udo matthias drums electronic software – afrigal
Als einer der größten Drummer der Gegenwart hat Corsano eine perkussive Sprache von außergewöhnlicher Amplitude und unendlichen Ressourcen entwickelt. Seine Kollaborationen reichen von Free-Jazz-Größen (Joe McPhee, Paul Flaherty & mehr) über Noise-Experten (Bill Nace, C. Spencer Yeh etc.) bis hin zu Pop-Superstars (Björk). Corsano, der in der Lage ist, aus permanenter Ekstase Geschichten zu erzeugen, hört nie auf, seine Sprache zutiefst zu bestätigen und imposant zu sein, und als absoluter und charismatischer Virtuose ist er gleichzeitig einer der edelsten und großzügigsten Improvisatoren der letzten Jahrzehnte.
(* 1975) ist ein US-amerikanischer Rock, Jazz– und Improvisationsmusiker (Schlagzeug).
https://www.youtube.com/watch?v=5VPmr_l-cTg
„Corsano ist wie immer eine Freude zu hören – es versteht sich von selbst, dass er sich einen Namen als einer der größten Improvisationstrommler gemacht hat.“ –
Aaron Mullan
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, elektronische Klangmusik, experimental, Jazz, Klanglandschaften, Lärm, Musik & Spiritualität, Soundart, Soundeffekt, Udo matthias drums Tagged with: 13 Gauge, Aarau, Aaron Mullan, Ableton, Afrigal, Afrika, Akira Sakata, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Björk (Volta), Blood Pressure, Bruno Spoerri, C++, Chris Corsano, Chuck, Darin Gray, Edinburgh, Erika Elder, ETH Zürich, Evan Parker, Experimentelle Musik, Flaherty-Colburne Quintet, Free Jazz, Free Jazz drummer, Freiburg im Breisgau, Friendly Pants, Hamid Drake, Hampshire College in Amherst, Harry Lehmann, Harry Pussy, Improvisationsmusik, Improvisationsmusiker, Improvisierte Musik, Japan, Jazz, Jazzmusiker, Jim O’Rourke, jimi hendrix, Joe McPhee, john coltrane, John Edwards, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Manchester., Massachusetts, Matt Valentine, MAXMSP, Müllheim, Nate Wooley., Nebenau, Nels Cline, Neue Musik, New Jersey, New York City, No-Neck Blues Band, Paul Dunmall, Paul Flaherty, Peter Giger, Pierre Favre, Punk, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Rock, Rockmusiker, Six Organs of Admittance, Soundart, The Young Cricketer, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Wally Shoup, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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Cafe OTO
The Print House, 18-22 Ashwin St, London, E8 3DL, United Kingdom
Tel: (+44) 20 7923 1231
Seymour Wrights Arbeit handelt von der kreativen, situierten Reibung von Lernen, Ideen, Menschen und dem Saxophon – Musik, Geschichte und Technik – aktuell und potenziell.
Seine Soloarbeit ist in drei viel beachteten Sammlungen dokumentiert – Seymour Wright of Derby (2008), Seymour Writes Back (2015) und Is This Right? (2017).
Aktuelle Projekte umfassen abaria mit Ute Kanngiesser; [Ahmed] mit Antonin Gerbal, Joel Grip und Pat Thomas; @xcrswx mit Crystabel Riley; GUO mit Daniel Blumberg; Die experimentelle Bibliothek mit Evie Ward; XT mit Paul Abbott; ein transatlantisches Duett mit Anne Guthrie und mit Jean-Luc Guionnet ein Projekt, das sich mit imaginären Lücken in Aby Warburgs Atlas Mnemosyne befasst.
Seine Texte wurden in C//A, Sound American und The Wire veröffentlicht.
The first ever trio performance by RP Boo – an originator and continual innovator of Chicago footwork music – and two very radical London-based musicians, Seymour Wright and Paul Abbott.
Paul Abbott arbeitet mit realen und imaginären Trommeln, synthetischen Klängen, Performances und Texten: Er untersucht, wie sich Klänge, Zeichen und der physische Körper in einem experimentellen Musikspiel gegenseitig beeinflussen.
Zu den jüngsten und laufenden Kooperationen gehören: XT mit Seymour Wright; F.R.David mit Will Holder; Rian Treanor-Duo; RP Boo Trio mit XT; The Creaking Breeze Ensemble mit Nathaniel Mackey, Ute Kanngießer, Evie Ward, Seymour Wright und Billy Steiger; yPLO mit Michael Speers; Falls mit Keira Greene und Auftritte mit Cara Tolmie.
Paul trat international im Cafe OTO, Talbot Rice Gallery, Whitstable Biennale, Whitechapel Gallery, Raven Row, Tate Modern, Counterflows, Next Festival, KW Institute Berlin, Serralves Porto, Empty Gallery HK auf. Er hat Platten veröffentlicht bei OTORoku, Empty Editions, Pleasures of The Text und bei Cesura//Acceso und F.R.David veröffentlicht. Residenzen umfassen Cafe OTO, KW Institute, Empty Gallery.
Zu den jüngsten Veröffentlichungen gehören Deorlaf X (XT), Very Good* (FR David, Will Holder), Ductus (Solo), 31.12.18 (XT/RP Boo), Palina’Tufa (XT) und Stop Constant. Er war einer der Mitherausgeber von Cesura//Acceso und Sound and Music „Embedded“ Resident Artist im Cafe OTO 2015-2016.
Chris Corsano (USA)
Als einer der größten Drummer der Gegenwart hat Corsano eine perkussive Sprache von außergewöhnlicher Amplitude und unendlichen Ressourcen entwickelt. Seine Kollaborationen reichen von Free-Jazz-Größen (Joe McPhee, Paul Flaherty & mehr) über Noise-Experten (Bill Nace, C. Spencer Yeh etc.) bis hin zu Pop-Superstars (Björk). Corsano, der in der Lage ist, aus permanenter Ekstase Geschichten zu erzeugen, hört nie auf, seine Sprache zutiefst zu bestätigen und imposant zu sein, und als absoluter und charismatischer Virtuose ist er gleichzeitig einer der edelsten und großzügigsten Improvisatoren der letzten Jahrzehnte.
„Corsano ist wie immer eine Freude zu hören – es versteht sich von selbst, dass er sich einen Namen als einer der größten Improvisationstrommler gemacht hat.“ – Derek Stone, Free-Jazz-Blog
Footwork , auch Juke, Footwork/Juke oder Chicago Juke genannt , ist ein Genre der elektronischen Musik, das vom Ghetto House mit Elementen des Hip Hop abgeleitet ist und erstmals Ende der 1990er Jahre in Chicago auftauchte. Der Musikstil entwickelte sich aus den früheren, schnellen Rhythmen des Ghetto House , eine Veränderung, die von RP Boo vorangetrieben wurde. Es kann aus den schnellen Rhythmen und Subbass-Frequenzen von Drum & Bass schöpfen. Tracks enthalten auch häufig stark synkopierte Rap – Samples, Pop und andere Quellen und liegen oft bei etwa 160 bpm.
Footwork ist auch ein House-Dance– Stil , der eng mit Juke-Musik verbunden ist und durch sehr schnelle und chaotische Fußbewegungen gekennzeichnet ist.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, elektronische Klangmusik, experimental, Neo Krautrock, Noise, Udo matthias drums Tagged with: „Embedded“ Resident Artist, 160bpm, 1990, 31.12.18 (XT/RP Boo), Aarau, Ableton, Aby Warburgs Atlas Mnemosyne, Afrigal, Afrika, Anne Guthrie, Anthony Braxton, Antonin Gerbal, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bill Nace, Billy Steiger;, Björk, Bruno Spoerri, C. Spencer Yeh, C//A, C++, Cafe OTO, Cara Tolmie, Cesura//Acceso, chaotische Fußbewegungen, Chicago, Chicago Juke, Chris Corsano (USA), Chuck, Coltrane, Counterflows, Crystabel Riley, Daniel Blumberg, Deorlaf X (XT), Derek Stone, Don Cherry, Drum & Bass, Ductus (Solo), elektronische Musik, Empty Editions, Empty Gallery, Empty Gallery HK, ETH Zürich, Evie Ward, experimentelle Bibliothek, Experimentelle Musik, F.R.David, Falls, footwork music, Footwork/Juke, Free-Jazz-Blog, Freiburg im Breisgau, Ghetto House, GUO, Hamid Drake, Harry Lehmann, Hip Hop, House-Dance, imaginäre Lücken, imaginäre Trommeln, Improvisierte Musik, Is This Right?, Jazz, Jean-Luc Guionnet, jimi hendrix, Joe McPhee, Joel Grip, john coltrane, Juke, Juke-Musik, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Keira Greene, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, KW Institute, KW Institute Berlin, London, London-based musicians, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Michael Speers, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Next Festival, Noise-Experten, Ornette Coleman, OTORoku, Palina’Tufa (XT) und Stop Constant, Pat Thomas, Paul Abbott, Paul Flaherty, Peter Giger, Pierre Favre, Pleasures of The Text und bei Cesura//Acceso und F.R.David, Pop, Puredata, Rap, Raven Row, Resin Binzen, Rheinfelden, Rian Treanor-Duo, RP Boo, RP Boo Trio mit XT, RP-BOO TRIO, Samples, Serralves Porto, Seymour Wright, Seymour Writes Back, Sound American, Sound and Music, Soundart, Subbass-Frequenzen, Talbot Rice Gallery, Tate Modern, The Creaking Breeze Ensemble mit Nathaniel Mackey, The Wire, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Ute Kanngiesser, Very Good* (FR David, Weil am Rhein, Whitechapel Gallery, Whitstable Biennale, Wilfrid Kirner Berlin, Will Holder, Wollbach, Wright of Derby, XT, yPLO, Zürich
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Nathaniel Mackey recites his poem “As If It Were ‘This is Our Music’” (Ornette Coleman) from his “Mu” series of poems, named after Don Cherry’s albums “Mu” First Part,” and “Mu” Second Part.
ist ein US- amerikanischer Dichter , Romanautor , Anthologe , Literaturkritiker und Herausgeber . Er ist Reynolds-Price-Professor für Kreatives Schreiben an der Duke University und Kanzler der Academy of American Poets . Mackey unterrichtet derzeit einen Lyrik-Workshop an der Duke University .
Er ist seit 1982 Herausgeber und Herausgeber von Hambone und gewann 2006 den National Book Award for Poetry . 2014 wurde er mit dem Ruth Lilly Poetry Prize ausgezeichnet , und 2015 gewann er den Yale Bollingen Prize for American Poesie .
Zu Mackeys Gedichtbänden gehören die Volksbücher Four for Trane (1978) und Septet for the End of Time (1983); und die Bücher Eroding Witness (1985), School of Udhra (1993), Whatsaid Serif (1998), Splay Anthem (2006), Nod House (2011) und Blue Fasa (2016) sowie die Bücher Tej Bet , So’s Notice und Nerve Church , die 2021 zusammen als Box mit dem Titel Double Trio veröffentlicht wurden. 2016 veröffentlichte Black Ocean Books eine Sammlung mit dem Titel Lay Ghost , die Songs enthielt, die später darin erschienen Also Hinweis .
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| Barrett Watten |
Mackeys Poesie verbindet afrikanische Mythologie , afroamerikanische Musiktraditionen und modernistische poetische Experimente. Seine mehreren fortlaufenden seriellen Projekte erforschen die Beziehung von Poesie und historischer Erinnerung sowie die rituelle Kraft von Poesie und Gesang.
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(*12. Januar 1940 in Fort Worth, Texas; † 19. Oktober 2013 ebenda[1]) war ein US-amerikanischer Jazzmusiker mit innovativem Schlagzeugspiel. Er war zunächst vom freien Schlagzeugspiel eines Milford Graves und eines Sunny Murray beeinflusst, entwickelte es aber in einer polyrhythmischen Komplexität weiter, wobei er funkige Grooves besonders betonte. Mit diesem Stil konnte er ein größeres Publikum erreichen.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, experimental, Jazz, Musik & Spiritualität, NOISE, Soundart, Udo matthias drums Tagged with: # Power Tools, 1940, 1970, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Albert Aylers, Albert Mangelsdorff, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Bennie Maupin, Berliner Schule, Bern, Betty Carter, Bill Frisell, Bill Laswell, Bruno Spoerri, C++, Cecil Taylor, Charles Mingus, Chuck, Coleman-Gitarristen James Blood Ulmer, Decoding Society, Drum-&-Poetry-Versuche, Eric Person, ETH Zürich, Europa, Experimentelle Musik, Free Jazz, Freiburg im Breisgau, funkige Grooves, Graves, Groove-Routine, Hamid Drake, Harlem, Harry Lehmann, Herbie Hancock, Improvisierte Musik, innovative Wut, innovativem Schlagzeugspiel, Jackie McLean, James Blood Ulmer, Jazz, Jazzmusiker, Jazzpunk, jimi hendrix, Joe Henderson, john coltrane, John Lindberg, Joseph Bowie, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Kenny Dorham, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Last Exit, Lörrach, Luzern, MAXMSP, mccoy tyner, Melvin Gibbs, Moers Festival, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, New York City, Ornette Coleman, Peter Brötzmann, Peter Giger, Pierre Favre, polyrhythmischen Komplexität, Puredata, Rang 83 der 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten., Ray Bryant, Ray Charles, Red Warrior, Reggie Washington, Resin Binzen, Rheinfelden, Ronald Shannon Jackson, Sonny Sharrock, Soundart, Stanley Turrentine., Steve Salas, studierte Geschichte und Soziologie, Sunny Murray, Texas, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Vernon Reid, Vijay Iyer, Wadada Leo Smith, Wayne Shorter, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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(* 15. März 1982 in Vigo, Galicien) ist eine spanische Schlagwerkerin und Komponistin.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, experimental, Jazz Tagged with: 1998, 2004/05, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Agustí Fernández, Anthony Braxton, Art in general, Bachelor-Studium, Basel, Berlin, Berliner Schule, Bern, Big Band, Bruno Spoerri, C++, Chuck, Conservatorio Superior de Musica de Vigo, Dave Friedman, Dave Samuels, Diplom in klassischer Orchester-Perkussion, Drehleier, England, Erasmus-Programm, Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Folklore, Freiburg im Breisgau, Garrison Fewell, Guildhall School of Music and Drama, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Jazz, Jazz Institut Berlin, Jazz-Komposition, Jeff Davis, Jerry Granelli, jimi hendrix, john coltrane, John Hollenbeck, John Riley, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klassischer Perkussion, Klaus Weinhold, Komposition, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Kurt Rosenwinkel, London, Lörrach, Lucía Martínez Alonso, Luzern, Master in Jazz-Komposition, MAXMSP, Michael Lauren, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Orchester Real Filarmonía de Galicia, Peter Giger, Pierre Favre, Polytechnischen Institut Helsinki Stadia, Porto, Portugal, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Schlagzeug, Severy Pysalo., Soundart, Spanien, traditionellen Percussion, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Universität der Künste, Vibraphon, Vibraphon und Schlagzeug in Italien, Vigo, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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ist ein amerikanischer Schlagzeuger, der vor allem für seine Arbeit mit der Alternative-Metal-Band Helmet bekannt ist. Er spielt derzeit in der experimentellen Rockband Battles und war zuvor mit Tomahawk und The Mark of Cain sowie bei mehreren Veröffentlichungen als Studiomusiker aufgetreten.
Er ist bekannt für seine Schnelligkeit, Ausdauer und Präzision als Performer. Stanier verwendet ein Tama Artstar II Schlagzeug.
