-Chaotic-Jerk-Circuit-Sprott/3f901d30cf7f3f2fd2641f65147afb07c595294b

11 See Dunn, David. 2011. “Thresholds and Fragile States.” Unpublished Score.

12 Cuervo, Adriana P. 2011. “Preserving the Electroacoustic Music Legacy: A Case Study of the Sal-Mar Construction at the University of Illinois.” Notes, 33–47.  Franco, Sergio. 1974. “Hardware Design of a Real-Time Musical System.” Urbana-Champaign: University of Illinois. PhD Thesis.

13 Nakai, You. 2016. “On the Instrumental Natures of David Tudor’s Music.” New York University. PhD Thesis.

14 Kant, David. 2017. “Thresholds and Fragile States by David Dunn.http://www.davidkant.com/thresholds/index.html.

15 Kant, David, and Madison Heying. 2018. “Blonda.” February 23, 2018.

16 White, Philip. 2018a. “Feedback Instrument (Pt 1).http://prwhite.net/instrument-pt1/.
———. 2018b. “Feedback Instrument (Pt 2).http://prwhite.net/feedback-instrument-pt-2/.  Gillet, Emilie. 2019. “Veils.”https://mutable-instruments.net/modules/veils/open_source/.

17 Greenwald, Ted. 1986.The Self-Destructing Modules Behind Revolutionary 1956 Soundtrack of Forbidden Planet.Keyboard Magazine, February 1986.

18 email exchange with the author, Nov. 8, 2018.

19Clarke, Anastasia. 2018. “Self/Work: Performing Attention in an Exploration System.” Master’s Thesis, Mills College, 53.

20 Blasser, Peter. 2015. “Stores at the Mall.” Wesleyan University. Master’s Thesis, 32, 67

21 Clarke 2018, 53

22 Snyder, Jeff. “Birl Tone Generator – Close Up of Prototype.” https://vimeo.com/15472241; “Research.” 2010.http://www.scattershot.org/research.htm.

23 Cahill, Thaddeus. 1897. Art of and apparatus for generating and distributing music electrically. US Patents Office.

24 Rylan had herself worked with synth designer Donald Buchla prior to starting Flower Electronics.

25 Metzger, Gustav. 1969. “Automata in History.” Studio International. Wilson, Andrew. 2008. “Gustav Metzger’s Auto‐Destructive/Auto‐Creative Art: An Art of Manifesto, 1959–1969.” Third Text 22 (2): 177–94.https://doi.org/10.1080/09528820802012844.

26 Howse, Martin. 2019. “The Final Session.http://www.1010.co.uk/org/final.html.

27 Ibid

28Jordan, Ryan. 2015. “DIY Electronics: Revealing the Material Systems of Computation.” Leonardo Music Journal 25 (25): 44.

29 See for example Chang, Kevin. 2019. “Pd Knobs.” Sonoclast: Electronic Instruments for Music. http://sonoclast.com/products/pd-knobs/; or the 16n in Crabtree, Brian, Sean Hellfritsch, Tom Armitage, and Brendon Cassidy. 2017. “16n.” https://16n-faderbank.github.io/.

30 Sullivan, Charles R. 1990. “Extending the Karplus-Strong Algorithm to Synthesize Electric Guitar Timbres with Distortion and Feedback.” Computer Music Journal 14 (3): 26–37.

31 Blasser 2015, 1

32 Karriem, Quran and Rebecca Uliasz. 2017. “Synthball.”http://qurankarriem.com/portfolio/synthball/.

33 Paradinas, Mike and Richard D. James. Expert Knob Twiddlers. Rephlex, 1996. Record released under the name „Mike and Rich“.

34 Evens, Aden. 2005. Sound Ideas: Music, Machines, and Experience. University of Minnesota Press:160, Rovan, Joseph “Butch.” 2009. “Living on the Edge: Alternate Controllers and the Obstinate Interface.” Mapping Landscapes for Performance as Research: Scholarly Acts and Creative Cartographies.

35 Collins 2009: 294

36 Dal Farra, Ricardo. 2006. “Something Lost, Something Hidden, Something Found: Electroacoustic Music by Latin American Composers.” Organised Sound 11 (2): 131–142; Flood, Lauren. 2016. “Building and Becoming: DIY Music Technology in New York and Berlin.” Columbia University. PhD Thesis; Gordon, Theodore Barker. 2018. “Bay Area Experimentalism: Music and Technology in the Long 1960s.” University of Chicago; Lerner, Martín Matus. 2019. “Latin American NIMEs: Electronic Musical Instruments and Experimental Sound Devices in the Twentieth Century.” In Proceedings of the International Conference on New Interfaces for Musical Expression.

Piezo Musik & Kontaktmikrofone

Richard Lerman hat maßgeblich zur Erforschung des musikalischen Einsatzes von Kontaktmikrofonen beigetragen.

Bandcamp #1

Bandcamp #2

Videos

Er begann Mitte der 1960er Jahre mit verschiedenen Arten von Kontaktmikrofonen zu experimentieren und benutzte sie, um Geräusche aufzunehmen, die von „Windharfen, Pflanzen, Bootsankertauen, Felsen, Kaktusdornen, Wärmeausdehnung in Metall, Spinnweben (mit begrenztem Erfolg) erzeugt wurden. Er befestigte sie an vielen Arten von selbstgebauten und traditionellen Musikinstrumenten und verwendete sie sogar als Lautsprechertreiber, um Metall- und Glasskulpturen Klang zu verleihen.“ Lerman studierte an der Brandeis University in Waltham, Massachusetts, als Alvin Lucier dort das elektronische Studio leitete (mit Anthony Gnazzo). Als Lucier Brandeis zur Wesleyan University verließ, wurde Lerman – „äußerst unvorbereitet, aber wirklich neugierig“ – standardmäßig technischer Leiter des Studios.  Laut Lerman waren in dieser Zeit oft John Cage und David Tudor in der Nähe, ebenso wie Gordon Mumma, von dem er das Löten lernte. Lerman erinnert sich, dass Tudor ihm sagte: „Richard, wenn du elektronische Musik machen willst, musst du etwas Elektronik lernen.“ Lerman nahm die Worte ernst und nutzte „früh im Spiel“ Piezoscheiben sowohl als Mikrofone als auch als Lautsprecher (oder, wie er es ausdrückt, „weiche Lautsprecher“). Die ersten Versionen seines Stückes Travelon Gamelon (1977) verwendeten „Phono-Tonabnehmer zwischen Kotflügelscheiben, untergebracht in der Plastikbox, in der [die Tonabnehmer] verpackt waren.“ 19 Die Klänge in Travelon Gamelon, die an das perkussive, metallische Timbre eines Gamelan-Orchesters erinnern, wurden durch die rhythmischen Bewegungen von Fahrrädern erzeugt, die von Kontaktmikrofonen aufgenommen wurden. Die Patronen waren zerbrechlich und selbst in schützenden Kunststoffgehäusen gingen sie oft zu Bruch. Also begann Lerman, mit Piezomaterialien zu experimentieren:

Ich habe viele verschiedene Quellen zu Tonabnehmern recherchiert und festgestellt, dass Keramik-Tonabnehmer (EV 81T) Piezo-Geräte sind und normalerweise aus etwas wie Bariumtitanat bestehen. Als ich das Wort „Piezo“ mit „Disks“ sah, vielleicht von einer Firma in Massachusetts namens Meshna Electronics, fing ich an, verschiedene Arten von Disks zu kaufen. Diese waren viel einfacher zu handhaben als mit den Phonowagen. Also begann ich wahrscheinlich ’78 / ’79 oder so, die Piezos zu benutzen. Sie waren viel robuster, als ich herausfand, wie ich sie am besten löten konnte. Ich begann ernsthaft, mit den Platten zu arbeiten und Vorverstärker für sie zu bauen, indem ich verschiedene Operationsverstärker verwendete, die es gab. 

zum Film oben:

Zur gleichen Zeit entwickelten europäische Avantgarde-Komponisten elektronische Werke, die meist in Rundfunkstudios wie WDR (Köln, Deutschland), ORTF (Paris, Frankreich), Studio di Fonologia (Mailand, Italien) und BBC auf Tonband aufgenommen wurden Studio (London, Großbritannien).

Mikrophonie I – Karlheinz Stockhausen (oben)

Karlheinz Stockhausen beschäftigte sich in seinem zentralen Werk Mikrophonie I (1964) mit der Live-Elektronikverarbeitung. Die einzige Klangquelle ist ein großer Tam-Tam-Gong, der mit Gegenständen aus verschiedenen Materialien – Glas, Pappe, Metall, Holz, Gummi und Kunststoff – angeregt wird.

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Die ausgeführten Aktionen werden mit einem stark gerichteten Mikrofon verstärkt und dann in Echtzeit verarbeitet. Die sechs Performer sind in drei Gruppen aufgeteilt:

Die ersten beiden spielen Tam-Tam, die zweiten beiden manipulieren das Mikrofon, während das dritte Paar den Klang des Mikrofons mit einem Filter und einem Potentiometer moduliert. Der Abstand und die Position des Mikrofons beeinflussen die Klarheit und das Timbre (Klangfarbe) des Tons, ähnlich wie der physische Standort den Ton beeinflusst, der durch ein Kontaktmikrofon gehört wird. Mit Hilfe von Jaap Spek, dem Techniker des Kölner WDR, hatte Stockhausen begonnen, Kontaktmikrofone  zu verwenden, um die Metall- und Streicherklänge in vielen seiner Stücke zu verstärken, darunter auch Mixtur (1964), Prozession (1967) und Kurzwellen (1968).

Jaap Spek (1929–2001) war ein Toningenieur und Philosoph, der mit den WDR-Studios in Köln verbunden war, wo er unter anderem mit Stockhausen zusammenarbeitete.

Die beiden letzteren wurden von dem Komponisten und Bratschisten Johannes Fritsch, der Mitglied des Stockhausen-Ensembles war (1964-1970), gemeinsam mit Rolf Gehlhaar mehrfach aufgeführt. Fritsch und Gehlhaar experimentierten weiter mit Kontaktmikrofonen, nachdem sie Stockhausens Gruppe verlassen und das Feedback Studiogegründet hatten (aktiv zwischen 1971 und 2001). Gehlhaar erinnert sich, dass Fritsch ein von Schaller hergestelltes piezoelektrisches Kontaktmikrofon für Fritschs Stück Partita (1966) für verstärkte Bratsche und Bandverzögerung verwendet hat:

Normalerweise hatte er beim Spielen das Mikrofon entweder am Steg [der Bratsche] oder am Resonanzboden ganz in der Nähe des Stegs befestigt.

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Die Position variierte mit der Klangqualität, die er erzeugen wollte – auf der Brücke hellerer, schärferer Klang; am Resonanzboden etwas dumpfer, runder Klang. Das Schaller-Kontaktmikrofon war sehr nützlich für Installationen und Theateranwendungen, wo es beispielsweise an den klirrenden Ketten befestigt werden konnte, die ein Schauspieler als Teil seines Kostüms trug.Im Feedback Studio haben wir in unseren Installationen der frühen 70er Jahre viel mit dem Kontaktmikrofon und verschiedenen Instrumenten sowie Oberflächen experimentiert, wo wir ganze Räume und alle Objekte damit zu musikalischen Installationen gemacht haben. Dafür fand ich das Kontaktmikrofon oft zu empfindlich oder schwierigeinzusetzen. Ich begann, andere Möglichkeiten zu erforschen, Objekte zu verstärken, indem ich sie zum Beispiel an Stahlsaiten hängte, die über einen elektromagnetischen Gitarren-Tonabnehmer geführt wurden. Dadurch entstehen sehr interessante Sounds. Eine andere Technik, die ich für Installationen entwickelt habe, bestand darin, piezoelektrische Emitter als Mikrofone zu verwenden, indem ich kleine Gewichte darauf platzierte, eine Kante auf dem Piezo, die andere auf dem zu verstärkenden Objekt. Das funktioniert sehr gut.

Rolf Gehlhaar

Der Durchmesser dieser Elektret­mikrofonkapseln beträgt etwa 10 mm.Das Elektretmikrofon oder genauer Elektret-Kondensatormikrofon ist eine spezielle Bauart des Kondensatormikrofons. Dank ihrer kompakten Bauweise, des geringen Preises und der guten Signalqualität werden Elektretmikrofone in sehr großen Stückzahlen hergestellt. In modernen Sprachkommunikationsmitteln (Telefone, Recorder, HiFi- und Durchsagemikrofone) wurden sie durch MEMS-basierte Mikrofone verdrängt, die kompakter, billiger und feuchtigkeits- und temperaturstabiler als Elektret-Mikrofone sind und meist schon geeignete Digital-schnittstellen besitzen.