Stanier wuchs in Pittsburgh, Pennsylvania und Florida auf und ist ein Veteran der lokalen Hardcore-Musikszene. Er ist dafür bekannt, einen Drum Corps-Hintergrund zu haben, marschierte aber nie wirklich eine Sommersaison. Er spielte Tenortrommeln für die Florida Wave Drum und das Bugle Corps während einiger Jahre ihrer Winter-/Frühlingscamps. Er studierte Orchesterpercussion an der University of South Florida, nahm aber nie formellen Schlagzeugunterricht. Stanier nennt Neil Peart als seinen größten Einfluss. Er wurde auch von Schlagzeugern wie John Bonham, Billy Cobham, Bill Bruford, Terry Bozzio, Carl Palmer und Lenny White beeinflusst. Staniers Schlagzeugspiel mit Helmet wurde als großer Einfluss auf eine neue Generation von Rock-Drummern bezeichnet. Er unterstützt Tama-Drums und ist auch bekannt für sein Zildjian K Crash-Becken, das so hoch wie möglich sitzt, wenn er mit Battles spielt.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, elektronische Klangmusik, experimental, Neo Krautrock, NOISE, Udo matthias drums Tagged with: Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Alternative-Metal-Band Helmet, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Battles, Berliner Schule, Bern, Bill Bruford, Billy Cobham, Bruno Spoerri, Bugle Corps, C++, Carl Palmer, Chuck, drummer, ETH Zürich, Experimentelle Musik, experimentellen Rockband Battles, Florida, Florida Wave Drum, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Hardcore-Musikszene, Harry Lehmann, Helmat, Helmet, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, John Bonham, john coltrane, John Stanie, John Stanier, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kunst(neue)Musik, Lenny White, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Modern Drummer, Müllheim, Nebenau, Neil Peart, Neue Musik, Orchesterpercussion an der University of South Florida, Pennsylvania, Peter Giger, Pierre Favre, Pittsburgh, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Schlagzeuger, Soundart, Studiomusiker, Terry Bozzio, The Mark of Cain, Tomahawk, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zildjian K Crash-Becken, Zürich
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Zazen (japanisch 座禅, deutsch „Sitzmeditation“) bezeichnet eine Meditationstechnik des Zen-Buddhismus. Diese soll Körper und Geist zur Ruhe bringen und den Boden für mystische Erfahrungen wie Kenshō oder Satori bereiten. Im Sōtō wird Zazen auch oft gleichgesetzt mit Erleuchtung.
Zazen Boys ist eine japanische Band, die vom ehemaligen Number Girl-Gitarristen und -Sänger Shutoku Mukai gegründet wurde. Stilistisch besteht ihre Musik hauptsächlich aus komplexen rhythmischen Songs, die an Math Rock erinnern, sowie aus ausgedehnten Improvisationsliedern bei Live-Auftritten.
Nach der Auflösung von Number Girl begann Shutoku Mukai solo unter dem Namen Mukai Shutoku Acoustic and Electric zu touren. Obwohl er zunächst neue Versionen von Number Girl-Songs aufführte, entwickelte er schnell viele neue, die auf dem ersten Album von Zazen Boys erscheinen würden. Nach einer Tournee bis Juni 2003 beauftragte Shutoku seinen Freund und ehemaligen Number Girl-Schlagzeuger Ahito Inazawa, und nachdem der ehemalige Art-School-Bassist Hidekazu Hinata und der Gitarrist Sō Yoshikane (ehemals Kicking the Lion) hinzukamen, wurde die erste Inkarnation von Zazen Boys gegründet.
Mit Shutokus experimenteller Denkweise, beeinflusst von buddhistischen Gesängen, Hip-Hop, Funk, Punk und improvisiertem Jazz, erzielten Zazen Boys unerwarteten Erfolg. Sie veröffentlichten Zazen Boys und gingen erfolgreich auf Tour. Während dieser Zeit veröffentlichte die Band die Single „Hantōmei Shōjo Kankei“ (半透明少女関係) sowie das gefeierte Live-Album Matsuri Session 26.2.2004 Tokyo. Fünf Monate nach ihrem Debüt wurde Zazen Boys II mit noch größerem Kritikerlob veröffentlicht. Anfang 2005 verließ Inazawa das Unternehmen, um seine eigene Band Vola and the Oriental Machine zu gründen.
Die Vergänglichkeit der Welt wiederholt sich.
Die Menschheit ist in jeder Hinsicht pervers. Heutzutage weiß ich es einfach nicht.
Sie winden sich energisch im Schlamm und wechseln sich ab.
Die Genetik des Karmas wiederholt sich neben dem instinktiven Heulen des Orgasmus Babys, die eines nach dem anderen geboren werden, können dem Schicksal, das ihnen auferlegt wird, nicht entkommen.
Posted in Afrigal, Blues & Rock, experimental, Power Electronic, Udo matthias drums Tagged with: Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Ahito Inazawa drums, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, ETH Zürich, Experimentelle Musik, experimenteller Denkweise, Freiburg im Breisgau, Funk, Gitarrist Sō Yoshikane, Hamid Drake, Hantōmei Shōjo Kankei, Harry Lehmann, Hidekazu Hinata, Hip Hop, Improvisationsmusik, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Kenshō, Kicking the Lion, Klaus Weinhold, Körper und Geist, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Mathrock, Matsuri Session, MAXMSP, Meditationstechnik, Müllheim, mystische Erfahrungen, Nebenau, Neue Musik, Number Girl, Orgasmus Babys, Peter Giger, Pierre Favre, Punk, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Rock, Ruhe, Satori, Shutoku Acoustic and Electric, Shutoku Mukai, Sitzmeditation, Sōtō, Soundart, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Vola and the Oriental Machine, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, ZaZEN Boys, Zazen Boys II, Zen-Buddhismus, Zürich, 半透明少女関係
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n.. CREDO
Das Credo ist einer der Hauptbestandteile des christlichen Gottesdienstes und stellt ein gemeinsames Glaubensbekenntnis der versammelten Gemeinde dar. Der Text ist Bestandteil zahlreicher Messvertonungen.
Non Credo ist das in Los Angeles ansässige Duo der Multiinstrumentalisten /Komponisten Joseph Berardi und Kira Vollman. In erster Linie Schlagzeuger bzw. Sänger, reicht ihre musikalische Palette mit Non Credo weit über den Rahmen ihrer Hauptinstrumente hinaus. Klarinetten, Marimbas, Akkordeons, Cellos, kaputte Keyboards, billige Elektronik, verändertes Kinderspielzeug und alles andere, was ihnen in den Weg kommt, wird verwendet. Nichts ist heilig, nichts ist verschwendet. Kiras Stimme zeigt eine bemerkenswerte Bandbreite, sowohl tonal als auch emotional, und ihre musikalische Landschaft ist ebenso weitreichend. Ihre bezaubernden Songs und eindrucksvollen Stimmungen schöpfen aus allen Stilrichtungen und Epochen der Musik, von zeitgenössischen experimentellen Formen über Cartoons am Samstagmorgen bis hin zu Filmmusiken und Kriegsgesängen der Zwerge. Aber sie können genauso begeistert sein von einer Seite von Edward Gorey, einem B-Movie voller Rauch und Nebel, einer verdrehten Bruegel-Landschaft oder einem belauschten Gespräch in einem Late-Night-Dinner. Von Gothic-Thriller über Film Noir Dunst bis hin zu verstörtem Märchen wird ihr Publikum auf eine Reise mit vielen Umwegen und dunklen Gassen geführt. Farbenfrohe Charaktere bewohnen ihre Welt und erzählen Geschichten über die alltäglichen Elemente des Alltags… Gier, Lust, Hass und lähmende Angst. Sie sind sich nie sicher, wohin diese Reise führen wird, aber seien Sie darauf vorbereitet, seekrank zu werden, verprügelt, ins Gefängnis geworfen zu werden, sich zu verlieben, sich eine sexuell übertragbare Krankheit zuzuziehen, Ihr Herz brechen zu lassen, Ihre Brieftasche zu stehlen, shanghaied zu werden, an Schweine gefesselt und gekreuzigt zu werden.
Die musikalische Zusammenarbeit zwischen Joseph Berardi und Kira Vollman lässt sich bis in die 1980er Jahre mit einem Projekt zurückverfolgen, das sie HumDrum nannten, ein Duo aus reiner Stimme und Percussion. Auf der Suche nach Expansion investierten sie in Aufnahmegeräte und begannen, andere verschiedene Instrumente, die jeder von ihnen spielte, hinzuzufügen, und Non Credo war geboren. Dies führte zu einem Kompositionsstil, der vollständig in die Darbietungen der Komponisten integriert und von ihnen abhängig ist. Sie interessieren sich für die Erweiterung der Liedform, indem sie auf manchmal filmische Weise Atmosphären um eine Reihe von Texten schaffen.
1 Sporco Mutande 2 Curious Couplings 3 Slips Thorugh Fingers 4 Piano Urine 5 Ambrosdia And Arsentic Tango 6 We Can Build You 7 Entzauberung 8 Snake Oil 9 Hacked 10 Big Teeth 11 Pay & Learn 12 Tokyorama 13 Miliza Three Flights Down 14 Arms Trodden Off By The Cows 15 Joyeria 16 Looking For Eddie 17 Happy Wretched Family On „Happy Wretched Family“,
Non-Credo were: Drums, Percussion, Marimba, Piano, Violoncello, Performer [Radio] – Joseph Berardi
Voice, Clarinet, Bass Clarinet, Electric Bass, Electric Guitar, Piano – Kira Vollman
Kira Vollman
Non Credos Debüt-LP „Reluctant Hosts“ wurde 1988 von No Man’s Land, der deutschen Tochtergesellschaft von Recommended Records, veröffentlicht und im Jahr 2000 erneut auf CD veröffentlicht. 1995 veröffentlichten sie „Happy Wretched Family“ auf dem bekannten kanadischen Label. Les Disques Victo. Ihre dritte CD, Impropera, eine improvisierte, unpassende Koboldoper, wurde 2006 auf dem französischen Progressive-Label Gazul/Musea veröffentlicht. Sie sind auch auf mehreren CD-Compilations in Europa und den USA erschienen und haben Musik für Film, Radio, Tanz und Performance-Stücke komponiert. Ihre Veröffentlichung „Orphans“ sammelt einige dieser Compilation-Auftritte und enthält sowohl die frühesten als auch die neuesten Aufnahmen von Non Credo. Sie sind sehr aktiv in der Live-Musikszene von Los Angeles, treten in Galerien, Theatern, Museen und Rockclubs auf und haben auf Festivals für Neue Musik in den USA, Kanada (Musique Actuelle) und Europa gespielt. Diese kraftvollen Live-Auftritte mischen Gesang mit Improvisation, wobei sie stets auf ihren ausgeprägten Sinn für Struktur achten. Ihre Improvisationen nehmen normalerweise die Form von „Instant-kompositionen“ an und nicht von freiem Geschwätz. Im Gegensatz zu mancher Improvisation weiß Non Credo, wann man aufhören muss.
Posted in Afrigal, Ästhetik, elektronische Klangmusik, experimental Tagged with: „Happy Wretched Family“, 1988, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Akkordeons, an Schweine gefesselt und gekreuzigt, Anthony Braxton, Art in general, ausgeprägten Sinn für Struktur, Basel, Bass Clarinet, Berliner Schule, Bern, billige Elektronik, Bruegel-Landschaft, Bruno Spoerri, C++, CD, Cellos, Chuck, Clarinet, drums, Duo, Duo aus reiner Stimme und Percussion, Edward Gorey, Electric Bass, Electric Guitar, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Film, Filmmusiken, Freiburg im Breisgau, Galerien, Gazul/Musea, Gier, Hamid Drake, Harry Lehmann, Hass, HumDrum, Impropera, improvisierte, Improvisierte Musik, Instant-kompositionen, Jazz, jimi hendrix, Joe Berardi and Kira Vollman, john coltrane, Kandern, kaputte Keyboards, Karl Friedrich Gerber, Klarinetten, Klaus Weinhold, Kompositionsstil, Kraftwerk, Kriegsgesängen der Zwerge, Kunst(neue)Musik, lähmende Angst, Les Disques Victo, Live-Musikszene Los Angeles, Lörrach, Lust, Luzern, Marimba, Marimbas, MAXMSP, Müllheim, Multiinstrumentalisten/Komponisten, Museen, Nebenau, Neue Musik, No Man's Land, Noir Dunst, Non Credo, Orphans, Percussion, Performance-Stücke, Performer [Radio], Peter Giger, Piano, Pierre Favre, Puredata, Radio, Reluctant Hosts, Resin Binzen, Rockclubs, Sänger, Schlagzeuger, Soundart, Tanz, Theatern, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, unpassende Koboldoper, verändertes Kinderspielzeug, Violoncello, Voice, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, zeitgenössischen experimentellen Formen, Zürich
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Jörg Piringer
(* 1974 in Wien) ist ein österreichischer Schriftsteller, Aktionskünstler und Informatiker.
Piringer studierte bis 2001 Informatik am Institut für Gestaltungs- und Wirkungsforschung der TU Wien und schrieb seine Diplomarbeit über Elektronische Musik und Interaktivität. Seit 2009 unterrichtet er an der Wiener Schule für Dichtung u. a. Akustische Poesie. 1998 war er Mitbegründer des Instituts für transakustische Forschung, an dem er in Performances, Installationen und Workshops wirkt. Er ist Ensemblemitglied des Gemüseorchesters, das auf Instrumenten aus Gemüse u. a. Free Jazz, Noise, Dub und Cover von Kraftwerk-Titeln spielt. Eingeladen von Nora Gomringer las er 2020 bei den 44. Tagen der deutschsprachigen Literatur seinen Text kuzushi.
https://www.youtube.com/watch?v=Oer2Z1uY1rk
www.theenemiesproject.com/feinde
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Stephen „Steve“ Coleman (* 20. September 1956 in Chicago, Illinois) ist ein US-amerikanischer Jazz-Musiker, Alt-Saxophonist, Bandleader und Komponist.
In den 1990er Jahren entwickelte er mit Hilfe von Programmierern im Pariser Forschungszentrum für Computer-Musik IRCAM ein improvisierendes Computer-Programm, das dann als „Bandmitglied“ bei einem Auftritt der Coleman-Gruppe am 11. Juni 1999 in Paris verwendet wurde.
Cyborg-Funk, Lange melodische Figuren im engen Unisono,
Dieses Duett hat ein schönes lockeres Gefühl.
Aufgenommen in den Systems Two Studios, Brooklyn, New York zwischen März und April 1988.
Das M-Base Collective begann um 1984.
Hier ist eine Liste von Personen, die an dieser Bewegung beteiligt waren, indem sie an der Musik teilnahmen und/oder den Geist der Musik beeinflussten:
Steve Coleman, Greg Osby, Gary Thomas, Ravi Coltrane, Jimmy Cozier , Malik Mezzadri, Branford Marsalis, Yosvany Terry, D’Armous Boone, Craig Handy, Lance Bryant, David Murray, Von Freeman, Bunky Green, Steve Williamson, Greg Tardy, Graham Haynes, Robin Eubanks, Ralph Alessi, Jonathan Finlayson, Ambrose Campbell Akinmusire, Geoffroy DeMasure, Josh Roseman, Roy Hargrove, Shane Endsley, George Lewis, Nbate Isles, Tim Albright, Jean Paul Bourelly, Rory Stuart, Kelvyn Bell, David Gilmore, Kevin McNeal, Geri Allen, James Weidman, Andy Milne, Vijay Iyer , Jason Moran, Robert Mitchell, Edward Simon, Muhal Richard Abrams, Kim Clark, Kevin Bruce Harris, Reggie Washington, Anthony Tidd (Quite Sane), MeShell N’degecello, David Dyson, Matthew Garrison, Lonnie Plaxico, Dave Holland, Kenny Davis , Bob Hurst, Dafnis Prieto, Sean Rickman, Oliver Gene Lake, Ramon Garcia Perez (Sandy), Anga (Miguel Diaz), Marvin „Smitty“ Smith, Mark Johnson, Josh Jones, Larry Banks, Terry Lynn Carrington, Chander Sarjoe, Mark Prince, Roberto Vizcaino, Marcus Gilmore , Camille Gainer, Marivaldo Dos Santos, Jesus Diaz, Michael Wimberly, Jalal Sharriff, Kwe Yao Agyapan, Ronnie Roc, Dave Frazier, Ramesh Shotham, Indian AfroCuba De Matanzas, Tani Tabbal, Junior „Gabu“ Wedderburn, Nei Sacramento (Kontra), Luciano Silva (Kontra), Felipe Alexandro (Kontra), Cassandra Wilson, Jen Shyu, D.K. Dyson, Najma Akhtar, Yassir Chadly, Black Indian, Kokayi, Opus Akoben Timbuk (alias Sub-Zero), Utasi, Shahliek, Black Thought, Andrea the Great, Dave Mills, Patricia Magalhaes, Air Smooth, Rosangela Silvestre, Laila Jenkins, Vera Passos Santana, Don Byron, Derrick Davis, Ezra Greer Maia, Claire Garrison, Lacine Wedderburn, Maria Mitchell.
Sean Rickman – drums
Ende der 70er Jahre zog Steve Coleman nach New York. Er wurde bald von etlichen bekannten Band-Leadern engagiert, etwa von Thad Jones und Mel Lewis, Sam Rivers, Cecil Taylor, David Murray, Doug Hammond sowie Dave Holland. Einen großen Teil seiner ersten Zeit in New York verbrachte er jedoch damit, in einer Straßenmusik-Band, die er mit dem Trompeter Graham Haynes zusammengestellt hatte, ein wenig Geld zu verdienen. Diese Gruppe wurde zur ersten „Steve Coleman and Five Elements“-Band, in der er damals seine Improvisations-Weise entwickelte und in der Grundlagen für das von Coleman propagierte M-Base-Konzept gelegt wurden. Der Name Five Elements bezieht sich auf einen Kung-Fu-Schlag.
https://www.youtube.com/watch?v=K1-CQyeEHLg
Im Jahr 1985 nahm Coleman seine erste CD als Bandleader bei dem deutschen Label JMT auf und hat seither mit einer mehrmals veränderten Kernbesetzung und vielen wechselnden weiteren Musikern eine Reihe von sehr unterschiedlichen Aufnahmen gemacht (in den 1990er Jahren mit der großen Firma RCA/BMG, seit 2001 mit der kleinen, französischen Firma Label Bleu). Im Handel nicht mehr erhältliche CDs macht Coleman als kostenlose Downloads auf seiner Website zugänglich. Das Album Alternate Dimension Series I hat er nur auf nicht kommerziellem Weg über das Internet zur Verfügung gestellt.
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Coleman ist immer wieder als Leiter von Workshops und als Lehrer tätig (unter anderem von 2000 bis 2002 als Gastprofessor an der University of California, Berkeley). 2014 erhielt er ein MacArthur Fellowship.
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Samuel „Sam“ Carthorne Rivers (* 25. September 1923 in El Reno, Oklahoma; † 26. Dezember 2011 in Orlando, Florida[1]) war ein US-amerikanischer Jazzmusiker (Tenor- und Sopransaxophon, Piano, Flöte, Komposition).
Rivers stammt aus einer musikalischen Familie. Sein Großvater Marshall W. Taylor veröffentlichte 1882 eine Sammlung von Erweckungshymnen und Melodien, die auf Plantagen gesungen werden. Die Mutter war Pianistin, der Vater war Gospelsänger und sang bei den Fisk Jubilee Singers und beim Silverstone Quartet. Im Alter von fünf Jahren begann Rivers mit dem Piano, lernte dann Geige und Altsaxophon und spielte mit zwölf Jahren in einer Marschkapelle Sopransaxophon. Am texanischen Jarvis Christian College lernte er dann Tenorsaxophon. Nach dem Wehrdienst studierte er ab 1947 am Boston ConservatoryKomposition,Boston ConservatoryKomposition. Nachts arbeitete er derweil in einer Bar als Saxophonist; er spielte auch mit Quincy Jones, Jaki Byard, Joe Gordon, Tadd Dameron und Herb Pomeroy. Zwischen 1955 und 1957 lebte er inFlorida, wo er an Jazz & Lyrikprogrammen teilnahm und mit Sängern und Tänzern zusammenarbeitete. Außerdem begleitete erBillie Holiday bei ihren Live-Auftritten. 1958 arbeitete er wieder in Boston bei Herb Pommeroy und hatte ein eigenes Quartett (Schlagzeuger war der junge Tony Williams).
https://www.youtube.com/watch?v=J83DsYQJ_D0
STEVE COLEMAN’S COUNCIL OF BALANCE:
James Zollar, Shane Endsley (tp), Tim Albright (tb), Marshall Sealy (frh), Mariam Adam (cl), Steve Coleman (as), Gary Thomas (ts), Valerie Coleman (fl), Toyin Spellman (oboe), Vijay Iyer (p), Anthony Tidd (elb), Sean Rickman (dr)
SAM RIVERS RIVBEA ALL STARS ORCHESTRA.
James Zollar, Ralph Alessi, Jack Walrath, Stanton Davis (tp), Ray Anderson (tb), Joseph Bowie (btb), Joe Daley (frh,tuba), Bob Stewart (tuba), Steve Coleman, James Spaulding (as), Sam Rivers, John Stubblefield, Gary Thomas (ts), Hamiett Bluiett (bs), Doug Mathews (elb), Anthony Cole (dr)
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, experimental, Jazz, Klanglandschaften, Udo matthias drums Tagged with: 1955, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Altsaxophon, Anthony Braxton, Anthony Cole (dr), Anthony Tidd (elb), Art in general, Arthur Blyt, Bar Musik, Basel, Berliner Schule, Bern, Billie Holiday, Bob Stewart (tuba), Boston Conservatory Komposition, Bruno Spoerri, C++, Chico Freeman, Chuck, Crystals, Dave Holland bass, Don Pullen, Doug Mathews (elb), eigenes Quartett, Ellipsis, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Fisk Jubilee Singers, Florida, Freiburg im Breisgau, Gary Thomas (ts), Geige, Gospelsänger, Großvater Marshall W. Taylor, Hamid Drake, Hamiett Bluiett (bs), Harry Lehmann, Herb Pomeroy, Herb Pommeroy, Herbie Hancock (p), Improvisierte Musik, Jack Walrath, Jaki Byard, James Blood Ulmer, James Spaulding (as), James Zollar, Jarvis Christian College, Jazz, Jazz & Lyrikprogrammen, jimi hendrix, Joe Daley (frh, Joe Gordon, john coltrane, John Stubblefield, Joseph Bowie (btb), Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Mariam Adam (cl), Marschkapelle Sopransaxophon, Marshall Sealy (frh), MAXMSP, Miles Davis, Miles Davis (tpt), Miles Davis (tpt); Sam Rivers (ts); Herbie Hancock (p); Ron Carter (b); Tony Williams (d), Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Piano, Pierre Favre, Plantagen, Puredata, Quincy Jones, Ralph Alessi, Ray Anderson (tb), Resin Binzen, Rheinfelden, Ron Carter (b), Sam Rivers, Sam Rivers (ts), Samuel „Sam“ Carthorne Rivers, Sean Rickman (dr), Shane Endsley (tp), Silverstone Quartet, Soundart, Stanton Davis (tp), Steve Coleman, Steve Coleman (as), Tadd Dameron, Tenorsaxophon, Tim Albright (tb), Tony Williams, Tony Williams (d), Toyin Spellman (oboe), tuba), Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Valerie Coleman (fl), Vijay Iyer (p), Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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(* 3. April 1960 in Chêne-Bougeries) ist ein französischer Jazztrompeter.
Musiciens : Erik TRUFFAZ : Trompette Marcello GIULIANI : Basse Benoit CORBOZ : Wurlitzer Marc ERBETTA : Batterie
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studierte Informatik und Elektrotechnik und gründete 1974 Sequential Circuits. Doch einen Synthesizer gab es erst mal nicht. Bei dem ersten Produkt handelte es sich um einen analogen Sequencer. 1978 entstand der Prophet-5, der bis heute einen Sonderstatus in der Entwicklung der Synthesizer und in den Herzen der Synthesizer-Fans einnimmt. Der Prophet-5 war einer der ersten polyphonen und mikroprozessorbasierten Synthesizer. Dave Smith träumte von einem Synthesizer, dessen Parameter speicherbar waren. Man muss sich vorstellen, was dies damals für die Synthesizer-Welt bedeutete. Presets! Heutzutage ganz normal.
Musik und Technik!!
2005 wurde Smith für die MIDI-Spezifikation in die Mix Foundation TECnology (Technical Excellence and Creativity) Hall of Fame aufgenommen. 2013 erhielten er und der japanische Geschäftsmann Ikutaro Kakehashi einen Technical Grammy Award für ihre Beiträge zur Entwicklung von MIDI.
Prophet-5
Posted in Afrigal, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental, Soundart, Soundeffekt Tagged with: 1974, Ableton, Afrigal, Afrika, analoge Sequencer, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, Dave Smith, Elektrotechnik, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Informatik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Presets, Prophet-5, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Sequential, Sequential Circuits, Soundart, Technical Excellence and Creativity. Hall of Fame, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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Der österreichische Gitarrist, Komponist und Elektronikmusiker Christian Fennesz gilt heute als die Schlüsselfigur und eine der markantesten Stimmen der elektronischen Musik. Sein weitreichender internationaler Ruf wurde durch seinen wesentlichen Beitrag zu neuen musikalischen Ausdrucksformen gefestigt.
Anfang der 1990er Jahre engagierte sich Fennesz in der Wiener Technoszene. Obwohl Fennesz schon in jungen Jahren formell in Gitarre und Ethnomusikologie ausgebildet wurde, entschied er sich, das Komponieren und Entwickeln seiner eigenen Klangwelt in der unverwechselbaren elektronischen Sprache fortzusetzen. Indem er seine Gitarre an seinen Laptop anschloss und sie transformierte und verarbeitete, gelang es ihm, einen bestimmten Sound zu kreieren, der schwer mit dem eines anderen zu verwechseln ist. Auf seiner ersten Solo-Veröffentlichung in voller Länge, Hotel Paral.lel (1997, Editions Mego), führte er eine Mischung aus rohen Texturen und verdrehten Gitarrenklängen ein. Das Album wurde mit dem Prix Ars Electronica ausgezeichnet. Zwei Jahre später wurde Plus 47 Grad 56‘ 37“ minus 16 Grad 51‘ 08“ von Touch veröffentlicht.
Sein bahnbrechendes drittes Album Endless Summer (2001, Editions Mego) wurde als eine der wichtigsten Veröffentlichungen des Jahrzehnts anerkannt und trug dazu bei, die Wahrnehmung elektronischer Musik von heute zu verändern. Dabei legte er großen Wert auf die Melodie, die zart unter (oder oben) seiner schimmernden elektronischen Klanglandschaft erscheint, die wegen ihrer enormen Bandbreite und komplexen Musikalität oft als „symphonisch“ bezeichnet wird.
2004 veröffentlichte Fennesz Venice, in dem er atmosphärische Klangtexturen mit Popsong-Elementen kombinierte. Black Sea (2008) hat sich als mutiger Schritt beim Experimentieren mit längeren Tracks erwiesen, die Klangräume umreißen und konstruieren, ohne sie notwendigerweise mit musikalischer Erzählung oder einem vordefinierten Konzept zu füllen. Seinem 2014er Studioalbum Bécs folgte 2019 sein 2019er Album für Touch, Agora.
In den letzten 10 Jahren hat Fennesz mit vielen Musikern, Filmemachern und Tänzern zusammengearbeitet. Diese Begegnungen verschiedener Kunstformen haben zu zahlreichen Bühnenauftritten und mehreren außergewöhnlichen Studioveröffentlichungen geführt. Er hat Aufnahmen gemacht und ist mit Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Keith Rowe, Mark Linkous von Sparklehorse, Mike Patton und vielen anderen aufgetreten. Fennesz hat auch mit Peter Rehberg und Jim O’Rourke als Improvisationstrio Fenn O’Berg zusammengearbeitet.
Posted in Afrigal, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental, Industrial, Noise Tagged with: 1990, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Agora, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Black Sea, Bruno Spoerri, C++, Christian Fennesz, Chuck, David Sylvian, Editions Mego), eigenen Klangwelt, Elektronikmusiker, Endless Summer (2001, ETH Zürich, Ethnomusikologie, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Gitarre, Hamid Drake, Harry Lehmann, Hotel Paral.lel, Improvisationstrio Fenn O'Berg, Improvisierte Musik, Jazz, Jim O’Rourke, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Keith Rowe, Klaus Weinhold, Komponist, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Mark Linkous von Sparklehorse, MAXMSP, Mike Patton, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Noise, Östereich, Peter Giger, Peter Rehberg, Peter Rehberg und Jim O'Rourke, Pierre Favre, Plus 47 Grad 56‘ 37“ minus 16 Grad 51‘ 08“, Prix Ars Electronica, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Ryuichi Sakamoto, Soundart, Studioalbum Bécs, symphonisch, Touch, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wien, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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Clarence Albertson Barlow (auch Klarenz Barlow; * 27. Dezember 1945 in Kalkutta) ist ein internationaler Komponist.
Von englischer und portugiesischer Abstammung, gehörte er in Indien zur englischsprachigen Minderheit. Seine ersten Kompositionen schrieb er mit 11 Jahren und schloss ein naturwissenschaftliches Studium in Kalkutta mit einem Diplom am Trinity College in London ab.
Danach studierte er klassische indische Musik und beschäftigte sich gleichzeitig mit mittelalterlicher und zeitgenössischer europäischer Musik. Ab 1968 studierte er an der Hochschule für Musik Köln Komposition und elektronische Musik, unter anderem bei Bernd Alois Zimmermann und Karlheinz Stockhausen.
1971 begann er, Computer für seine Kompositionen einzusetzen. Heute ist er einer der bekanntesten Vertreter der Computermusik.
Seit 1968 lebte er in Köln, seit 2006 in Santa Barbara, Kalifornien.
https://www.youtube.com/watch?v=ZpmsVgjCDuw
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![[Mary Hallock Greenewalt, half-length portrait, at electric light "color organ", which she invented]](https://cdn.loc.gov/service/pnp/cph/3b30000/3b39000/3b39600/3b39656r.jpg)
Mary Hallock Greenewalt, an der von ihr erfundenen „Farborgel“ für elektrisches Licht. 1925 28. April. Underwood und Underwood. LC-USZ62-93477. Abteilung für Drucke und Fotografien.
Erleuchtete Musik
Konzeptionell ehrgeizig und technisch innovativ, wurde ein fortschrittliches System zur Synchronisierung von Licht und Musik Anfang des 20. Jahrhunderts von einem Patentstreit überschattet. Wie immer!!
Die Partitur in diesem Bild mit Anweisungen zur Beleuchtung versehen. Unten rechts gibt ein Schlüssel an, welche Farben angezeigt werden sollen (blau, rot, grün und lila), und die Breite der Linie repräsentiert die Lichtintensität. Ein anderes Bild (Referenznummer IMG_1254 in Fotosatz 8) enthält weitere Informationen zur Notation – dort heißt es: „Das Obige ist ein Beispiel dafür, wie gelegentliche Punkte gelesen werden sollten, um die Zeit des Balkens in die Hälfte des Balkens, ein Viertel des Balkens zu unterteilen bar. Diese müssen nicht ständig verwendet werden, sollten aber angezeigt werden.“ Dann gibt es noch mehr Text, der besagt, dass das Tempo in der Partitur angegeben werden soll. Schließlich gibt es unten in diesem Bild Anweisungen zum Notieren von Farbänderungen, die dem Schlüssel entsprechen: „||– Zwei von Rot, eine von Blau. \\– Zwei von Grün, eine von Blau. “ Bild IMG_1527 beschreibt, wie sich die Breite der Linie auf die Helligkeit des Lichts bezieht. IMG_1259 hat ein bisschen mehr Informationen dazu.
Aber Greenewalts Zeugenaussage vor Gericht bezüglich ihrer Neuerungen war kühner und eindrucksvoller und las sich weniger wie ein Beweis und eher wie ein Manifest:
Sehen Sie Sonnenlicht in seinem natürlichen Zustand.
Was hat die Erfindung hinzugefügt?
Sie hat Lichtfaktoren hinzugefügt, die nur unter der Haut des Menschen zu finden sind, Faktoren, die in keiner Weise Teil des natürlichen Verhaltens von Licht sind.
Sie hat Lichtpoesie aus dem gemacht, was vor dem Licht unartikuliert war.
Es hat aus dem, was vorher war, leichte Musik gemacht, aber wie das Pfeifen des Windes.
Greenewalt nannte ihr Lichtmusikkonzept „Nourathar“, ein Kunstwort aus dem Arabischen für „Essenz des Lichts“.
https://www.youtube.com/watch?v=zwTFJy8hkEg
Geschichte
Vorgeschichte
Historisch bezieht sich VJing auf Kunstformen, die sich mit der synästhetischen Erfahrung von Bild und Ton befassen. Diese historischen Referenzen werden mit anderen audiovisuellen Live-Kunstformen wie Live Cinema geteilt, darunter die Camera Obscura, das Panorama und Diorama, die Laterna Magica, die Farborgel und Flüssiglichtshows.
Mary Hallock-Greenewalt und ihre elektrische Licht-„Farborgel“
Die Farborgel ist ein Mechanismus, um Farben durch mechanische und elektromechanische Mittel mit Tönen in Einklang zu bringen. Bainbridge Bishop, der an der Entwicklung der Farborgel mitgewirkt hatte, war „von der Idee beherrscht, Musik zu malen“. In einem Buch aus dem Jahr 1893, das seine Arbeit dokumentiert, sagt Bishop: „Ich beschaffte mir eine Orgel und experimentierte damit, eine Befestigung an den Tasten zu bauen, die mit verschiedenfarbigen Lichtern spielte, um der Musik des Instruments zu entsprechen.“
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental, Klanglandschaften, Kunst Raum Neue Musik, Musik & Spiritualität, Udo matthias drums Tagged with: Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Art in general, Bainbridge Bishop, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Camera Obscura, Chuck, das Panorama, die Farborgel, die Laterna Magica, Diorama, elektrische Licht-"Farborgel", ETH Zürich, Experimentelle Musik, Flüssiglichtshows, Freiburg im Breisgau, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Mary Hallock Greenewalt, MAXMSP, Müllheim, Musik malen, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Soundart, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, V Jing, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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(*1987 in Calgary) ist eine kanadische Experimentalmusikerin, Komponistin akustischer und elektroakustischer Minimalmusik, Pianistin und Organistin.