Neumann Berlin Elektret-Micro

Ein Mikrosystem (englisch Microsystem oder MEMS) ist ein miniaturisiertes Gerät, eine Baugruppe oder ein Bauteil, dessen Komponenten kleinste Abmessungen im Bereich von 1 Mikrometer haben und als System zusammenwirken.

Größenvergleich zwischen einer Milbe und einem Mikrosystem. Ohne Skala.Größenvergleich zwischen einer Milbe und einem Mikrosystem. Ohne Skala.

Mikrofone

1 Andere Kontaktmikrofone sind elektromagnetisch und verwenden das gleiche Prinzip eines Gitarren-Tonabnehmers mit dem Unterschied, dass elektromagnetische Kontaktmikrofone eine Metallmembran enthalten, um jede physikalische Vibration in eine Verzerrung des elektromagnetischen Felds umzuwandeln, während der Gitarren-Tonabnehmer lediglich eine Spule ist, die das Feld erfasst Verzerrungen, die durch das vibrierende Eisenmaterial der Saite verursacht werden.

2 Nyman, Michael (1999). Experimentelle Musik: Cage und darüber hinaus , Cambridge: Cambridge University Press, S.92.

3 Cartridge Music hat eine offene Form. Die Partitur besteht aus mehreren transparenten Blättern, und die darauf gezeichneten Muster liefern nur die Mittel, um eine Zeitstruktur festzulegen. Jeder Performer muss die Folien übereinander legen und die zeitliche Struktur herausarbeiten, indem er die Art und Weise beobachtet, wie sich die gezeichneten Linien und Muster auf den Blättern schneiden. Die Wahl der Objekte und Manipulationsmittel bleibt dabei ganz den Musikern überlassen. Siehe Kasten „John Cage – Der Vater der Erfindung“ in Kapitel 7.

4 Nyman (1999), op. O., S.90.

5 Siehe auch Imaginary Landscape No. 2 (1942), in dem sowohl Instrumente als auch elektronische Geräte durch Kontaktmikrofone verstärkt werden.

6 In den Performance-Notizen bietet Cage Beispiele für Gegenstände, die verwendet werden könnten: „1st player — magazines, paper or paper; 2. Spieler — Tisch oder Holzmöbel; 3. Spieler – große Bücher; 4. Spieler – Boden, Wand, Tür oder Holzrahmen des Fensters“ (Cage, John (1940) Living Room Music , Peters Edition).

7 Siehe Nyman (1999), a. O., S.89.

8 Siehe Randleiste „David Tudor und der Rainforest “ in Kapitel 8 und den Aufsatz von You Nakai und Michael Johnsen auf der Website.

9 Siehe: Iddon, Martin (2015). John Cage und David Tudor, Correspondence on Interpretation and Performance , Cambridge University Press, S. 187-186.

10 Siehe Randleiste „Composing Inside Electronics“ in Kapitel 15.

11 Skype-Interview mit John Driscoll, 25. März 2019.

12 Wie Driscoll erklärt, verwendete Tudor in den frühen Iterationen des Stücks kleine Objekte auf einer Tischplatte und spezielle selbstgebaute Elektronik mit Feedback-Oszillatoren. „Die akustische Ausgabe dieser kleinen Objekte war nicht sehr laut, aber das Signal, das an die Lautsprecher gesendet wurde, war ziemlich laut“, sodass die Zuhörer über das Lautsprechersystem hörten, anstatt das Objekt selbst zu hören. (Driscoll, Skype-Gespräch – 25.03.2019).

13 „Bill Viola traf in Syracuse eine Vereinbarung mit dem Everson Museum, und Ralph Jones fand eine Gelegenheit in Buffalo“. Ebenda.

14 Ebenda.

15 Ebenda.

16 Ebenda.

17 In A Guide for working with Piezo Electric Disks to Introduction Children to Issues of Acoustic Ecology and Sonic Creativity

http://www.public.asu.edu/~rlerman/PDF%20Files/Children%20&%20Piezo%20disks.pdf

aufgerufen 15. April 2019.

18 E-Mail von Richard Lerman (26. September 2018)

19 Ebenda.

20 Ebenda.

21 In Frankreich hatte Pierre Schaffer bereits in den 1940er Jahren die Groupe de Recherches Musicales bei Radio Diffusion Télévision Française (RTF) gegründet, wo er fast zehn Jahre arbeitete. Einige Jahre später arbeitete Karlheinz Stockhausen im WDR-Studio in Köln, Luciano Berio im Studio di Fonologia in Mailand usw. Cage arbeitete von November 1958 bis März 1959 im Studio di Fonologia in Mailand und komponierte Fontana Mix (1958 ) dort.

22 Mikrophonie I wurde am 9. Dezember 1964 in Brüssel uraufgeführt. Das Stück entstand aus Stockhausens Experimenten im Sommer 1964 an dem großen Tam Tam, das er zuvor für Momente gekauft hatte.

23 Diese Kontaktmikrofone könnten aus dem WDR-Studio stammen, wie auch die meisten der von Stockhausen verwendeten Geräte.

Noch heute werden 24 Schaller Kontaktmikrofone produziert. Das beliebteste Modell ist die Schaller Oyster S/P

https://www.thomann.de/gb/schaller_oyster_723.htm abgerufen am 13. Mai 2019.

25 E-Mail von Rolf Gehlhaar 28.04.2019.

26 Die Zusammenarbeit begann, weil Davies über Stockhausen schrieb. Das Buch wurde nie veröffentlicht, aber Davies unterhielt eine mehrjährige Arbeitsbeziehung mit Stockhausen. Er korrigierte weiterhin Stockhausens Partituren und führte seine Werke in Großbritannien auf. Möglicherweise waren ihm auch die Experimente von Fritsch und Gehlhaar mit Kontaktmikrofonen bekannt, da sie zu dieser Zeit in Stockhausens Ensemble stattfanden.

27 Nach Köln zog Davies nach Paris und dann nach New York, wo er an der Zusammenstellung des Répertoire international des musiques électroacoustiques (International Electronic Music Catalog) (RIME) arbeitete, das 1968 veröffentlicht wurde. Zurück in Großbritannien gründete er das Studio für elektronische Musik am Goldsmiths College, die er bis 1986 leitete. 1982 richtete Davies ein kleines Studio an der Oxford University ein, unterstützt von Daphne Oram, einer seiner Mentorinnen als Studentin. [Für weitere Informationen siehe auch Palermo 2015, op.cit.]

28 Davies erinnerte sich an ein bemerkenswertes Konzert von Cage, Tudor und Mumma in London im November 1966 während eines Besuchs der Merce Cunningham Dance Company.

Möglicherweise haben sie Musik für verstärkte Spielzeugklaviere aufgeführt (1960). [Siehe Davies, 2001]. Über Davies‘ eigenes Material erinnert sich Fiorenzo Palermo: „Der erste magnetische Tonabnehmer, den er verwendete, stammte aus dem Jahr 1969 und stammte von ehemaligen RAF-Mikrofonen, von denen er behauptete, sie seien während des Zweiten Weltkriegs in Spitfires verwendet worden. Später, als das Angebot an diesen zurückging (er kaufte sie in Geschäften in der Denmark Street in London), wandte er sich alten Telefonhörern oder Kopfhörern zu, die vom Militär oder von Telefonisten verwendet wurden. Ich glaube nicht, dass Hugh seine eigenen Mikrofone gebaut hat, sondern sie eher geborgen und wiederverwendet hat. Trotzdem habe ich bei meinen Recherchen festgestellt, dass Hugh anlässlich einer Aufführung von Sternklang von Stockhausen 1980 in Bonn eine A-Klarinette mit selbstgebautem Kontaktmikrofon und Vorverstärker spielte.“ E-Mail von Fiorenzo Palermo (25. Mai 2019).

SHO-ZYG — James Bulley

SHO-ZYG — James Bulley

29 Für eine ausführlichere Beschreibung und Bilder siehe Palermo 2015, op.cit. Palermo präzisiert, dass Davies begonnen hatte, piezoelektrische Mikrofone zu verwenden „spätestens seit der Gründung des Goldsmiths Electronic Music Studios im Jahr 1967, das zwei Piezos in seiner Erstausstattung hatte, und er benutzte diese, um alle Arten von Gegenständen (Kämme, zerbrochene Glühbirnen, Federn), wodurch galaktische Grenzflächen aufgezeichnet wurden .“ E-Mail von Fiorenzo Palermo (25. Mai 2019). In anderen Werken verwendete Davies magnetische Tonabnehmer: Concert Aeolian Harpwurde aus Eierschneidern gebaut, „indem die feinen Laubsägeblätter auf einem Aluminiumrahmen montiert wurden, der dann an einem Ständer befestigt worden wäre. Die Blätter wurden parallel angeordnet und Mikrofone am Ende des Aluminiumrahmens platziert, der senkrecht zu den Blättern verlief. Um die Concert Aeolian Harp zu spielen, blies der Spieler auf die Laubsägeblätter und erzeugte eine Klangqualität, die einer Äolischen Harfe ähnelt. [Palermo 2015, op.cit., S.191-192].

30 Die anderen Mitglieder waren Richard Bernas, Patrick Harrex, Graham Hearn, Stuart Jones, Richard Orton und Michael Robinson. Der Name Sanftes Feuer entstand aus der Beratung des I Ging über den Weg, den sie einschlagen sollten:

„Hexagramm Nr. 37, die Familie, tauchte auf“, dessen zwei Trigramme Sonne und Li sind, was Sanfter Wind bzw. Anhaftendes Feuer bedeutet – was klar darauf hinweist der Gruppe, dass sie diese Aktivitäten fortsetzen und den Namen Gentle Fire tragen sollten “ (Davies 2001, op.cit. p.54).

31 In Gruppe Komposition III war das gHong die einzige Klangquelle, während in Gruppe Komposition IV jedes Mitglied ein anderes zusätzliches Instrument zum Spielen auswählte.

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32 Laut Palermo [Palermo, op.cit., S.138/140] sollte der gHong ursprünglich den Partituranweisungen von Christian Wolff genügen, die Partituranweisungen lauteten:

„Construct an instrument, or find something, or use an instrument als Teil einer Konstruktion, die 5 verschiedene Tonhöhen oder 11 oder 3 verschiedene Tonhöhen bilden kann; 6 verschiedene Klangqualitäten (sie können von der Art der Aufführung abhängig gemacht werden) oder 2; und die Töne zumindest etwas aushalten kann, bevor sie zu verblassen beginnen‘, und die verschiedenen Mikrofone, die an den Instrumenten angebracht sind, ermöglichten eine Erweiterung der erzeugten Klänge.

33 Vgl. Otto, Andreas (2008). Die Entwicklung elektronischer Musikinstrumente am Steim (Studio für elektro-instrumentale Musik) im Amsterdam seit 1969. (MagisterArbeit), S.14-15.

https://docplayer.org/2117578-Die-entwicklung-elektronischer-musikinstrumente-am-steim-studio-fuer-elektro-instrumentale-musik-in-amsterdam-seit-1969.html abgerufen

am 18. April 2019.

34 E-Mail von Nico Bes, 5. Februar 2019.

35 E-Mail von Jo Schepernisse, 9. April 2019.

36 Siehe Bas van Putten (2015). A lles moest anders. Biografie van Peter Schat , Amsterdam: Uitgeverij De Arbeiderspers, 2015, S. 381. Labyrinth wurde beim Holland Festival 1966 unter der Leitung von Bruno Maderna, dem damaligen Gastdirektor des Concertgebouw, uraufgeführt

37 Laut van Putten spielte Schat in dem Film zwei Rollen: „der Fremde“, der sich in die Titelfigur verliebt, und der Dirigent seiner eigenen Musik für Artaudofoon (siehe Van Putten 2015, op. cit., S. 386-389)
The Gangster Girl (Het Gangstermeisje) ist im Eye Filmmuseum erhältlich (Infos zum Film unter:

https://www.eyefilm.nl/en/collection/film-history/film/het-gangstermeisje)

und das Instrument Artaudofoon ist in der oben erwähnten Szene zwischen 16’30“ und 18’30“ zu sehen. Laut van Putten spielte Schat zwei Rollen im Film: „Der Fremde“, der sich in die Titelfigur verliebt , und der Dirigent seiner eigenen Musik für Artaudofoon (siehe Van Putten 2015, op. cit., S. 386-389).