Sie ist Absolventin der University of Calgary und hat einen Master-Abschluss in elektronischer Musik und Aufnahmemedien vom Mills College in Oakland, Kalifornien. Sie lebte in Vancouver und Montreal, bevor sie 2017 nach Los Angeles zog, um an der UCLA in Musikwissenschaft zu promovieren.
Davachis Musik wurde von Late Music, Superior Viaduct, Ba Da Bing, Recital und
Click me!!Important Records herausgegeben.
https://www.youtube.com/watch?v=lKueqplnDJg
Posted in Art Kunst allgemein, experimental, Udo matthias drums Tagged with: Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, akustische Musik, Anthony Braxton, Art in general, auf freier Improvisation mit dem Ursprung im House- und Technokontext., Ba Da Bing, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Calgary, Chuck, elektroakustische Minimalmusik, elektronische Musik, ETH Zürich, Experimentalmusikerin, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harry Lehmann, Important Records, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kanada, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Late Music, Lörrach, Los Angeles, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Organistsin, Peter Giger, Pianistin, Pierre Favre, Promotion, Puredata, Recital, Resin Binzen, Sarah Davachi, Soundart, Superior Viaduct, Udo Matthias drums/electronic/software, University of Calgary, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Zürich
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Grodock Leipzig
Grubenwehr Freiburg, ein kleines Label für Tonträger von Noise und experimenteller Musik.
Connewitz ist ein Stadtteil von Leipzig.
White Rabbit
Die Grubenwehr Freiburg ist ein kleines DIY-Tape und anderer Kram-Label und besteht seit 2017. Grodock und ich basteln Alben mit Musik von früher und heute, für uns aber auch andere Künstler. Unser Ziel ist es, die Musik aus dem Netz als Dinge in die Wirklichkeit zu bringen.
Unser bevorzugtes Format ist MC C-50 oder C-60, Typ I (Ferro) oder Mini-CDR, wir können aber bei anderen Wünschen auch mal einen Rutsch anderes bestellen.
david leutkart
Posted in elektronische Klangmusik, experimental, Industrial, Kunst Raum Neue Musik, Udo matthias drums Tagged with: Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, david leutkart, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Grodock, Grubenwehr, Grubenwehr Freiburg, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, KTS, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Noise, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Soundart, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, White Rabbit, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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Willie Ruff
1977 schufen Willie Ruff und John Rodgers eine klangliche Umsetzung der Planetendaten von Johannnes Kepler, die in seiner Abhandlung „Harmonices Mundi“ (Harmonie der Welt) von 1619 niedergelegt waren.
Kepler bewies, dass die Umlaufbahnen der Planeten keine perfekten Kreise, sondern Ellipsen waren. Anders als, aber aufbauend auf alten Theorien der „Musik der Sphären“ – der Idee, dass die Planeten sowohl in ihren Proportionen als auch in ihren kreisförmigen Umlaufbahnen kosmische Musik erzeugen – notierte Kepler die elliptischen Perioden jedes Planeten auf einem Notensystem.
Merkur zum Beispiel, die höchste Tonlage (die kürzeste Umlaufzeit) überspannt ein kleines Zehntel. Die Umlaufbahn der Erde hingegen ist nahezu kreisförmig und dauert nur eine kleine Sekunde (G-Ab). Kepler postulierte poetisch am Rande seiner Abhandlung, dass „Die Erde MI FA MI singt, so dass Sie selbst aus diesen Silben erraten können, dass in dieser unserer Heimat Elend und Hunger herrschen“.
In der Realisierung von Ruff und Rodgers werden die langsameren Frequenzen der äußeren (post-keplerianischen) Planeten, Uranus, Neptun und (damals) Pluto, nicht als Töne, sondern als rhythmische Schläge wahrgenommen.
auch:
https://www.youtube.com/watch?v=BvrsdG_jD2Q&t=159s
Posted in Afrigal, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental, Udo matthias drums Tagged with: 1619, 1877, 1977, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, Erde, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harmonices Mundi, Harmonie der Welt, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, Johannes Kepler, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, kosmische Musik, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, MI FA MI, Müllheim, Nebenau, Neptun, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Planeten, Pluto, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, rhythmische Schläge, Soundart, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Uranus, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Willie Ruff - John Rodgers, Wollbach, Zürich
udo matthias drums electronic software – Afrigal – @frigal
war eine Band, die 1986 in Karl-Marx-Stadt (heute Chemnitz) in der Deutschen Demokratischen Republik gegründet wurde und bis 1993 bestand.
Frank Bretschneider, Torsten Eckhardt (bis 1989), Jan Kummer und Ina Kummer gründeten die Band AG Geige 1986 während der Theaterproben für das nie aufgeführte Stück eines gemeinsamen Freundes. Olaf Bender kam 1989 hinzu. „AG“ bedeutet „Arbeitsgemeinschaft“ und stellt im Zusammenhang dieses Bandnamens eine ironische Überspitzung der in der DDR allgemein geforderten kulturell-künstlerischen Massenbetätigung dar. Die Band bekam keine offizielle Spielerlaubnis – die Einstufung –, erhielt aber nach wiederholtem Insistieren einer Galeristin des städtischen Kunsthandels das Prädikat „Volkskunstkollektiv der ausgezeichneten Qualität“, das ihnen öffentliche Auftritte erlaubte.
****
Letzte Besetzung (1993)
• Frank Bretschneider (voc, g, key)
• Ina Kummer (voc, g)
• Jan Kummer (electronics, voc)
• Olaf Bender (electronics) ab 1989
Ehemalige Musiker
• Torsten Eckhardt (Elektronik) bis 1989
Die Band spielte elektronische Musik mit Synthesizern, Samplern, Tonbandgeräten (für Klangschleifen), Gitarre, (Sprech-)Gesang und später Computern.
Die Visuals aus nachträglich bearbeiteten Super-8-Filmen bzw. später 16-mm-Filmen und die aufwändigen dadaistischen Kostüme der Bandmitglieder ergänzten nicht nur die Musik, sondern waren bestimmender Bestandteil ihrer multimedialen Bühnenperformance. Musik und Film waren eng miteinander verzahnt, teilweise triggerte die Tonspur des Films Signalketten an Synthesizer und Computer. Problematisch war für sie unter den begrenzten Möglichkeiten in der DDR die Beschaffung der Technik. Der von ihnen verwendete westliche Synthesizer Korg MS 20, das „Herzstück der Band“, kostete damals 10.000 Mark. Weiterhin problematisch bei Live-Auftritten war die mangelnde Verlässlichkeit des Equipments und die Ausstattung der vor Ort vorhandenen Veranstaltungstechnik, die meist nur aus einer Mono-Gesangsanlage bestand.
Stilistisch beeinflusst waren AG Geige von den Residents.] Freundschaftlich und künstlerisch verbunden sind AG Geige mit Bands wie Zwitschermaschine und Die Gehirne.
Posted in Afrigal, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental Tagged with: 16-mm-Filmen, 1986, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, AG Geige, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chemnitz, Chuck, dadaistischen Kostüme, DDR, deutsche-mugge, Deutschen Demokratischen Republik, Die Gehirne, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Frank Bretschneider, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Ina Kummer, Jan Kummer, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Karl-Marx-Stadt, Klaus Weinhold, Korg MS 20, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, MusicBrainz, Nebenau, Neue Musik, Olaf Bender, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Residents, Resin Binzen, Rheinfelden, Soundart, Super-8-Filmen, Torsten Eckhardt, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Visuals, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich, Zwitschermaschine
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(geboren 1980) ist eine amerikanische Komponistin, Musikerin und Klangkünstlerin mit Sitz in Berlin, Deutschland. Nach ihrem Kompositionsstudium an der Stanford University und ihrer Promotion zum Dr. am Center for Computer Research in Music and Acoustics der Stanford University verfolgte sie eine internationale Musikkarriere. Herndons Musik enthält oft menschliche Gesangsstimmen (einschließlich ihrer eigenen), ist hauptsächlich computerbasiert und verwendet regelmäßig die visuelle Programmiersprache Max / MSP, um benutzerdefinierte Instrumente und Stimmprozesse zu erstellen. Sie hat Musik auf den Labels RVNG Intl veröffentlicht. und 4AD. Ihr letztes Album Proto in voller Länge wurde am 10. Mai 2019 veröffentlicht.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental, Klanglandschaften, NOISE, Udo matthias drums Tagged with: 1980, 4AD, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Art in general, Basel, benutzerdefinierte Instrumente, Berlin, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, computerbasiert, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Gesangsstimmen, Hamid Drake, Harry Lehmann, Holly Herndon, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klangkünstlerin, Klaus Weinhold, Komponistin, Kompositionsstudium, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAX/MSP, MAXMSP, Müllheim, Musikerin, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Promotion, Proto, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, RVNG Intl, Stanford University, Stimmprozesse, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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Jack Dupon sehen ihren experimentellen Stil in der Tradition der Rock-in-Opposition-Bewegung und bewegen sich zwischen Progressive Rock, Zeuhl, Punk und Noise.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, experimental, Klanglandschaften, Neo Krautrock, Soundart, Udo matthias drums Tagged with: 2004, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Arnaud M'Doihoma bass, Art in general, AvantProg, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, Cousine, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Frankreich, Freiburg im Breisgau, Gregory Pozzoli giut, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, jack dupon, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Noise, Peter Giger, Phillip Prebet guit, Pierre Favre, Progressive Rock, Punk, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Soundart, Thomas Larsendrums, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zeuhl, Zürich
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(* 21. März 1956 in Sheffield, Yorkshire[1]; † 21. September 2021) war ein britischer Musiker, Komponist und Musikproduzent. Bekannt wurde er als Mitglied der einflussreichen Industrial-Band Cabaret Voltaire. Von den 1980er Jahren bis zu seinem Tod blieb er als Solo-Künstler aktiv.
Ab 1973 trat er als Mitglied der Industrial-Band Cabaret Voltaire in Erscheinung.
Sein erstes Soloalbum Disposable Half-Truths erschien 1980. Bis zur Auflösung der Band im Jahre 1994 verfolgte er parallel seine Soloaktivitäten und veröffentlichte neben eher tanzbaren Technoproduktionen auch experimentelle elektronische Musik und Ambient.
Die Veröffentlichungen erschienen unter seinem bürgerlichen Namen und einer Vielzahl von Pseudonymen, von denen Electronic Eye und Sandoz zu den bekanntesten zählen. Gemeinsam mit Richard Barratt (DJ Parrot) gründete er das Projekt Sweet Exorcist, das durch frühe Bleep-Techno-Veröffentlichungen auf Warp Records bekannt wurde.
Seit dem Jahr 2001 veröffentlichte Kirk im Wesentlichen auf seinem eigenen Label Intone. In seinen jüngeren Veröffentlichungen griff er auf Einflüsse aus der traditionellen afrikanischen Musik zurück.
Posted in Afrigal, elektronische Klangmusik, experimental, Klanglandschaften, NOISE, Udo matthias drums Tagged with: Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Ambient, Anbient, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berliner Schule, Bern, Bleep-Techno, Bruno Spoerri, C++, Cabaret Voltaire, Chuck, Disposable Half-Truths, Electronic Eye, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Industrial, Intone, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Komponist, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Musiker, Musikproduzent, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Pseudonymen, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Richard Barratt, Richard H. Kirk, Sandoz, Solo Künstler, Soloalbum Disposable Half-Truths, Soundart, Sweet Exorcist, traditionellen afrikanischen Musik, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Warp Records, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Yorkshire, Zürich
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ist der Name eines Musikstils der frühen 2000er Jahre. Es handelt sich um eine radikale Form minimalistischer Ambientmusik, die meist mit Klängen extrem geringer Lautstärke arbeitet, eingebettet in mehr oder weniger ausgedehnte Etappen völliger Stille. Als Material dienen insbesondere Feldaufnahmen, deren Ursprünge mehrheitlich sehr leise sind. Auch die produzierten Tonträger können im Ergebnis sehr leise sein. Als wichtige Vertreter gelten Bernhard Günter, Akira Rabelais, Francisco López, Richard Chartier und vor allem Steve Roden.
Der Begriff lowercase (zu deutsch wörtlich „Kleinschrift“) geht zurück auf den Künstler und Musiker Steve Roden, der ihn 1998 in Interviews wählte, um eine bestimmte Form von Musik zu charakterisieren: „[…] sie verlangt nicht nach Aufmerksamkeit, sie will entdeckt werden. […] Sie ist das Gegenteil von Großbuchstaben – lauten Sachen, welche die Aufmerksamkeit auf sich ziehen.“ Roden berief sich dabei auf den Einfluss von Künstlern wie Morton Feldman oder John Cage.
Eine im März 1999 von James Coleman gegründete Newsgroup sorgte für verstärkte Kommunikation und Ideenaustausch. Über die Liste entstand auch eines der wichtigsten lowercase-Labels, Bremsstrahlung Recordings. Bremsstrahlung veröffentlichte im Jahr 2000 eine erste Compilation des neuen Stils, eine Doppel-CD mit den wichtigsten Vertretern, deren 500 Exemplare sich innerhalb von 2 Wochen vollständig verkauften, 2002 erschien ein Nachfolger. Weitere wichtige Labels, die lowercase-Aufnahmen veröffentlichen, sind Trente Oiseaux, 12k, Raster-Noton und das von Richard Chartier betriebene Line.
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Aurora Josephson ist eine Musikerin und bildende Künstlerin, die derzeit in Portland, Oregon, lebt. Aufbauend auf der Grundlage einer Opernausbildung und einem BA und einem MFA in Musikperformance vom Mills College hat sie einen kühnen Gesangsstil geschmiedet, der einzigartig für sie ist. Um die grenzenlose Bandbreite klanglicher Möglichkeiten in der Stimme zu entfesseln, verwendet Josephson eine Vielzahl erweiterter und unkonventioneller Techniken, die aus der Welt der zeitgenössischen Komposition, Improvisation und des Rock stammen. Sie hat mit Alvin Curran, Gianni Gebbia, Henry Kaiser, Joelle Leandre und William Winant und den Musikgruppen Big City Orchestrae, Flying Luttenbachers, The Molecules, ROVA Saxophone Quartet, TD Skatchitband und der Merce Cunningham Dance Company gespielt und aufgenommen.
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BEAM SPLITTER
Strahlteiler (engl. beam splitter) sind optische Bauteile, mit denen einfallende Strahlungsbündel in verschiedene Teile aufgespaltet werden. Die Aufteilung kann in einem bestimmten Intensitätsverhältnis, nach unterschiedlichen Wellenlängen oder nach unterschiedlicher Polarisation erfolgen.
AUDREY CHEN ist eine chinesisch-amerikanische Musikerin, die 1976 außerhalb von Chicago in eine Familie von Materialwissenschaftlern, Ärzten und Ingenieuren hineingeboren wurde. Sie trennte sich von der Familienkonvention und wandte sich im Alter von 8 Jahren dem Cello und mit 11 der Stimme zu. Nach Jahren Nach klassischer und konservatorischer Ausbildung in beiden Instrumenten und einer daraus resultierenden Spezialisierung auf Alte und Neue Musik trennte sie sich 2003 wieder, um neue Auseinandersetzungen mit dem Klang zu beginnen, um eine individuell ehrlichere Ästhetik zu entdecken.
Henrik Munkeby Nørstebø (geboren 1986 in Trondheim, Norwegen) ist ein Posaunist, der hauptsächlich in zeitgenössischen Musikbereichen tätig ist. Ausgebildet in improvisierter Musik und Jazz an den Musikhochschulen in Göteborg (BA) und Oslo (MA), lebt er heute in der norwegischen Hauptstadt.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, elektronische Klangmusik, experimental, Klanglandschaften Tagged with: Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Art in general, Audrey Chen, Basel, BEAM SPLITTER, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harry Lehmann, Henrik Munkeby Nørstebø, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Soundart, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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(* 29. Januar 1937 in Lörrach) ist ein deutscher Jazzmusiker (Piano, Keyboards, Synthesizer, Perkussion) und Physiker. Er ist einer der europäischen Pioniere des Computerjazz.
Deyssenroth erhielt eine klassische Klavierausbildung, bevor er mit 18 Jahren den Jazz entdeckte. Während seines Studiums in Karlsruhe und in Basel spielte er auf Jamsessions mit Musikern wie Clark Terry.