38 Abb.6 wurde in der Online- Datenbank „Memory of the Netherlands “ mit dem Datum 14. März 1966 gefunden. Es ist möglich, dass das Bild während der Dreharbeiten des Films aufgenommen wurde, da der Ort korrekt erscheint. Die Bildunterschrift eines ähnlichen Fotos, das am 17. Juli 1966 im San Francisco Examiner veröffentlicht wurde, erwähnt das Artaudofoon als das Schlaginstrument, das „letzte Woche enthüllt“ wurde, gibt jedoch nicht den Anlass an, bei dem das Bild aufgenommen wurde.

39 „Hier ist die Komposition, die als Ergebnis Ihres Auftrags geschrieben wurde. Ich hoffe, dass Sie in Kürze die zweite Hälfte meines Honorars, nämlich 750 Gulden, auf mein Überweisungskonto (Nr. 122.747) einzahlen werden. Vielen Dank.“ (In Schat, Peter (1967) First Essay on Electrocution , für Violine, Gitarre und Metallschlaginstrumente (3 Spieler). Donemus [Partitur]).

40 Eben.

41 Tudor hat zum Beispiel Stockhausens Klavierstück XI am 22. April 1957 in New York uraufgeführt (zur Enttäuschung von Wolfgang Steinecke, der einige Monate später einer Uraufführung in Darmstadt zugestimmt hatte) und Bruno Madernas Klavierkonzert am 2. September 1959 mit dem Symphonieorchester des Hessischen Rundfunks. Siehe: Iddon (2013), S. 181-183.

42 Siehe Iddon (2015), p. 166. Zu den Darstellern gehörten neben Cage und Tudor Nam June Paik, Hans G. Helm, Benjamin Patterson, William Pearson, Kurt Schwertsik, Cornelius Cardew.

43 E-Mail von Richard Lerman (12. Mai 2019).

44 Raes konzentrierte sich auf piezoelektrische Elemente in Systemen mit Ultraschall-Bewegungsmeldern, aber er fertigte auch Arbeiten mit piezoelektrischen Mikrofonen zur Verstärkung von Objekten an. Bei Holosound wurden ab den frühen 1980er Jahren piezoelektrische Elemente verwendet, um ein Ultraschallsystem aus Gestensensoren zu bauen, und auch in der klangerzeugenden Komponente:

Der Ultraschall demodulierte Objekte wie Federn und Glocken, die an piezoelektrischen Mikrofonen befestigt waren, damit die Bewegungen von Die Objekte könnten verstärkt werden und Klang erzeugen.

http://users.telenet.be/stichtinglogos/concerts/concerts1981.html und

http://users.telenet.be/stichtinglogos/concerts/concerts1968.html

abgerufen am 24. Juni 2019. letzter Abruf 24. Juni 2019.

ArtaudofoonPeter Schat

Die Idee, Metallklänge mit Kontaktmikrofonen zu verstärken, wurde auch von dem niederländischen Komponisten Peter Schat (1935-2003) angewandt.

Peter Schat, 1968

1961 schloss er sich der Mood Engineering Society von Willem de Ridder an, einer Gruppe, die in multimedialen Projekten bildende Kunst, Musik und Theater verband. 1967 gehörte er zu den Gründern des Studio for Electro-Instrumental Music (STEIM), einem Zentrum für elektro-instrumentale Musik in Amsterdam. Von 1974 bis 1982 unterrichtete er am Konservatorium von Den Haag.

Zu Beginn seiner Karriere entwarf er mit Hilfe des Bildhauers Frans De Boer-Lichtvelt und des Technikers Jo Scherpenisse ein Instrument namens Artaudofoon.

In den 60er Jahren gehörte Schat zu einer Gruppe politisch engagierter junger Komponisten, darunter

Misha Mengelberg, Louis Andriessen, Dick Raaymakers, Jan van Vlijmen, Reinbert de Leeuw und Konrad Boehmer, die das Studio voor Elektro-Instrumentale Muziek (STEIM) gründeten.

 

Nico Bes, der 1971 bei STEIM zu arbeiten begann, erinnert sich, dass eine seiner ersten Erfahrungen mit Kontaktmikrofonen das Artaudofoon war.

oben: Artaudofoon

Piezo Composing

Inspiriert von Antonin Artauds Theatre of Crueltybestand sie aus fünf Metallskulpturen, deren Klang durch daran befestigte Kontaktmikrofone verstärkt wurde. Laut Schepernisse verwendete Schat die von Hubschrauberpiloten verwendeten Kehlkopfmikrofone. Der genaue Ursprung dieses riesigen Instruments ist unklar. Laut Bas van Putten, dem Biografen von Schat, entstand die Idee 1965 während der Arbeit an seiner Oper Labyrinth, als er daran dachte, ein riesiges elektroakustisches Schlaginstrument zu bauen, das mit vielen „Kontaktmikrofonen, einem Filter, einem Modulator, einem Verstärker“ ausgestattet war und eine Reihe von Lautsprechern.“ Im September 1966 versuchte Schat wegen technischer Probleme und der hohen Kosten für elektronische Teile eine Finanzierung von Philips zu erhalten, und er erhielt in diesem Jahr von der Rotterdam Art Foundation einen Auftrag für eine Theaterarbeit, Electrocution, die den Artaudofoon als Schlaginstrument verwenden sollte, aber das Werk wurde nie geschrieben. Van Putten erwähnt jedoch den Film von Frans Weisz aus dem Jahr 1966, The Gangster Girl (Het Gangstermeisje)-oben, der eine im Kleinen Saal des Concertgebouw gedrehte Konzertszene mit einer vom Artaudfoon gespielten Komposition und drei Kontrabässen enthält.

 

Abbildung: Ein Teil des bei Steim archivierten Artaudofoon . Fotos © Nico Bes, Verwendung mit Genehmigung.

Abbildung: Ein Teil des bei Steim archivierten Artaudofoon . Fotos © Nico Bes, Verwendung mit Genehmigung.