1962 trat er in den Jazzclubs von Lörrach und Reutlingen auf. Er errang mehrere Preise auf Jazzfestivals in Baden-Württemberg und Basel. In den folgenden Jahren giggte er mit Oscar und Miriam Klein und Isla Eckinger; später traf er auf Makaya Ntshoko und entwickelte sich in Richtung freier Jazz.
Hauptberuflich als Informatiker und Biometriker in der Industrie tätig, erarbeitete er 1979 ein Computerprogramm, das Musikvariationen nach dem Prinzip der DNA-Reparatur durchführt. Dieses Programm kam in Joël Vandroogenbroecks Gruppe „Brainticket“ zum Einsatz, wo er auch mit Bruno Spoerri zusammenarbeitete und Konzerte in Basel, Zürich und Tübingen gab.
Auch vertonte er Wissenschaftsfilme. Anschließend spielte er wieder akustischen Jazz mit der Gruppe Patchwork 1995 entstand aus seiner eingehenden Beschäftigung mit afro-kubanischen Rhythmen die Gruppe „Allgorhythm“, die mit den andersartigen Regeln dieser Rhythmik Jazzimprovisationen verknüpfte; Nachfolger dieser Band ist die „RitmoJazzGroup“.
Daneben verfasste er auch Meditationsmusik („Logobiotik“, 1997). Derzeit spielt er mit Thomas Belmont in der Gruppe „Salamuja“; weiterhin gehört er zu den „Hornflakes“.
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Kunst ohne Werk
https://www.youtube.com/watch?v=3qeqd3l6Vmw
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udo matthias drums electronic software Binzen Kraut & Rüben Rock
Der neue Krautrock
1. Geschichte
Kraut & Rüben Rock
usw: Link
Keiner hat eine genaue Definition, aber alle wissen, was gemeint ist, wenn von Krautrock die Rede ist.
„Krautrock ist keine Musikrichtung, sondern eine Bezeichnung für eine Phase: 1969 bis 1974“, erklärt Dirk Jan Müller von der Band Electric Orange.“ „Krautrock kann alles sein.“
Betrachtet man den Neo-Krautrock mit derselben künstlerischen Offenheit wie die Szene in den frühen Siebzigern, so findet man unzählige Bands, die den Krautrockpionieren und ihren Stilmitteln respektvoll folgen.
Es fällt auf, dass es überwiegend deutsche Künstler sind, mit denen Bureau B zusammenarbeitet.
Buskies: „Bei den Wiederveröffentlichungen haben wir uns auf Deutschland konzentriert. Das ist kein Muss. Es hat sich so ergeben. Die Kontakte sind einfacher, weil wir uns in diesem Umfeld bewegen.“ Das Angebot mag eine Nische bedienen, es hat sich aber dennoch erweitert.
Reihse:
„Das Spektrum ist größer geworden. Roedelius, Qluster, Schnitzler, Asmus Tietchens, Pyrolator oder die Sachen vom Atatak-Label. Von keinem anderen Label besitze ich selbst mehr Platten.“
Am spannendsten war er, wenn er nicht angloamerikanisch geprägt war.
“ Genau diese Eigenständigkeit verkörpern Bands wie
Faust, CAN, Amon Düül II, Popol Vuh, Guru Guru oder Kraan, die eine für hiesige Verhältnisse unbekannte kreative Unbekümmertheit an den Tag legten.
Tom Redecker von
The Perc Meets The Hidden Gentleman bezeichnet Krautrock als „den einzigen Beitrag Deutschlands zum weltweiten Phänomen der Rockmusik“.
Freilich, Krautrock ist breitgefächert:
Elektronik: Kraftwerk oder Tangerine Dream
1980 trat Tangerine Dream als erste westdeutsche Rockband in der DDR auf. Dass es dazu kam, verdankte sie auch dem ostdeutschen Komponisten, Pianisten und Sänger Reinhard Lakomy. In der Folge wurde ihm sogar der Einstieg in die Gruppe angeboten. Dazu kam es zwar nicht, dafür aber zum West-Ost-Transfer eines Moog-Synthesizers, der einst Mick Jagger gehört hatte. Für die ostdeutschen Rockmusikfans war es 1980 die Sensation, für die westdeutschen „Spiegel“-Redakteure eine Randnotiz: „Tangerine Dream auf DDR-Trip“. Die West-Berliner Elektronikband, die so oft „über schlechte Auftrittsmöglichkeiten an ihrem Wohnsitz gemault“ habe, dürfe ihre Synthesizerklänge nun erstmals „optimal“ in Berlin präsentieren – allerdings in Ost-Berlin: Für den 31. Januar 1980 seien im Palast der Republik gleich zwei Konzerte inklusive Lasershow vor insgesamt 5800 Zuschauern geplant, vermeldete das Hamburger Nachrichtenmagazin knapp das historische Ereignis.
Artrock von: Eloy, Jane oder Grobschnitt
anarchistischer Folk: Witthüser & Westrupp
Dies muss man im Hinterkopf haben, will man sich der aktuellen Krautrockszene nähern.
Auch der Neo-Krautrock darf nicht auf einen Stil festgelegt werden.
„Es gibt keine aktuelle Krautrockszene“, sagt Müller lapidar.
Dabei vermischt gerade seine Band Electric Orange seit mehr als zwanzig Jahren auf teils herausragenden Alben Krautrock mit Psychedelic.
Stephan Otten vom Elektronikduo , von dem man eine direkte Linie zu Kraftwerk ziehen kann, sagt:
„Bands, die sich auf den Krautrock berufen, kann man in Deutschland an zwei Händen abzählen.“
Vielleicht wird der Begriff zu eng gefasst.
Betrachtet man den Neo-Krautrock mit derselben künstlerischen Offenheit wie die Szene in den frühen Siebzigern, so findet man unzählige Bands, die den Krautrockpionieren und ihren Stilmitteln respektvoll folgen.
Wo liegt der Anfang deutschsprachiger Rockmusik?
Ab wann kann man wirklich von Deutschrock sprechen? Deutsche Beatbands wie die Rattles oder die Lords sangen in den 60er-Jahren noch wie selbstverständlich in der Sprache ihrer angloamerikanischen Vorbilder. So erzählt Wolfgang Niedecken (65) gegenüber eclipsed: „Rockmusik in meiner Generation ist durch die großen englischen Bands überhaupt erst interessant geworden. Wenn man das dann selbst machen wollte, hat einen das stark mit der englischen Sprache verbunden. Das war kaum zu trennen.“
Gleichzeitig ist aber auch – vor allem im Zusammenhang mit den Burg-Waldeck-Festivals in den 60er-Jahren – das Aufkommen einer politisierten Liedermacherszene um Interpreten wie Hannes Wader, Franz-Josef Degenhardt oder in der DDR Wolf Biermann zu beobachten, die deutlich von der US-Folkszene (und dem französischen Chanson) beeinflusst war. Die ersten Rockbands, die deutsche Texte zu härteren Rockrhythmen sangen, waren Ton Steine Scherben und Ihre Kinder, die einen lyrischeren Zugang zur deutschen Rocksprache fanden – auch für Niedecken gelten sie daher als Wegbereiter des Deutschrock.
Hierzulande boomte ab den frühen Siebzigern vor allem der Krautrock, jene genuin deutsche Spielart populärer Musik. Texte spielten in der Krautwelt jedoch eine untergeordnete Rolle.
Doch war Krautrock „ein Wegbereiter für Deutschrock, weniger musikalisch, mehr in puncto Haltung und Selbstbewusstsein für die eigene Sprache und Kultur“, wie Wolf Maahn (61) betont.
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Rom, Italien, 1994. Der junge Dave De Rose, der von einer breit gefächerten künstlerischen Familie ausgesetzt und ermutigt wurde, begann mit dem Erstellen von Tracks auf einem Studio M Roland Sequencer, den er gekauft hatte, um sein Schlagzeug zu üben. Sein Studio-Monitoring-System bestand aus einem schrottreifen 40-Watt-Bassverstärker, der das Material dann auf Bänder herunterspielte, die in den Autos von Freunden, in den Stereoanlagen der Familie und auf einem Karussell auf einem Sommerfest auf dem Land in Collemare, L’Aquila, abgespielt wurden. Die Bänder sind seit langem verschollen, aber es ist…
Dan Nicholls – Synthesisers, Samples & FX John Edwards – Double Bass Dave De Rose – Drums
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Kenneth Louis Gaburo (* 5. Juli 1926 in New York City; † 26. Januar 1993 ebenda) war ein US-amerikanischer Komponist.
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(* 20. Juni 1887 in Hannover; † 8. Januar 1948 in Kendal, Cumbria, England) war ein deutscher Künstler, Maler, Dichter, Raumkünstler und Werbegrafiker, der unter dem Kennwort Merz ein dadaistisches „Gesamtweltbild“ entwickelte. Sein Werk umfasst die Stilrichtungen Konstruktivismus, Surrealismus und Dadaismus, dem sie aber nur durch Gegensätzlichkeit ähnlich waren. Aus heutiger Sicht zählt Schwitters zu den einflussreichsten Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts.
Der Begriff Merz ist ein Synonym für den allgemein geläufigeren Begriff Dada, mit dem Hugo Ball, der Gründer des 1916 in Zürich ins Leben gerufenen Cabaret Voltaire, die von ihm und seinen Mitstreitern anvisierte neue Kunstrichtung bezeichnet hat – den Dadaismus.
Das Kunstwort „Merz“ selber geht allerdings auf Kurt Schwitters zurück, den Initiator der Sektion Dada in Hannover, der zwar mit den Zürcher Dadaisten Hugo Ball, Hans Arp, Raoul Hausmann, Emmy Hennings und Tristan Tzara in enger Verbindung stand, bei den Berliner Dadaisten – vor allem bei Richard Huelsenbeck[2] – wegen seines bürgerlichen Habitus jedoch auf Ablehnung stieß. Als er von ihnen nicht zur Ersten Internationalen Dada-Messe in Berlin im Jahre 1920 zugelassen wurde, sann Schwitters auf einen „absolut individuellen Hut, der nur auf einen einzigen Kopf paßte,“ – auf seinen eigenen.
Der Zufall wollte es, dass er beim Gestalten einer Collage die dabei verwendete Anzeige mit dem Wort Kommerz darin so zerschnitt, dass nur die Silbe Merz übrig blieb, was Reime wie „Scherz“, „Nerz“ und „Herz“ zu assoziieren erlaubte und einen ähnlich sinnfreien Zug wie Dada besaß. Es wurde Schwitters ureigenstes Synonym für Dada.
Von nun an lief Schwitters gesamtes künstlerisches Schaffen, ganz gleich, ob es sich um Collagen, Gemälde, Gedichte, Objekte oder Zeichnungen handelt, stets unter dem Stichwort Merz ab. Selbst die von ihm unregelmäßig herausgebrachte Zeitschrift trug den Namen Merz. Der Merzbau, eine grottenartige, nach und nach immer wieder durch neue Einzelteile ergänzte Collage-Skulptur mit Erinnerungsstücken, an dem Schwitters rund zwanzig Jahre in seinem Haus in Hannover gearbeitet hat, wurde ebenso wie viele seiner anderen Arbeiten bei einem der Luftangriffe auf Hannover zerstört. Eine Rekonstruktion dieser Inkunabel moderner Kunst der 1920er Jahre ist im Sprengel Museum Hannover zu besichtigen.
Posted in experimental, Kunst Raum Neue Musik, Psychoakustik Tagged with: „Nerz“ und „Herz“, „Scherz“, Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Art in general, Basel, Berlin, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, Collagen, Dadaismus, Dichter, Emmy Hennings, England, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Gedichte, Gemälde, Hamid Drake, Hannover, Hans Arp, Harry Lehmann, Hugo Ball, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kommerz, Konstruktivismus, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Kurt Schwitters, Lörrach, Luzern, Maler, MAXMSP, Merz, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Objekte, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Raumkünstler, Resin Binzen, Rheinfelden, Richard Huelsenbeck, Roul Hausmann, Soundart, Surrealismus, Tristan Tzara, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Werbegrafiker, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zeichnungen, Zeitschrift Merz, Zürcher Dadaisten, Zürich
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Posted in Afrigal, experimental, Jazz, Udo matthias drums Tagged with: Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, C++, Chuck, Emil Karlsen, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Hamid Drake, Harry Lehmann, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Soundart, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zürich
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(* 3. Februar 1983 in Kfar Saba) ist ein israelischer, in den Vereinigten Staaten arbeitender Jazzgitarrist, Komponist und Bandleader.
Hekselman wuchs in Alfey Menashe auf; er spielte ab sechs Jahren Klavier, ab neun Gitarre. In seiner frühen Jugend trat er im israelischen Kinderkanal auf, wo ihn befreundete Musiker mit Jazzmusik vertraut machten. Nach Abschluss der Thelma Yellin High School of the Arts zog er nach New York, wo er ab 2004 Jazz und Zeitgenössische Musik an The New School studierte, außerdem klassische nordindische Musik bei dem Sarod-Spieler Sanjay Sharma. Daneben trat er regelmäßig im Jazzclub Smalls auf und legte 2006 sein Debütalbum Split Life vor, das er mit dem Bassisten Joe Martin und dem Schlagzeuger Ari Hoenig aufgenommen hatte. 2006 gastierte er mit seinem Trio auf dem Jazz Festival Montreux; im selben Jahr begann die Zusammenarbeit mit Mark Turner. Er spielte außerdem mit Petros Klampanis, Jean-Michel Pilc, Nikoletta Szőke, Lilly-Ann Hertzman und Rory Stuart. 2021 leitet Hekselman ein Trio mit Joe Martin und Obed Calvaire. Hekselman lebt in Brooklyn.
Ben Ratliff, ein Jazzkritiker der New York Times, hörte in Hekselmans Spiel Anklänge an Pat Metheny und John Scofield und bescheinigte ihm das ganz eigene Talent, Melodien zu finden, „die bleiben“.
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Jazz The new Wave
Free Jazz
The New Wave in Jazz ist ein Live-Album, das am 28. März 1965 im Village Gate in New York City aufgenommen wurde. Es zeigt Gruppen unter der Leitung großer Avantgarde-Jazzkünstler, die bei einem Konzert zugunsten des von Amiri Baraka gegründeten The Black Arts Repertory Theatre/School, damals bekannt als LeRoi Jones, auftreten. Das Album erschien 1965 auf LP auf der Impulse! Label und wurde 1994 auf CD mit einem anderen Tracklisting neu aufgelegt.
Am 22. Februar 1965, dem Tag nach der Ermordung von Malcolm X, hielt Baraka eine Pressekonferenz ab, auf der er Pläne zur Gründung des Black Arts Repertory Theatre/School (BARTS) in Harlem ankündigte. Laut Baraka, BARTS, das später in diesem Frühjahr in einem Brownstone in der 109 West 130th Street eröffnet wurde,würde eine Ausbildung in „Schauspiel, Schreiben, Regie, Bühnenbild, Produktion [und] Management“ anbieten.
Baraka buchte am 28. März ein Konzert unter dem Namen „New Black Music“ zugunsten von BARTS und arrangierte auch dessen Aufnahme. Ein Plakat für das Konzert warb für $5 Tickets und listete die Teilnehmer als John Coltrane, Cecil Taylor, Archie Shepp, Betty Carter, Grachan Moncur, Albert Ayler, The Sun Ra Myth-Science Arkestra und Charles Tolliver auf.
Plakat für das Konzert vom 28. März 1965 im Village Gate, New York City.
Baraka erinnerte sich:
Das Konzert brachte „verschiedene Stimmen aus den experimentellen Randbereichen der Jazz-Community zusammen, von denen viele in improvisatorischen Methoden verwurzelt waren, die traditionelle Annahmen über Jazz in Frage stellten“, während die Aufnahme „als Fünf-Spur-Sampler einiger der abenteuerlichsten Jazz des Tages“. Angesichts des Erfolgs, der Anerkennung und des Respekts von Coltrane innerhalb der Jazz-Gemeinde erklärte Lewis Porter, dass sein Auftritt bei dem Konzert „die gewagteste Musik der Zeit zu bestätigen schien“.
In seiner AllMusic-Rezension verlieh Ron Wynn dem Album 4 Sterne und nannte die Aufführungen „faszinierend“. Scott Yanow schrieb: „Es gibt viel Feuer auf der Veröffentlichung… Einige der Aufführungen sind frei und wild, während andere Tracks auf der fortgeschrittenen Seite des Bop sind. Über 30 Jahre später klingt die Musik immer noch abenteuerlich und voller Leben.“ Chris May beschrieb The New Wave in Jazz als „Gotta-Have-It“ und erklärte, dass die Konzertaufstellung „New Thing Royal“ sei.
Er schrieb: „Die Gang ist so ziemlich alle hier und es klingt, als wäre es ein magischer Abend gewesen.“
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elektroakustische Musik
Bayle wuchs auf Madagaskar und den benachbarten Komoreninseln auf, bevor er in Bordeaux die Schule besuchte. Nach der anfänglichen Komposition von Instrumentalwerken wandte sich der Komponist, der musikalisch entscheidend von Pierre Schaeffer geprägt wurde, nahezu vollständig der elektroakustischen Musik zu.[1] Im Jahr 1958 trat er der Groupe de recherches musicales (kurz: GRM) bei und studierte 1959 bei Olivier Messiaen und darüber hinaus von 1961 bis 1962 auch bei Karlheinz Stockhausen im Rahmen der Darmstädter Internationalen Ferienkurse für Neue Musik.
François Bayle (*1932) ist ein französischer Komponist für elektroakustische Musik und eine Betonung, der auf Madagaskar geboren wurde und auf den Vecinas-Inseln der Komoren, bevor er für 14 Jahre nach Frankreich kam. Seine wissenschaftliche Tätigkeit und sein künstlerisches Schaffen konzentrieren sich auf die Akustik.
1958 trat Bayle der Groupe de recherches musicales (GRM) bei und studierte Ende der 1950er und Anfang der 1960er Jahre bei Olivier Messiaen, Pierre Schaeffer und Karlheinz Stockhausen. Nachdem er zunächst Instrumentalwerke komponiert hatte, widmete er sich später fast ausschließlich der elektroakustischen Musik.
1966 übernahm Bayle die Position des Direktors der Groupe de recherches musicales und war in der Folge maßgeblich an der Integration des Instituts in das Institut national de l’audiovisuel (INA) beteiligt. 1974 entwarf er das Lautsprecherorchester Acousmonium, das akustisch differenzierte und klanglich und optisch vielfältige Lautsprecher zu einem räumlichen Ensemble verband, und 1992 gründete er die Acousmathèque, eine Institution, die mehr als 2.000 seit 1948 entstandene elektronische Kompositionen der Öffentlichkeit zugänglich macht 1997 verließ Bayle GRM, um sein eigenes Studio (Magison) zu betreiben. Im Laufe seiner Karriere hat er zur Entwicklung und Weiterentwicklung verschiedener Technologien (Syter, GRM-Tools, Acousmograph) beigetragen.
Acousmonium
Bayle konzentriert seine gesamte Arbeit auf die Musique Acousmatique („akusmatische Musik“, ein Begriff, den er selbst fördert), zu deren Entwicklung er auf kompositorischem, theoretischem und organisatorischem Gebiet maßgeblich beigetragen hat und weiterhin beiträgt.
1974 schlug Bayle vor, die besonderen Hörbedingungen für Musik, die ausschließlich über einen Tonträger wiedergegeben wird, mit dem Begriff Akustik zu beschreiben. Nach seinem Verständnis sind in der Akusmatik klangliche Ursache und Wirkung elektroakustischer Musik verborgen, da in Analogie zu Pythagoras, dessen Schüler hinter einem Vorhang am Unterricht teilnahmen, ohne visuelle Informationen zu erhalten die Mittel der Klangerzeugung nicht wahrnehmbar oder identifizierbar sind. Es ist die Rede von einer Situation des „reinen Ohrs“. Daher kann akusmatische Musik nur durch eine Klangunterstützung wiedergegeben werden.
Für das Klangbild seiner Kompositionen bezieht sich Bayle auf seine Kindheitserlebnisse im afrikanischen Dschungel, die ihn „sehr bald auf die Spur der Naturgesetze führten, die Konflikte schlichten und die Myriaden von Klängen, Insekten, Vögeln, von Rhythmen organisieren“.
Bayle versteht seine Arbeit als akustisches Experiment:
„Das Interessante an einer Erfahrung ist zunächst einmal die Abwesenheit von Vorurteilen:
Man weiß nicht, was eine Erfahrung sein wird, man muss nur ‚die Erfahrung machen‘ Gehen Sie davon aus, dass eine Erfahrung ein Essay ist, ein Test von Empfindungen. Es ist kein Gedankenwerk, sondern vor allem ein Gefühlswerk“. Entsprechend der Doppelbedeutung des französischen Substantivs expérience bezieht es sich sowohl auf das Experiment, mit dem der Komponist akustische Grundlagenforschung betreibt, als auch auf die akustische Erfahrung, die er empirisch sucht und an der die Zuhörer durch die Rezeption des Werks teilhaben können.
Kompositionen wie Vibrations Composées (1973) und Grande Polyphonie (1974), die in AGP 125 enthalten sind, wurden in einer „akusmatischen Weise“ geschrieben, die sich im Vergleich zu den radikalen Aufbruchsjahren des Komponisten durch größere Gelassenheit auszeichnete.
AGP 139
AGP 139 ist eine 24-Bit-Transkription von Grande Polyphonie, die 1978 auf dem INA-GRM-Label auf dem Vinyl-Album mit der Nummer AM 727.04 veröffentlicht wurde (siehe AGP 125 für eine 16-Bit-Transkription von CD).
Dazu bemerkte der ursprüngliche Schöpfer der AGP-Serie: „AGP 125 enthält eine 16-Bit-Transkription dieses Werks, das von einer CD stammte, aber es kam mir in den Sinn, meine Vinylkopie in 24-Bit- und 44-Bit-WAV zu transkribieren Dateien, 1 kHz, um zu sehen, ob es in dieser Arbeit einen Unterschied in der Auflösung der komplexen Klänge geben würde. Ich habe nicht versucht, A und B blind zu vergleichen, aber ich habe den Eindruck, dass die akustischen Klänge in den 24 präsenter sind -Bit-Version und dass sie auf der LP nur sehr leicht verzerrt sind, weiß ich nicht, wie hörbar das auf Mittelklasse-Geräten sein wird, und natürlich benötigen Sie einen D/A-Wandler, der 24-Bit-Quantisierung kann, sonst werden Sie nur eine auf 16 Bit reduzierte Version hören, aber ich biete diese Dateien an, um Ihnen die bestmögliche Version dieses hervorragenden Werks zur Verfügung zu stellen.“
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Stockhausen war ein sehr spiritueller, religiöser Mensch….ich denke nicht bezogen auf die Institution Kirche.
Gesang der Jünglinge im Feuerofen, meist auch offiziell nur als Gesang der Jünglinge bezeichnet, ist ein zentrales Frühwerk des Komponisten Karlheinz Stockhausen. Das Werk war bedeutend für die Entwicklung der elektronischen Musik. Es entstand 1955–56 im Studio für Elektronische Musik am Westdeutschen Rundfunk in Köln. Es wurde zusammen mit Gottfried Michael Koenig realisiert und am 30. Mai 1956 in Köln uraufgeführt. Die 5-Kanal-Komposition dauert 13 Minuten. Die Vokalpartien sang der damals zwölfjährige Josef Protschka.
Stockhausen markiert
Anordnung der Personen auf dem Cover: (1) Sri Yukteswar Giri, (2) Aleister Crowley, (3) Mae West, (4) Lenny Bruce, (5) Karlheinz Stockhausen, (6) W. C. Fields, (7) Carl Gustav Jung, (8) Edgar Allan Poe, (9) Fred Astaire, (10) Richard Merkin, (11) The Varga Girl, (12) Leo Gorcey, (13) Huntz Hall, (14) Simon Rodia, (15) Bob Dylan, (16) Aubrey Beardsley,(17) Robert Peel, (18) Aldous Huxley, (19) Dylan Thomas, (20) Terry Southern, (21) Dion DiMucci, (22) Tony Curtis, (23) Wallace Berman, (24) Tommy Handley, (25) Marilyn Monroe, (26) William S. Burroughs, (27) Sri Mahavatar Babaji, (28) Stan Laurel, (29) Richard Lindner, (30) Oliver Hardy, (31) Karl Marx, (32) H.G. Wells, (33) Paramahansa Yogananda, (34A) James Joyce, (34) Wachsfigur, (35) Stuart Sutcliffe, (36) Wachsfigur, (37) Max Miller, (38) The Petty Girl von George Petty, (39) Marlon Brando, (39B) Marcello Mastroianni, (40) Tom Mix, (41) Oscar Wilde, (42) Tyrone Power, (43) Larry Bell, (44) David Livingstone, (45) Johnny Weissmuller, (46) Stephen Crane, (47) Issy Bonn, (48) George Bernard Shaw, (49) H. C. Westermann, (50) Albert Stubbins, (51) Sri Lahiri Mahasaya, (52) Lewis Carroll, (53) T.E. Lawrence, (54) Sonny Liston, (54A) unbekannt (55) The Petty Girl (siehe [38] von George Petty, (56) George-Harrison-Wachsfigur, (57) John-Lennon-Wachsfigur, (58) Shirley Temple, (58A) Marcello Mastroianni, (59) Ringo-Starr-Wachsfigur, (60) Paul-McCartney-Wachsfigur, (61) Albert Einstein, (62) John Lennon, (63) Ringo Starr, (64) Paul McCartney, (65) George Harrison, (65A) Bette Davis, (65B) Timothy Carey, (66) Bobby Breen, (67) Marlene Dietrich, (68) Gandhi, (69) ein amerikanischer Veteran, (70) Diana Dors, (71) Shirley Temple
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (kurz: Sgt. Pepper) ist das achte Studioalbum der britischen Band The Beatles, das am 26. Mai 1967 in Großbritannien veröffentlicht wurde,[1] einschließlich des Kompilationsalbums A Collection of Beatles Oldies war es dort deren neuntes Album. In Deutschland erschien das Album am 30. Mai 1967, hier war es einschließlich der beiden Kompilationsalben deren zwölftes Album. In den USA wurde es am 1. Juni 1967 veröffentlicht, erstmals in einer nahezu identischen Form wie das Original in Großbritannien; hier war es ihr 14. Album.
Das Album gilt als eines der ersten Konzeptalben der Popmusik und als Meilenstein des Genres. Mit über 32 Millionen verkauften Exemplaren gehört es zu den weltweit meistverkauften Musikalben.
Das Werk wird häufig als frühes „Meisterwerk der elektronischen Musik“ bezeichnet.[2][3] Bedeutend ist insbesondere die Synthese von elektronischen/synthetischen Klängen mit der menschlichen Stimme, also mit gesungenen/natürlichen Klängen. Es wird damit oft als erste erfolgreiche Verknüpfung der zur damaligen Zeit in Deutschland avantgardistischen rein elektronisch erzeugten Musik und der in Frankreich entstandenen Musique concrète gesehen. Zur Klangerzeugung werden Sinus- und Impulsgeneratoren und mit Tonbandtechnik nachbearbeitete Knabenstimmen verwendet.
Das Werk verarbeitet das biblische Thema Der Feuerofen aus dem Buch Daniel. Der Grad der Textverständlichkeit der nachbearbeiten Gesangspassagen wird als kompositorischer Parameter verwendet. Es ist ein frühes Beispiel für die Momentform.
Momentform bezeichnet eine musikalische Kompositionstechnik, die besonders mit dem Werk von Karlheinz Stockhausen verbunden ist. Ein in Momentform geschriebenes Stück ist sozusagen wie ein Mosaik aus Momenten zusammengesetzt; ein Moment ist dabei ein „eigenständiger (quasi-)unabhängiger Abschnitt, der von anderen Abschnitten durch Brüche abgesetzt ist.
Stockhausen hatte sein Stück zu einer Zeit für fünf Kanäle konzipiert, als Rundfunk und Schallplatte noch einkanalig (mono) ausgelegt waren. Als technisch avancierteste Studiotonbandmaschine stand ein Vierspurgerät zur Verfügung. Stockhausen wollte diese mit einer Einspurmaschine parallel laufen lassen, die Koordination erwies sich jedoch als unmöglich; daher mischte er die fünfte Spur zu der vierten Spur hinzu. Da das Band der fünften Spur unterdessen verloren gegangen war und erst zum Ende des 20. Jahrhunderts aus der vierten Spur rekonstruiert werden konnte, muss Gesang der Jünglinge rezeptionsgeschichtlich als Vierkanalstück betrachtet werden.
Nr.8: GESANG DER JÜNGLINGE
4-Kanal elektroakustische Musik
1956 [13’14“]
Entwicklung
In den frühen 1950er Jahren arbeitete Stockhausen in den Studios des Westdeutschen Rundfunks (WDR) und manipulierte elektronische Sinuswellen, um Stücke wie STUDIE I und II zu schaffen. Parallel dazu studierte er Linguistik und Phonetik an der Universität Bonn. Diese Erfahrungen inspirierten ihn, ein Werk zu formulieren, in dem sich Sprache und synthetischer elektronischer Klang in einem glatten Kontinuum treffen konnten. Mit anderen Worten, er interessierte sich für Möglichkeiten, gesungene Töne mit elektronischen zu verschmelzen.
Um reine Sprachklänge zu erhalten, beschloss er, einen 12-jährigen Sängerknaben, Josef Protschka, aufzunehmen, der Fragmente singt, die aus dem apokryphen Bibeltext „Lied der drei Jünglinge im Feuerofen“ aus dem 3. Buch Daniel abgeleitet und permutiert wurden , in dem 3 christliche Jugendliche von König Nebukadnezar ins Feuer geworfen, aber aufgrund ihres Glaubensgesangs von einem Engel gerettet werden. Stockhausen selbst wurde damals für seine früheren Arbeiten stark kritisiert, und so fühlte er sich diesen Jugendlichen auch irgendwie verbunden.
Zusätzlich zu den neuen synthetischen Texturen, für die Stockhausen in diesem Werk Pionierarbeit geleistet hat, wurde hier erstmals das Konzept der räumlichen Bewegung im Raum mit der Klangprojektion von 4 Lautsprechergruppen untersucht (die räumliche Bewegung wurde auch in dem gleichzeitig komponierten Orchesterwerk GRUPPEN untersucht).
„Durch die Einbeziehung einer kontrollierten Positionierung der Schallquellen im Raum,
es wird erstmals möglich gewesen sein, ästhetisch zu demonstrieren
die universelle Anwendung meiner integralen seriellen Technik.“
– Stockhausen, aus „Actualia“, 1955/rev.1991
Ursprünglich länger geplant (ein 7. Abschnitt wurde aufgrund des Uraufführungstermins gekürzt), ist das letzte Werk etwas mehr als 13 Minuten lang, gilt aber immer noch als Meisterwerk der elektroakustischen Musik und als großer Fortschritt gegenüber Stockhausens früherer Elektronik funktioniert.
Auszug aus dem Manuskript von Gesang der Jünglinge
(© www.karlheinzstockhausen.org)
Gesprochene und gesungene Laute.
Stockhausen war daran interessiert, die Verständlichkeit (Verständlichkeit) von Sprache/Gesang in dieser Arbeit zu quantifizieren, deshalb erstellte er eine Skala von 1 „überhaupt nicht verständlich“ bis 7 „vollkommen verständlich“ (7 Stufen). Er tat dies durch verschiedene Techniken wie:
Permutation von Phonemen und Silben
Wortfolgen permutieren
permutierende Phrasen
Pausen zwischen den Silben
Hall hinzufügen
Schichtung (polyphon und unisono)
dynamische Lautstärkeänderungen vornehmen Überlagerung der Sprachklänge mit elektronischen Klängen
Durch die oben genannten Techniken wurde die 7-stufige Skala der Wortverständlichkeit erreicht und im ersten Hauptabschnitt von GESANG DER JÜNGLINGE ist die Skala in dieser Reihenfolge zu hören (obwohl die Wörter manchmal durch Überlagerungen weiter verschleiert werden):
0:10 Stufe 5
0:15 Level 1 (am wenigsten verständlich)
0:20 Stufe 2
0:27 Stufe 6
0:28 Level 7 (am verständlichsten)
0:34 Stufe 3
0:42 Stufe 4
(Die obigen Timings sind „Echtzeit“, nicht die CD-Zeit der Stockhausen Edition 3, die am Anfang eine 10-Sekunden-Stille hat. Addieren Sie 0:10 zu jedem Timing, um die CD-Zeit zu erhalten.)
Zusätzlich zu dieser Verständlichkeitsskala verwendete Stockhausen mehrere andere Skalen, um Tonhöhen, Dauer, Dynamik und andere Faktoren zu ordnen (die später ausführlicher beschrieben werden).
Zusätzlich zu dieser Verständlichkeitsskala verwendete Stockhausen mehrere andere Skalen, um Tonhöhen, Dauer, Dynamik und andere Faktoren zu ordnen (die später ausführlicher beschrieben werden).