Schlussfolgerungen

Die beschriebenen vielfältigen Erfahrungen eint das gemeinsame Interesse an den Möglichkeiten der Verstärkung und an neuen Formen des Klangerlebens durch den Einsatz von Kontaktmikrofonen.Die 1960er, 70er und 80er Jahre waren eine Zeit der regen Verbreitung von Ideen. Lange bevor das Internet diese Art des Teilens mühelos machte, boten internationale Festivals und Konzerte Gelegenheiten für Musiker, sich zu treffen und ihre Arbeit und technische Forschung auszutauschen.Amerikanische Komponisten reisten durch ganz Europa und brachten neue Ideen aus der Neuen Welt mit. Cage und Tudor gehörten zu den frühesten und hatten eine tiefgreifende Wirkung.Insbesondere Tudor fungierte als Brücke zwischen amerikanischen und europäischen Gemeinschaften. Ab den 1950er Jahren hat er Werke von Komponisten wie Stockhausen, Maderna und Boulez uraufgeführt und dabei starke Verbindungen zur europäischen Avantgarde aufgebaut. Gleichzeitig tourte er oft mit Cage und stellte auch neue Musik anderer amerikanischer Komponisten vor. Es ist erwähnenswert, dass die Uraufführung von Cartridge Music in Deutschland (mit Stockhausen im Publikum) im Kölner Atelier von Mary Bauermeister am 6. Oktober 1960 stattfand. 

In den folgenden Jahren nahm eine jüngere Generation amerikanischer Komponisten an Festivals und Konzerten in Europa teil und trug so zur Entwicklung einer internationalen Gemeinschaft bei. Richard Lerman erinnert sich, dass seine erste Reise nach Europa 1979 zur Muzicki Biennale Zagreb war, wo er Travelon Gamelon aufführte. Beim Festival Spiel und Klangstraße 1981 in Essen, Deutschland, geleitet von dem Schlagzeuger Michael Jüllich, lernte er Godfried-Willem Raes kennen.   Raes, ein belgischer Künstler, der intensiv mit Piezoelektrizität arbeitete, betrieb seit 1968 Logos, einen Veranstaltungsort für experimentelle Musik in Gent. Lerman hatte dort seinen ersten Auftritt im September 1981.  Hugh Davies hatte auch Kontakt zu Raes, der kaufte aus Davies‘ Sammlung selbstgebauter Instrumente aus dem Jahr 1974

ein  Feder Brett mit Pienzo. unten

Abbildung: Springboard von Hugh Davies, im Besitz von Godfried-Willem Raes. Foto aufgenommen in der Logos Foundation vom Autor (20.03.19).

Abbildung: Springboard von Hugh Davies, im Besitz von Godfried-Willem Raes. Foto aufgenommen in der Logos Foundation vom Autor (20.03.19).

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“Reveal Party — Sound Installation by Jess Rowland”, Lewis Center for the Arts (2019).  https://vimeo.com/378895987

Dartmouth Hood Museum
https://hoodmuseum.dartmouth.edu/explore/publications/resonant-spaces-sound-art-dartmouth?page=14

Artfuse
https://artsfuse.org/163224/visual-arts-preview-resonant-spaces-sound-art-at-dartmouths-hood-museum/

I Care If You Listen
https://icareifyoulisten.com/2022/05/mata-2022-mounts-experimental-and-socially-engaged-works/

Schedel (Forthcoming)The Star Eaters: Women in Electronic Music, Chapter in the Cambridge Companion to Women since 1900,Cambridge University Press.

Schedel (2018)“Color is the Keyboard: Transcoding from Visual to Sonic”Chapter in the Oxford Handbook of Algorithmic Music, Oxford University Press.

T. Massey (2019) “Technology, Gender, and Sexuality: Case Studies of Women and Queer Electroacoustic Music Composers”, Dissertation,  West Virginia University [link: https://researchrepository.wvu.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=8433&context=etd].

A Trans Composer Playlist, Alex Temple (2017)VAN Magazine
[link: https://van-us.atavist.com/a-trans-composers-playlist].

A Feast for the Ears at the Hood Downtown: Jess Rowland. By Susan Apel, Daily UV (2017).

Simons Center Exhibit Explores The Relationship Between Science and Art. Stony Brook Press, Sep 15, 2016. Lei Takanashi.

This Sound Artist Makes Music Without Notes. Banff Centre Newsletter 2016. by Sara Frizzell.

Transgender Today: Jess Rowland (2015). New York Times, online story wall.

Paging Gertrude Stein: Inside a South Williamsburg Writing Salon. Natalie Rinn, Brooklyn Magazine, 6/7/16.

Steve Mecca, (2015) Jess Rowland: Spambots. CD Review. Chain D.L.K.

Glenn Astarita – (2015) Spambots Review, All About Jazz.

Beautiful Now, Shira and Max (2015).

 

Lara Grant

Sarah Grant

IPFS-Logo

 

 

 

 

 

 

 

 

Alex Inglizian

 

Bandcamp

 

LoVid

Tali Hinkis

 

Jon Satrom

Peter Blasser

 

 

 

Peter Blasser

 

Michael Johnsen

YOU Nakai

 

 

 

 

 

Brett Balogh

Audiophob

Peter Speer

 

japanoise

Wolfgang Spahn

The Wedding Sessions 20220129

Wolfgang Spahn ist ein österreichisch-deutscher bildender Künstler mit Sitz in Berlin. Seine Arbeit umfasst interaktive Installationen und Performances von Licht und Ton. Seine Kunst erkundet das Feld analoger und digitaler Medien und thematisiert sowohl deren Widerspruch als auch deren Korrelation. Aus diesem Grund ist er auch auf die Wiederaneignung und Wiederverwendung elektronischer Technologien spezialisiert.

Für seine Kreationen erkundet er die Möglichkeiten von Hardware und erweitert ständig ihre Grenzen, um sie seinem künstlerischen Konzept dienen zu lassen. In letzter Zeit hat er analoge Synthesizer sowie analoge Computer und analoge Neuronennetzwerke entwickelt und verwendet sie, um abstrakte Licht- und Klangskulpturen zu schaffen.

 

 

Eduardo F. Rosario

Eduardo F. Rosario - Greater Chicago Area | Professional ...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

oben: Texturiert und Ambient: Die Klänge in Kleinbuchstaben des Künstlers Eduardo F. Rosario aus San Juan

….. unter den im Artikel aufgeführten Musikern und Künstlern stach einer mit einer beachtlichen Art von Intelligenz hervor, mit echtem Experimentieren. Dieser Künstler war Eduardo F. Rosario aus San Juan, Puerto Rico; dessen Musik sich um elektronische Experimente herum entwickelt, mit einem fantastischen Sinn für Vorstellungskraft und Kreativität, der sich auch in der von ihm geschaffenen visuellen Kunst widerspiegelt.