Um die Gesangsspuren für GESANG DER JÜNGLINGE zu erstellen, erstellte Stockhausen zunächst sinusförmige „Führungsschleifen“, die die Tonhöhen, Rhythmen und Dynamiken der Partitur der Gesangsparts enthielten. Der Sängersänger spielte seine Gesangsparts mit diesen Sinuswellenmodellen in seinen Kopfhörern als Leitfaden sowie einfache visuelle Diagramme der folgenden Textmelodie. Überraschenderweise gibt es keine eigentliche Bearbeitung von Sprachmaterial (wie bei der „Wellenformbearbeitung“). Auch wurde auf eine Frequenzfilterung verzichtet, da Stockhausen das natürliche Timbre seiner Stimme bewahren wollte. Gegebenenfalls wurden manchmal leichte Tonhöhentranspositionen vorgenommen, um einige mikrotonale Skalennoten zu erreichen. Die einzigen hörbaren elektronischen Manipulationen, die auf der Sprachspur verwendet wurden, waren Anpassungen an der Dynamik (Lautstärke-Ein-/Ausblendungen) und das Hinzufügen unterschiedlicher Hallanteile.
Als Quellenmaterial dienten neun der zwanzig Strophen des „Liedes der drei Jünglinge im Feuerofen“. Wann immer Sprache auftaucht, lobpreist sie im Allgemeinen Gott. Tatsächlich ist „Preiset den Herrn“ („Lobe den Herrn“) in jedem der 6 Hauptabschnitte mindestens einmal deutlich zu hören, und der Originaltext hat tatsächlich „Preiset den Herrn“ als Eröffnungssatz in jeder Strophe (“ Jubelt“ wird auch als alternatives deutsches Wort für „Lob“) verwendet.
| Original Text in Detsch:
Preiset (Jubelt) den(m) Herrn, ihr Werke alle des Hernn— Preiset den Herrn, ihr Engel des Herrn— Preiset den Herrn, ihr Wasser alle, die über den Himmeln sind— Preiset den Herrn, Sonne und Mond— Preiset den Herrn, aller Regen und Tau— Preiset den Herrn, Feuer und Sommersglut— Preiset den Herrn, Tau und des Regens Fall— Preiset den Herrn, Reif und Schnee— Preiset den Herrn, Licht und Dunkel— |
Original Text in Englisch:
O all ye works of the Lord— O ye angels of the Lord, praise ye the Lord— O all ye waters that are above heaven, praise ye the Lord— O ye sun and moon, praise ye the Lord— O every shower and dew, praise ye the Lord— O ye fire and summer’s heat, praise ye the Lord— O ye dew and fall of rain, praise ye the Lord— O ye hoar frost and snow, praise ye the Lord— O ye light and darkness, praise ye the Lord— |
Elektronische Klänge – Sounds
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| Frequenzverstärker/Rückkopplungsfilter zur „variablen, relativ schmalen Filterung von Impulsen oder Rauschbändern, sondern auch als Generator bei extrem hoher Rückkopplungsempfindlichkeit.“ |
Die elektronischen Tonelemente wurden mit im WDR-Studio untergebrachten Radiowartungsgeräten (Impulsgeneratoren, Sinusgeneratoren, White-Noise-Generatoren) erzeugt. Stockhausen gliederte seine Klänge in 11 grundlegende Klangphänomene:
Sinuswellen (analog zu Sprachvokalen)
Sinuswellen mit periodisch veränderter Frequenz (Tonhöhe)
Sinuswellen mit statistisch variierter Frequenz (Tonhöhe)
Sinuswellen mit periodisch veränderter Amplitude (Lautstärke)
Sinuswellen mit statistisch variierter Amplitude (Lautstärke)
Sinuswellen mit periodisch variierten Kombinationen von Tonhöhe und Lautstärke
Sinuswellen mit statistisch variierten Kombinationen von Tonhöhe und Lautstärke
gefiltertes weißes Rauschen (analog zu Sprachkonsonanten) mit konstanter Dichte
gefiltertes weißes Rauschen mit unterschiedlicher Dichte
gefilterte Impulse (Klicks) (analog zu Sprachplosiven) mit periodischen Sequenzen
gefilterte Impulse (Klicks) mit statistisch variierten Folgen
Die elektronischen Texturen wurden in einer koordinierten „Performance“ erstellt, die Stockhausen und 2 Assistenzmusiker erforderte. Nachdem sie Kurven auf Papier gezeichnet hatten, verfolgten die drei die einzelnen grafischen Kurven, während sie (mit beiden Händen!) Steuerknöpfe von Klangerzeugern und Filtern drehten und das Ergebnis aufzeichneten. Mit diesen Methoden konnten sie herabstürzende und melodische Summen und Pieptöne sowie eine Vielzahl von bizarren atmosphärischen Geräuschen erzeugen. Stockhausen spricht über diese Verfahren in der 1. seiner British Lectures von 1972 (in diesem Videoclip gegen 12:20 Uhr).
Organisation nach Skalen:
„Die Grundkonzeption sollte klar sein:
Alles Disparate in einem möglichst lückenlosen Kontinuum ordnen, und dann alle Unterschiede aus diesem Kontinuum extrahieren und mit ihnen komponieren.“
– Stockhausen, „Musik und Sprache im GESANG DER JÜNGLINGE“, 1957
Die Sprachlaute wurden in einer Skala der Verständlichkeit (wie oben beschrieben), aber auch nach phonetischer Klangfarbe geordnet:
dunkle Vokale (langes „u“) zu hellen Vokalen (langes „e“)
dunkle Konsonanten („ch“ wie in „Loch Ness“) zu hellen Konsonanten (weiches „s“)
Vokale zu Konsonanten
Elektronische Klangfarben wurden analog bestellt:
Sinuswellen-Layer mit dunklem Timbre – Sinuswellen-Layer mit hellem Timbre (durch Ändern der Anzahl der Layer)
dunkles weißes Rauschen – helles weißes Rauschen (durch Bandfilterung)
reine harmonische – zufällige Rauschbänder
30 tonhöhenorientierte Skalen (Subharmonische, Oberton, Chromatik, Kombinationsskalen) wurden verwendet, um Faktoren zu organisieren wie:
Klangfarbe (Frequenzteiltöne)
melodischer Verlauf
Harmonien (Akkordfolge?)
Sprechgeräusche
Lautgruppentranspositionen
Tonhöhenregister
(In einer Diskussion im Jahr 2001 vor einer Aufführung von KONTAKTE erwähnt Stockhausen, dass es in diesem Werk 42 verschiedene Skalen mit Intervallbreiten von einer perfekten Quinte bis hinunter zu 1/30 einer perfekten Quinte gibt.)
Zusätzlich wurden Skalen verwendet, um Volumen, Dauer und räumliche Bewegung zu organisieren (basierend auf einer kreisförmigen Koordinatenkarte).
Die endgültigen Skizzen platzieren die Sprach- und elektronischen Klänge in 6 gestapelten Klangschichten (Kanälen). GESANG DER JÜNGLINGE war ursprünglich als 6-Kanal-Werk geplant, wurde dann aber auf 5 Kanäle reduziert. Aus praktischen Gründen wurde dann der 5. Kanal mit dem 4. Kanal kombiniert.
Strukturelle Organisation:
Auf einer größeren strukturellen Ebene wird GESANG DER JÜNGLINGE von 3 separaten Faktoren organisiert:
Zeit (unterteilt in 6 Hauptabschnitte, unten)
Schichtung („Schwärme“)
gefiltertes weißes Rauschen („farbiges Rauschen“)
Gesangsmelodienskizze „Preiset den Her ren Prei set den He rren“
(© www.karlheinzstockhausen.org)
In der Formstruktur nach Zeit (unterteilt in 6 Abschnitte) ist der Refrain „Jubelt den Herrn“ (bzw. „Preiset den Herrn“) in jedem Abschnitt mindestens einmal „intakt“ enthalten. Einige Funktionen werden unten beschrieben (die CD-Zeiten in der letzten Spalte sind unterschiedlich, weil der CD-Track am Anfang eine 10-Sekunden-Stille hat).
| Abschnitt | Schnittband Zeit | CD Zeit |
| 1 | „Jubelt den Herrn“ (entfernt, undeutlich bei 0:10 (Bandzeit)/0:20 (CD-Zeit)).
Der Abschnitt ist eine Art „Ausstellung“ der 7 Grade der Verständlichkeit der Sprachlaute, wie zuvor beschrieben. |
0:00 | 0:10 |
| 2 | „den Herrn jubelt“ (Chor, 1:02/1:12) „Preiset den Herrn“(solo, 1:07/1:17 und 1:56/2:06)Dieser Abschnitt bietet extremere Änderungen von Reverb, Dichte (Layering) und Register. Weitere elektronische „Schwärme“ erscheinen. 1:02 1:12 |
1:02 | 1:12 |
| 3 | „Preiset den Herrn“ (Solo, mit Pausen, 2:51/3:01 bis 3:05/3:15)
Die Verständlichkeit wird durch lange Pausen zwischen Silben und Wörtern beeinträchtigt. Schwärme werden zu sporadischen „Blöcken“. Manchmal taucht eine Bassmelodie auf. |
2:51 | 3:01 |
| 4 | „Preiset den Herrn“ (Chor/Solo bei 5:46/5:56)
Dieser Abschnitt betont auch Silben und Pausen, hat aber ein rückwärts laufendes Band von Abschnitt 2 darunter (ein rückwärts gerichtetes „Preiset den Herrn“ erscheint bei 5:38/5:48). |
5:15 | 5:25 |
| 5 | „Herrn preiset“ (polyphon mit Hall bei 6:53/7:03) „Preiset den Herrn“ (polyphon mit Hall bei 7:22/7:32 und 7:51/8:01)Bass-Puls-Melodien und „Shaker“ (gepulstes weißes Rauschen) erscheinen. Es werden mehr elektronische Zwischenspiele geboten als zuvor. Die Sprachanteile sind hier weitgehend geschichtet und mit unterschiedlichem Hall gestaffelt. |
6:22 | 6:32 |
| 6 | „Jubelt den Herrn“ (absteigend/aufsteigend um 8:42/8:53) „ju—belt“ (absteigendes Glissando um 10:50/11:00)Eine allgemein schnelllebige und dynamische Klanglandschaft mit komplexer Klangschichtung. |
8:40 | 8:50 |
Abschnitt 6 ist der komplexeste aller 6 Abschnitte und Stockhausen liefert in seinen veröffentlichten Notizen (auf der Stockhausen Edition 3 CD enthalten) einige zusätzliche Informationen über seine Konstruktion und Materialien.
23 Kombinationen werden aus 12 Arten von Klangkomplexen erstellt:
Sinuswellen-Schwarmkomplexe
Impulsschwarmkomplexe
Sprechgeräusche
weißes Rauschen (Schmalband) (oder „f“, „s“, „sh“)
geschichtetes schmalbandiges weißes Rauschen (Akkorde)
weißes Rauschen (Breitband) (oder stimmlose Vokale)
Einzelimpulse (oder „t“, „b“, „k“, „g“)
schwärmende Pulse, großer Tonhöhenbereich (oder „r“, „x“, „z“)
einzelne gepulste Akkorde
harmonische und nichtharmonische Schichten von Sinuswellen (Akkorde)
mehrschichtiger Gesang (Akkorde bilden)
synthetische Vokale (reiche Obertöne)
Die 23 Gruppenkombinationen scheinen nach einer Art Klangfarbenordnung organisiert zu sein, da die Gruppen von reinen Sinuswellenkomplexen bis hin zu gleichen Mischungen von Komplexen (Impulse, Sprachklänge, weißes Rauschen, Sinusakkorde usw.) , zu nur geschichteten Stimmbändern. Wie STUDIE II ist auch der letzte Abschnitt eine Kombination der vorherigen Abschnitte.
In jedem Fall ist Abschnitt 6 eine bravouröse Darbietung von Sprach- und elektronischer Klangmischung und ein ziemlich atemberaubender Höhepunkt des Werks. Der allerletzte Schwarm elektronischer Geräusche am Ende ist eigentlich der Beginn des unvollendeten 7. Abschnitts.
Abschnitt 6 Analyse, aus „Durch den sinnlichen Spiegel…Grundlagen von GESANG DER JÜNGLINGE“
(Pascal Decroupet, Elena Ungeheuer)
GESANG DER JÜNGLINGE Skizzenblatt Top-System zeigt Stimmlagen und Dauer,
Formen unten zeigen Schwärme elektronischer Töne.
(© www.karlheinzstockhausen.org)
Es gibt keine eigentliche „Partitur“ (nur Notizen und Skizzen darüber, wie Klänge erzeugt wurden), aber Transkriptionen „nach der Realisierung“ können interessant sein.
Transkription von Abschnitt 3 aus „Stockhausens elektronische Werke: Skizzen und Arbeitsblätter 1952-1967“ (Richard Toop)
und wiedergegeben in „Durch den sinnlichen Spiegel…Grundlagen des GESANG DER JÜNGLINGE“
(Pascal Decroupet, Elena Ungeheuer)
Liveauftritt – Live Performance
Bei der Aufführung sind fünf Lautsprechergruppen um das Publikum verteilt im Raum. Die Raumbewegungen der Klänge bilden eine essentielle, auskomponierte Werkebene. Dass die fünfte Gruppe von der Decke, als „Stimme Gottes“ strahlen sollte, ist eine unbelegte Legende. Stockhausen hat Mono- und Stereo-Versionen des Werkes für Radio und Schallplatte erstellt.
GESANG DER JÜNGLINGE soll über 4 Lautsprecher projiziert werden, die das Publikum umgeben. Als Stockhausen 2001 den renommierten Polar Music Prize (den „Nobelpreis der Musik“) gewann, steuerte er für die Verleihung die Klangprojektion von GESANG DER JÜNGLINGE.
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| GESANG DER JÜNGLINGE, 30.05.1956, WDR Köln. (© www.karlheinzstockhausen.org) |
Klangeindrücke
GESANG DER JÜNGLINGE ist trotz seiner relativen Kürze ein Meisterwerk. In nur 13 Minuten schildert es akustisch einen Dialog zwischen Mensch, Technik und Gott. Dieses Thema wurde seit 1957 von anderen Komponisten wiederverwendet, aber ich denke, in fast 50 Jahren war es noch nie so sparsam oder „gefühlvoll“. Gleichzeitig ist das Werk auch als vielschichtige Klanglandschaft erfahrbar, mit der Knabenstimme mal im Vordergrund und der Elektronik im Hintergrund – oder umgekehrt. Es ist erstaunlich, dass ein solch transzendentes Werk tatsächlich (zumindest für ein paar Wochen) in einem Studio des Westdeutschen Rundfunks komponiert wurde, das sich 5 Stockwerke unter der Erde in einem Atombunker befindet.
Eine weitere interessante Sache ist, dass, obwohl die Sprachelemente ursprünglich seriell organisiert waren, um eine gleichmäßige Verteilung von Attributen zu schaffen, wenn man mit dem Text vertraut ist (und viele Deutsche damals waren), diese Vertrautheit tatsächlich eher eine „klumpige“ Textur erzeugt als die klassische statische („flache“) Textur vieler seriell organisierter Werke. Ich denke, unter anderem aus diesem Grund hat GESANG DER JÜNGLINGE beim breiten Publikum mehr Anklang gefunden als viele andere Serienwerke der Nachkriegszeit.
Die Stockhausen-Gesamtausgabe CD 3, die dieses Werk (sowie mehrere andere große Stockhausen-Werke) enthält, ist sehr zu empfehlen, da sie ein sehr informatives Buch (aus dem einige Details der obigen Analyse stammen) und viele großartige Bilder enthält.