Insbesondere kreiert Rosario verschiedene Arten von strukturierter Ambient-Musik wie Kleinbuchstabenmusik, eine Form minimalistischer Musik, bei der winzige Geräusche wie raschelnde Blätter oder Kieselsteine ​​unter den Füßen verstärkt werden, um ein alternatives Hörerlebnis zu schaffen. Die Klänge verschmelzen miteinander und erzeugen einen Stil experimenteller Musik, der weder meditativ noch gründlich ist, sondern ein direktes Hörerlebnis.

Joseph Kramer

Joseph Kramer ist ein Künstler, der mit Technologie und Klang als Orientierungswerkzeuge arbeitet und Instrumente, Objekte und Kompositionen kreiert, um die Grenzen unserer Reichweite zu erkunden und die Natur unserer Verbindungen zu untersuchen. Seit 2009 arbeitet er mit Noé Cuéllar unter dem Projektnamen Coppice zusammen. Er lebt in Chicago, IL.

Coppice_20170503_049.jpg

 

Robb Drinkwater

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Veer   (3:51)   3.52 mb
Recorded in May 1998 by Robb Drinkwater & David Suycott at splinter group Audio Studio, Chicago.
Textural solo improvisations with bow on the springboard. From the CD of improvised duets with vocalist Carol Genetti, Animus (Not In The Family Records, 1998).

 

Puredata

http://ericleonardson.org/

 

Nick Briz

https://nickbriz.news/

https://www.facebook.com/lisakorimusic/

 

David Novak David Novak

 

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Zeusaphone

 

Chiptune-Setup-Game-Boys.jpgA musician’s chiptune setup, involving Game Boy handheld gaming consoles

Das Yellow Magic Orchestra (Y.M.O.) ist ein japanisches Musiktrio, das sich auf Elektropop spezialisiert hat. Dieses Genre wurde Ende der 1970er Jahre von ihnen maßgeblich mitbeeinflusst. In ihrer asiatischen Heimat genießen sie ein ähnliches Ansehen als Pioniere der elektronischen Musik wie etwa die Gruppe Kraftwerk in Europa und Nordamerika. Die Mitglieder sind Haruomi Hosono (Bass), Yukihiro Takahashi (Schlagzeug) und Ryuichi Sakamoto (Keyboard). An der Welttournee 1979 war Gitarrist Kazumi Watanabe als Gast beteiligt.

Cloud

Thema: Latenz
Snare 4 einmal mit effektkette und einmal ohne fast 0 latenz.
Die overheads und raum micros haben 2ms.Snare 4 einmal mit effektkette und einmal ohne fast 0 latenz.die overheads und raum micros haben 2ms.

 

Kōji Kondō (jap. 近藤 浩治, Kondō Kōji; * 13. August 1961 in Nagoya) ist ein japanischer Komponist. Er ist bekannt für seine Arbeit an vielen Videospielen der Firma Nintendo. Kondō leitete die aus Komponisten, Soundkünstlern sowie -programmierern bestehende Soundgruppe von Nintendos Entwicklungsabteilung Nintendo Entertainment Analysis & Development, seit September 2015 Nintendo Entertainment Planning & Development.

Yoshihiro Sakaguchi (jap. 坂口 由洋, Sakaguchi Yoshihiro), auch bekannt unter dem Pseudonym Yukichan’s Papa, ist ein japanischer ehemaliger Komponist, der hauptsächlich für die Firma Capcom gearbeitet hat. Er schrieb die Musik für die ersten zwei Mega-Man-Spiele auf dem Nintendo Entertainment System, sowie für das Spiel Ducktales, bei dem er die weltbekannte Moon Theme komponiert hat. Im Jahr 2006 war er auch Sound-Editor bei der Anime-Serie Ergo Proxy.

David Wise ist ein Komponist, bekannt für sein Schaffen beim Videospiele-Entwickler Rare an der Donkey-Kong-Country-Reihe. Er verließ das Unternehmen 2009.

Discogs

Genres für Dummies: Chiptune

Minae Fujii

Minae Fujii (藤井 美苗) (besser bekannt unter ihrem Pseudonym Ojalin und derzeit bekannt unter ihrem Ehenamen Minae Saito) ist eine ehemalige Capcom-Sounddesignerin, die zuvor nur für eine Handvoll Titel für NES und SNES Musik und Soundeffekte erstellt hat sie hat die Firma verlassen. Sie arbeitete oft mit Yasuaki Fujita zusammen.

Sie ist am besten für ihre Arbeit an der Mega Man-Serie bekannt, da sie die Musik für Mega Man 4 komponierte und – obwohl sie länger als alle anderen von der Firma weg war – zurückkehrte, um ein Robot Master-Thema für Mega Man 10 zu machen (sie war es jedoch nicht an der Arrangement-Version beteiligt).

Während ihrer kurzen Anstellung war sie auch Mitglied von Alphah Lyla, der hauseigenen Band von Capcom.

Alpha Lyla (アルフ・ライラ), auch bekannt als Alfh Lyra wa Lyra oder Alpha Lyla , war Capcoms „Hausband“, bestehend aus mehreren Capcom-Musikern und Sounddesignern. Sie lösten sich Ende der 1990er Jahre auf. Der Name leitet sich von der Katakana– Schreibweise von Tausendundeiner Nacht ab .

Zu den Mitgliedern der Band gehörten unter anderem der Pianist Pii♪ (alias Yoko Shimomura ), die Keyboarder Bunbun (alias Yasuaki Fujita ) und Pakkun, der Gitarrist Uppi (alias Kazushi Ueda), der Bassist WOODY und der Schlagzeuger Tatsui.

 

Brian LeBarton is a keyboardist, composer, and electronic musician from Los Angeles, California.

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Untitled

folk, funk, soul, hip hop, electronic, alternative rock, country, psychedelia.

Beck David Hansen (* 8. Juli 1970 in Bek David Campbell) ist ein US-amerikanischer Musiker, Sänger, Songwriter und Plattenproduzent. Er wurde in den frühen 1990er Jahren mit seinem experimentellen und Lo-Fi-Stil berühmt und wurde dafür bekannt, musikalische Collagen verschiedenster Genres zu erstellen. Musikalisch umfasst er Folk, Funk, Soul, Hip Hop, Electronic, Alternative Rock, Country und Psychedelia.

Er hat 14 Studioalben (von denen drei auf Indie-Labels veröffentlicht wurden) sowie mehrere Nicht-Album-Singles und ein Notenbuch veröffentlicht.