Rechts
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GESANG DER JÜNGLINGE Wiki
WDR Electronic Music Studio Tour (photos of electronic gear, 2015)
WDR Studios Vintage Pictures & Video Tour (120 Years of Electronic Music)
Through the Sensory Looking-Glass: Gesang der Jünglinge (Decroupet, Ungeheuer and Kohl)
Notes on Karlheinz Stockhausen’s Gesange der Jüngelinge (Bennett)
Gesang der Jünglinge: History and Analysis (Smalley, 2000)
„From Tape Loops to MIDI, Karlheinz Stockhausen’s 40 Years of Electronic Music“ (Manion)
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Computer Music, elektronische Klangmusik, experimental, Hacking electronic, Klanglandschaften, Kunst Raum Neue Musik, Musik & Spiritualität, Psychoakustik, Soundart, Sounds aus dem Weltall Tagged with: 1955, 5-kanal Komposition, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Albert Einstein, Albert Stubbins, Aldous Huxley, Aleister Crowley, amerikanischer Veteran, Anthony Braxton, apokryphen Bibeltext „Lied der drei Jünglinge im Feuerofen“ aus dem 3. Buch Daniel, Art in general, Assistenzmusiker, Aubrey Beardsley, avantgardistischen rein elektronisch, B Timothy Carey, Basel, Bern, Bette Davis, Bibel, biblisches Thema, bizarre atmosphärische Geräusche, Bob Dylan, Bobby Breen, British Lectures von 1972, Bruno Spoerri, Buch Daniel, C++, Carl Gustav Jung, Chuck, Computer Music, David Livingstone, Der Feuerofen, Diana Dors, die das Publikum umgeben. Als Stockhausen 2001 den renommierten Polar Music Prize (den „Nobelpreis der Musik“) gewann, Dion DiMucci, Dylan Thomas, Edgar Allan Poe, elektronischen Texturen, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Fred Astaire, Freiburg im Breisgau, fünf Lautsprechergruppen, Gandhi, George Bernard Shaw, George Harrison, George-Harrison-Wachsfigur, Gesang der Jünglinge, GESANG DER JÜNGLINGE soll über 4 Lautsprecher projiziert werden, gesungenen/natürlichen Klängen, Gott, Gottfried Michael König, H. C. Westermann, H.G. Wells, Hamid Drake, Harry Lehmann, Huntz Hall, Improvisierte Musik, Impulse, Impulsgenerator, Impulsgeneratoren, Issy Bonn, James Joyce, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, John Lennon, John-Lennon-Wachsfigur, Johnny Weissmuller, Josef Protschka, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Karl Marx, Karlheinz Stockhausen, Klangphänomene, Klaus Weinhold, Köln Studio für elektronische Musik, KONTAKTE, Kontakte Stockhausen, koordinierten "Performance", Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Larry Bell, Lenny Bruce, Leo Gorcey, Lewis Carroll, Lörrach, Luzern, Mae West, Marcello Mastroianni, Marilyn Monroe, Marlene Dietrich, Marlon Brando, Max Miller, MAXMSP, Meisterwerk der elektronischen Musik, Mensch, Michael Wertmüller, Momentform, Müllheim, Musik und Sprache, Musique concrète, Nebenau, Neue Musik, Oliver Hardy, Oscar Wilde, Paramahansa Yogananda, Paul McCartney, Paul-McCartney-Wachsfigur, Permutation, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Raumbewegungen der Klänge, Rauschbänder, Resin Binzen, Rheinfelden, Richard Lindner, Richard Merkin, Ringo Starr, Ringo-Starr-Wachsfigur, Robert Peel, Rückkopplungsempfindlichkeit, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Shirley Temple, Simon Rodia, Sinusgenerator, Sinusgeneratoren, Sonny Liston, Soundart, Spirituallität integral, Sri Lahiri Mahasaya, Sri Mahavatar Babaji, Sri Yukteswar Giri, Stan Laurel, Stephen Crane, steuerte er für die Verleihung die Klangprojektion von GESANG DER JÜNGLINGE., Stimme Gottes, Stuart Sutcliffe, Synthese von elektronischen/synthetischen Klängen, T.E. Lawrence, Technik, Terry Southern, The Petty Girl von George Petty, The Varga Girl, Tom Mix, Tommy Handley, Tonbandtechnik, Tony Curtis, Tyrone Power, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, unbekannt, verständlich, Vierspurgerät, W. C. Fields, Wachsfigur, Wallace Berman, WDR Köln, Weil am Rhein, White-Noise-Generatoren, Wilfrid Kirner Berlin, William S. Burroughs, Wollbach, Zürich
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(* 1943 in Mariestad) ist ein schwedischer Komponist, Musiker, Autor und bildender Künstler.
Improvisiert heißt ja nicht zwingend dass alles frei ist. Improvisation heißt ja nicht
frei, freie Musik ist etwas ganz anderes. Wenn es überhaupt eine gibt.
Improvisation ist ja, dass man aus einem Können, Eingeübtem, frei Stücke
heraus holt und in Zusammenhang mit den freien Stücken der Mitmusiker bringt.
Posted in Afrigal, elektronische Klangmusik, experimental, Free Improvisation, Free Jazz, Jazz, Klanglandschaften, Musik & Spiritualität, Noise, Power Electronic, Udo matthias drums Tagged with: „Die Harke und der Spaten“, „Ueber Ursache und Wirkung der Meinungsverschiedenheiten, 1943, 1965, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Alex Schlippenbach, Alexander von Schlippenbach, Alfred Harth, Anthony Braxton, Art in general, Autor, Autor und bildender Künstler., Axel Dörner, Basel, Bergisch-Brandenburgische Quartett, Berliner Schule, Bern, bildender Künstler., Bobo Stenson, Bosse Skoglund, Bruno Spoerri, Bühnenspiel „Die Harke und der Spaten“, C++, Chuck, Conrad Bauer, Deutschlandfunk, drummer, drums, Duoalbum Proclamation I, Eisler im Sitzen, Ernst-Ludwig Petrowsky, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Free Jazz, Freiburg im Breisgau, freie Improvisationsmusik, Globe Unity Orchestra, Hamid Drake, Hans Reichel, Harry Lehmann, HatHut, Improvisierte Musik, In St. Wendel am Schloßplatz, Jan Jelinek, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klangspuren im Tiroler Schwaz, Klaus Weinhold, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Maarten Altena, Machine Gun, Manfred Schoof, Mariestad, MAXMSP, Modernen Nordeuropäischen Dorfmusik, Müllheim, Musik für kleines Ensemble, Musiker, nahezu 40 Platten- und CD-Einspielungen, Nebenau, Neue Musik, Nicole Van den Plas, Norbert Eisbrenner, Nordeuropäischen Melodie- und Improvisationsorchester, Ol’ Man Rebop Ensemble, Oliver Augst, Paul Lincke, Per Henrik Wallin, Peter Brötzmann, Peter Giger, Peter Kowald, Pierre Favre, Puredata, Radu Malfatti, Ran Blake, Resin Binzen, Rheinfelden, Rüdiger Carl, Schlingerland, schwedischer Komponist, Soundart, Spontangedichte, Sven Ake Johansson, Trio EMT, Turmbau zu Babel, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Ulrich Gumpert, unübliche Materialien, verstärkt Akkordeon, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wolfgang Fuchs, Wollbach, Zürich, zwölf Traktoren in Leipzig
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(* 1. März 1951 in Cleveland, Ohio) ist ein US-amerikanischer Multiinstrumentalist und Komponist, der zur experimentellen New Yorker Downtown-Szene gehört.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, elektronische Klangmusik, experimental, Free Improvisation, Free Jazz, Jazz, Musik & Spiritualität, Noise, positive Negativität, Soundart, Soundeffekt, Udo matthias drums Tagged with: 1951, 1978, 1983, Aarau, Ableton, Afrigal, Afrika, Anthony Braxton, Anthony Coleman, Art in general, Avantgarde-Jazzgruppen, Ballett- und Filmmusik, Band Carbon, Basel, Berliner Schule, Bern, Bill Laswell, Bobby Previte, Bruno Spoerri, C++, Charles Noyes, Chuck, Cleveland, Cornell University, David Linton, David Torn, eigene Instrumente entwickelt, Elliot Sharp, Eric Mingus, ETH Zürich, Eugene Chadbourne, Experimentelle Musik, Freiburg im Breisgau, Gitarre, Guy Klucevsek, Harry Lehmann, Improvisation, Improvisierte Musik, Jazz, Jim Staley, jimi hendrix, Joey Baron, john coltrane, John Zorn, Kandern, Karl Friedrich Gerber, klassischen Konzertensembles, Klaus Weinhold, Komposition, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luzern, Manhattan, MAXMSP, Mike Watt, Morton Feldman, Müllheim, Multiinstrumentalist, musikalische Verläufe algorithmisch organisieren, Musikethnologie, Nebenau, Ned Rothenberg, Neue Musik, New York, New Yorker Downtown-Szene, Ohio, Peter Giger, Physik, Pierre Favre, Plattenlabel zOaR music, psychedelischen Bands, Puredata, Resin Binzen, Rheinfelden, Roswell Rudd, Samm Bennett, Soundart, Theater, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, Vernon Reid, Videokünstlerin Janene Higgins, Wayne Horvitz, Weil am Rhein, Wilfrid Kirner Berlin, Wollbach, Zeena Parkins, Zürich
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Anima & Berliner Schule
Limpe Fuchs erhielt im Alter von etwa zwölf Jahren ihren ersten Klavierunterricht. Nach dem Abitur studierte sie von 1962 bis 1967 an der Musikhochschule München, zunächst Schulmusik bis zum künstlerischen Examen sowie Klavier und Geige, später Perkussion bei Professor Hans Hölzl.
Anfang der 1970er Jahre begann sie mit ihrem Mann Paul Fuchs eigene Instrumente aus Holz, Metall oder Stein zu entwickeln. Gemeinsam gründeten sie 1969 das Duo Anima Musica, das sich in der deutschen Musikszene schnell einen Namen machte. Von 1972 bis 1978 bildete sie mit ihrem Mann und Friedrich Gulda das Trio Anima.] 1988 erfolgte eine Atlantic Crossing Tournee mit dem Flötisten Carlos Nakai. Ende der 1980er löste sich die Gruppe auf.
Limpe Fuchs spielte in zahlreichen Formationen. So bildete sie zum Beispiel von 1985 bis 1988 das Duo Consonanza Personale mit Friedrich Gulda; von 1994 bis 1997 das Julias Trio mit Sebi Tramontana und Georg Karger und spielte im Jahr 2006 im Occhio Quartet mit Hans Wolf, Zoro Babel und Elmar Guantes. Im Jahr 2012 trat sie mit fünf Musikern und Chor (Leitung: Michael Fischer) im Rahmen des Festivals Wien Modern auf. 2017 musizierte sie im Ensemble Bunte Truppe gemeinsam mit Ruth-Maria Adam, Ignaz Schick und Ronnie Oliveras. Zudem erfolgte eine Zusammenarbeit mit Musikern wie Albert Mangelsdorff, Hans Rettenbacher und Theo Jörgensmann.
2015 veröffentlichte das Berliner Plattenlabel Play Loud! Productions den gesamten Katalog von Anima und Limpe Fuchs in Form des Limpe Fuchs Archive.
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, experimental, Free Improvisation, Soundart, Udo matthias drums Tagged with: 1969, 1970, Afrigal, Afrika, Albert Mangelsdorff, Anima Berliner Schule, Anthony Braxton, Basel, Berliner Plattenlabel Play Loud! Productions, Bern, Binzen, Chuck, Duo Anima Musica, Duo Consonanza Personale, Elmar Guantes, Ensemble Bunte Truppe, ETH Zürich, Experimentelle Musik, Festival Wien Modern, Freiburg im Breisgau, Friedrich Gulda das Trio Anima, Geige, Georg Karger, Hans Rettenbacher, Ignaz Schick, ihrem Mann Paul Fuchs, Improvisierte Musik, Jazz, jimi hendrix, john coltrane, Julias Trio, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Klaus Weinhold, Klavier, Limpe Fuchs, Lörrach, Luzern, MAXMSP, Michael Fischer, Müllheim, Musikhochschule München, Occhio Quartet mit Hans Wolf, Paul Fuchs, Perkussion, Peter Giger, Pierre Favre, Professor Hans Hölzl, Puredata, Rheinfelden, Ronnie Oliveras, Ruth-Maria Adam, Sebi Tramontana, Soundart, Theo Jörgensmann, Udo Matthias, Weil am Rhein, Zoro Babel, ZORO BABEL drummer, Zürich
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https://www.youtube.com/watch?v=nLAQvEQKRe0
https://www.youtube.com/watch?v=W0PZ4R8MMyY
Posted in Afrigal, Art Kunst allgemein, Ästhetik, elektronische Klangmusik, experimental, Kunst Raum Neue Musik, Musik & Spiritualität, NOISE, Udo matthias drums Tagged with: Aarau, Ableton, Africa, Afrigal, Afrika, Albuquerque, Anthony Braxton, Art in general, Asia, Basel, Berliner Schule, Bern, Bruno Spoerri, Buenos Aires, C++, Christian Wolff, Christoph Caskel, Chuck, col legno, Con Luigi Dallapiccola, ETH Zürich, Europa, Experimentelle Musik, Fredy Studer, Freiburg im Breisgau, Ghana, Hamid Drake, Harry Lehmann, Heinz Holliger, Iannis Xenakis, Improvisierte Musik, India, Japan, Jazz, jimi hendrix, Joey Baron, John Cage, john coltrane, Kandern, Karl Friedrich Gerber, Karlheinz Stockhausens, Kevin Volans (Mbira), Kim Kashkashian, Klaus Weinhold, Kofi Ghanaba, Köln, Komponistin, Korea, Kraftwerk, Kunst(neue)Musik, Lörrach, Luciano Berio, Luigi Nono, Luzern, Mauricio Kagels, MAXMSP, Mexico, Montevideo, Morton Feldman, Müllheim, Nebenau, Neue Musik, New Mexico Symphony Orchestra, Nils Petter Molvær, Orchestra of Santa Fe, Perkussionistin, Peter Giger, Pierre Favre, Puredata, Rebecca Saunders, Resin Binzen, Rheinfelden, Robyn Schulkowsky, Salvador da Bahia, Salzburger Festspielen, Santa Fe, Soundart, South America, Sowjetunion, Space and Place, the USA, Tigran Mansurjan, Udo Matthias, Udo Matthias drums/electronic/software, University of Iowa, University of New Mexico, USA, Walter Zimmermanns, Weil am Rhein, Westafrika, Wilfrid Kirner Berlin, Wolfgang Rihm, Wollbach, Zürich
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(* 9. Oktober 1956 in Offenburg) ist ein deutscher Violinist der freien Improvisationsmusik und Komponist.
Kimmig hatte von 1966 bis 1974 Geigenunterricht und studierte dann von 1975 bis 1982 Philosophie, Soziologie und Kunstgeschichte. Er nahm Unterricht bei Leszek Zadlo, Muneer Abdul Fataah, John Tchicai und Cecil Taylor. Ab 1984 war er als professioneller Musiker aktiv, zunächst mit Solokonzerten und als Mitglied des Ersten Improvisierenden Streichorchesters. Er spielte im Trio mit Georg Wolf und Lukas Lindenmaier (CD rif-rif 1990) und ist Co-Leader des F-Orkestra, das mit Musikern wie Buddy Collette oder Peter Kowald zusammenarbeitete. Weiterhin spielte er im Ensemble von Cecil Taylor (CDs „Legba Crossing“, „Corona“), aber auch in Projekten von John Tchicai, Wladimir Tschekassin sowie mit Doug Hammond, Lee Konitz, Tony Oxley, Gabriele Hasler, Sirone oder Jürgen Wuchner. Er arbeitet im Trio mit Carl Ludwig Hübsch und Lê Quan Ninh. Daneben ist er Mitglied der Ensembles von Angelika Sheridan, von Géraldine Keller und von Hideto Heshiki. Gemeinsam mit Norbert Rodenkirchen komponierte er 2004 die Aura Christinae, die wiederholt in Stommeln zur Aufführung kamen (u. a. mit Maria Jonas und Albrecht Maurer). Kimmig schreibt auch Streichquartette und größere Orchesterwerke (‚Der Lauf des Lichtes und der Dunkelheit‘ Oratorium, 1999) sowie Filmmusiken.
oben: KHW Trio. Es besteht aus den Musikern Harald Kimmig, Violine, Sascha Henkel, E-Gitarre und Christian Weber Kontrabass. Die Musik des Trios entsteht durch freie Improvisation – im Spannungsfeld zwischen individuellem Ausdruck der einzelnen Musiker, der Fähigkeit zu spontaner musikalischer Kommunikation untereinander und dem Gesamtklang des resultierenden musikalischen Prozesses. Die Musik ist tief in den jeweiligen musikalischen Hintergründen und Prägungen verwurzelt, die musikalischen Erfahrungen der Musiker nähren sich aus unterschiedlichsten Quellen. Die jeweils um ein Jahrzehnt versetzten Geburtsjahre spielen dabei sicher ebenso eine Rolle, wie die diversen musikalischen Szenen und klanglichen Forschungsgebiete, in denen die drei Musiker aktiv waren und sind.
Das KHW Trio hat bereits in seinen ersten 6 Monaten seine eigene Sprache formuliert und präzisiert. Im Zentrum der Musik steht eine klangliche Synthese, die durch aktives, intensives Hören und Musizieren entsteht.
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