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Im Dezember 2003 startete Ethan Kath das Musikprojekt Crystal Castles. Der Bandname stammt aus der 1980er Fernsehserie She-Ra: Princess of Power, einem Spin-off der He-Man-Serie. Im April 2005 begann Alice Glass, zu der von Ethan Kath produzierten Musik zu singen. Die erste EP Alice Practice erschien im Juni 2006. Diese war auf eine Stückzahl von 500 Kopien limitiert und bereits nach drei Tagen ausverkauft. Am 18. März 2008 erschien das selbstbetitelte Debütalbum der Band in Nordamerika. Am 28. April folgte die Veröffentlichung im Vereinigten Königreich. 2010 wurde es von der britischen Musikzeitschrift NME auf Platz 39 der besten Alben des vergangenen Jahrzehnts gewählt.

Crystal Castles beim Popped! Music Festival, 2008

Heute:

Bei meinen früheren hochwissenschaftlichen „Kollegen“ wurde ich schon als freischaffender Künstler, das richtigere Wort wäre „Feind“ im klassischen Sinne bezeichnet als ich von diesem Buch mit Studenten und Schülern sprach. Das passte nicht in das Weltbild von Kleingeistern mit Schubladenmoral. Ich habe beide Revolutionen, die digitale und die infromationstechnische im wahrsten Sinne des Wortes erleben müssen. Soviele subalterne Bremsklötze auf einem Haufen sieht man nicht oft.

Ich liebe Software!!

Ein passendes Buch hierzu unter anderen ist auch:

Musik, Ästhetik, Digitalisierung – Eine Kontroverse – Johannes Kreidler, Harry Lehmann und Claus-Steffen Mahnkopf

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Mechatronische Kunst

Voicetrack und Strotter, also Norbert Möslang und Christoph Hess habe ich schon an anderer Stelle erwähnt.

Simon Berz

Kulturschuppen

Uwe Schüler ist Elektronikingenieur. Er entwickelt und baut Licht- und Klangkunst, insbesondere experimentelle elektronische Musikinstrumente.

Jördis Drawe

Iris Rennert

Markus Haselbach

 

 

 

 

 

 

 

 

Kaspar König Kaspar Koenig

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Elixir

Patrick Studer – Mario Marchisella – Valentino Marchisela

Hardwarehacker sind Hacker, die Hardware zum einen modifizieren, um Zugang zu einem Gerät oder einer neuen Funktionalität zu verschaffen, die vom Hersteller nicht vorgesehen ist. Auch die Umgehung einer hard- oder softwareseitigen Einschränkung fällt darunter. Beispiele dafür sind das Hinzufügen von Netzwerkfähigkeiten für eine Reihe von Automaten[1] und Kaffeemaschinen[2] und der Playstation-Hack. Zum anderen entwickeln sie mitunter Geräte selbst, wie das Datenklo, ein Akustikkoppler-Selbstbausatz für den Netzzugang eines Computers über die Telefonleitung; entwickelt von Hackern des Chaos Computer Clubs.

Hardwarehacker treten als sich gegenseitig stark unterscheidende Unterform in jeder Hacker-Szene auf. Hardware zu hacken bezieht sich zwar vornehmlich auf den Bereich der Informations- und Kommunikationstechnik,[3] doch in seiner ursprünglichen Bedeutung „Tüfteln/Basteln“[4] ist Hacken nicht auf informationstechnische Bereiche beschränkt.[5]

Im Kontext eines spielerischen kreativen Umgangs mit Technik jeglicher Art schreiben sie beispielsweise Gerätetreiber und Firmware oder beschäftigten sich mit den physischen Grundlagen der Netzwerke, insbesondere wenn sie dabei Dinge außerhalb der Spezifikation verwenden. Ein Merkmal eines Hackers ist nicht die Aktivität selbst, sondern die Art wie sie durchgeführt wird. Wie das Jargon File beschreibt, genießt ein Hacker die intellektuelle Herausforderung, auf kreative Weise Grenzen zu überwinden oder zu umgehen. Sie benötigen dafür ein oft sehr komplexes und tiefes Wissen über die verwendete (Programmier-)Technik und Technologie.

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Circuit bending, eine aleatorische Musikkunst, umfasst das kreative Kurzschließen von elektronischen Geräten mit niedriger Spannung mit dem Ziel, neue musikalische oder visuelle Instrumente und Sound-Erzeuger zu kreieren. Durch das Unterstreichen von Spontaneität und Zufall werden die Techniken des Circuit bending hauptsächlich mit dem Musikgenre Noise assoziiert, obwohl auch konventionelle Musiker und Musikgruppen mit sogenannten bent instruments experimentiert haben.

Beim Circuit bending werden in der Regel die Gerätegehäuse geöffnet und es werden oft zusätzliche Komponenten wie elektronische Schalter und Potentiometer eingebaut, welche den Schaltkreis verändern.

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DIY oder D.I.Y. bedeutet Do it yourself und beschreibt ein Lernparadigma, das sich seit den 1950er Jahren auf die Amateurkultur von Heimwerkern bezog und auch synonym zum autodidaktischen Lernen gehandhabt wird. Es kann seit den 1970er Jahren besonders auch als klassisches Ideal der Punkbewegung gesehen werden, die DIY zu einem ihrer zentralen Inhalte machte. Folgephänomene, die sich in der Musik auf Punk berufen oder daran anschließen, reflektieren DIY als musikalisches Bauprinzip grundsätzlich mit. Die zentrale Methode beim DIY ist Versuch und Irrtum (Trial and error).

Hintergrund

Grundidee ist, einfach Platten zu veröffentlichen ohne auf einen Plattenvertrag einer Major-Plattenfirma zu warten, sich seine eigenen Medien zu schaffen (-> Fanzine) etc.. Auch gehört das Veranstalten von Konzerten, Lesungen, Informationsabenden und anderen Veranstaltungen ohne finanzielle Gewinnerwartung dazu.

DIY ist auch der Ausgangspunkt von Independentmusik (als die Bedeutung ‚unabhängig‘ noch im Zentrum stand und es noch kein Genrebegriff für eine bestimmte Art von Gitarrenpop geworden war): Völlig unabhängig arbeiten, sich eigene Netzwerke erschaffen und erfinden. Angefangen beim Aufnehmen und Produzieren von Musik über das Gestalten und Drucken der Cover bis zum Vertrieb der Tonträger über alternative Vertriebswege (Fanzines, Mailorder, Konzerte usw.).

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Iris Rennert

 

 

 

Dezember 12th, 2020 by Afrigal